A espera acabou! Na segunda-feira (23), foi anunciado que, após 17 anos, a banda americana My Chemical Romance retornará ao Brasil em 2026 pela segunda vez. O único show da banda em solo brasileiro será no dia 5 de fevereiro, no Allianz Parque, em São Paulo, como parte de sua turnê pela América Latina.
A apresentação contará com a abertura da banda sueca The Hives e irá reunir brasileiros que acompanham a trajetória do grupo desde os anos 2000.
Formada em Nova Jersey nos Estados Unidos, em 2001, o My Chemical Romance tornou-se uma das bandas mais representativas do rock alternativo e símbolo do movimento emo. A formação atual é composta por Gerard Way nos vocais, Ray Toro e Frank Iero na guitarra, e Mikey Way no baixo.
O grupo lançou seu álbum de estreia, “I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love”, em 2002, mas o sucesso internacional veio em 2004, com “Three Cheers for Sweet Revenge”. No entanto, foi em 2006 com o disco “The Black Parade” que a banda atingiu o auge. O single “Welcome to the Black Parade” se tornou um hino da geração emo, alcançando o primeiro lugar nas paradas britânicas e consolidando o grupo no cenário global.
Após diversos sucessos, a banda entrou em hiato e anunciou sua separação em março de 2013. O retorno foi anunciado em outubro de 2019, com um show em Los Angeles. Em 2022, após dois anos de adiamentos devido à pandemia, a banda embarcou em uma extensa turnê, passando pelos EUA, Europa, Oceania e Ásia.
Desde a quarta-feira (25), início da pré-venda, fãs relataram insatisfação com o preço dos ingressos, que variam entre R$ 197,50 e R$ 895,00, além das cobranças de taxas adicionais. A revolta se intensificou com a cobrança da taxa de processamento, considerada uma novidade pela bilheteria oficial, a Eventim. A empresa alegou que essa tarifa garante a segurança dos dados dos consumidores, mas a justificativa não convenceu o público.
Já é um absurdo a taxa de conveniência ser em % e não valor fixo, pois o serviço é o mesmo independente do ingresso escolhido. Agora tem mais essa. 🤡
— Beta (@betadef) June 25, 2025
Mesmo com a revolta, a expectativa de alta demanda se confirmou: a venda geral, aberta nesta quinta-feira (27) ao meio-dia, resultou em ingressos esgotados em 10 minutos.
Por trás da explosão de cores, imagens familiares e estética publicitária da pop art brasileira, havia ruído, ambiguidade e protesto. Essa é a premissa da exposição Pop Brasil: Vanguarda e Nova Figuração, 1960-70, em cartaz na nova sede da Pinacoteca Contemporânea, em São Paulo. Mais do que uma exibição de obras pop, a mostra constrói um retrato crítico de uma década marcada por ditadura, censura e modernização desigual, e de como a arte respondeu a esse cenário.
A exposição celebra os sessenta anos das mostras Opinião 65 e Propostas 65, marcos da virada estética e política na produção brasileira. O percurso curatorial, assinado por Pollyana Quintella e Yuri Quevedo, reúne obras que reagiram diretamente ao avanço da indústria cultural, à opressão do regime militar e à transformação dos modos de vida. Em vez de apenas absorver os códigos da cultura de massa, os artistas incorporaram sua linguagem para tensionar o que ela ocultava: a violência da ditadura, o apagamento de subjetividades e a precarização das relações sociais.
A ideia de que “a pop arte é o braço avançado do desenvolvimento industrial das grandes economias” é ressignificada no Brasil, onde a modernização industrial coexistia com a informalidade, a desigualdade e a repressão. Em vez do otimismo norte-americano, a arte pop brasileira surge como crítica: reapropria slogans, transforma marginais em heróis, imprime silhuetas de bandeiras como gesto de manifestação coletiva. A visualidade sedutora do consumo encontra a resistência política camuflada nas superfícies gráficas.
A exposição percorre núcleos como Poder e Resistência, Desejo e Trivialidade, Criminosos e Cultura Marginal, entre outros. Em comum, todos os conjuntos partem de imagens produzidas ou apropriadas do cotidiano: televisão, jornal, embalagem; para apontar fissuras entre aparência e estrutura. Hélio Oiticica, Rubens Gerchman, Wanda Pimentel, Antonio Manuel e muitos outros traduzem a tensão entre censura e invenção por meio de performances, happenings e obras gráficas que confundem arte e ação direta.
Se nos Estados Unidos a pop art celebrava o consumo, no Brasil ela revelou o que havia por trás dele. A mostra explicita como a arte brasileira dos anos 1960 e 70 operou sob risco, incorporando elementos populares para criticar os próprios instrumentos de controle e espetáculo.
Mais do que rever o passado, Pop Brasil propõe um exercício de leitura do presente. Diante da repetição de discursos autoritários, da estetização da política e da crise na democracia, o gesto pop reaparece como estratégia de sobrevivência, uma forma de dizer muito com imagens que, à primeira vista, parecem dizer pouco.
A recente chegada dos streamings pode acabar com os cinemas. Internacionalmente, as plataformas têm se mostrado cada vez mais aptas a abalar seus concorrentes.
Depois da pandemia, os donos dos cinemas sentiram a diminuição de movimento, que preocupa não só a indústria, mas a sociedade em si. Filmes e curtas fazem parte da formação da cultura de civilizações, e a incerteza de sua existência atormenta. Os streamings ganharam força no período de quarentena, ocupando o espaço que as salas obtinham. O conforto de estar em sua própria casa, poder parar o filme a qualquer momento e a variedade no catálogo são alguns dos principais motivos do aumento da modalidade segundo pesquisas da Cinepop, site especializado em cinema.
De acordo com pesquisas da revista O Globo, a área do cinema conseguiu em 2023 superar as dificuldades e recuperar alguns de seus fregueses, mas os números seguem abaixo do que estavam antes da pandemia. Segundo o analista de mercado Marcelo J. L. Lima em entrevista para a revista, a crise é mundial, com ressalvas em países como França, Índia, Coreia do Sul e China, que tem menor influência de Hollywood. Ainda, a reportagem aponta que parte da fraqueza hoje encontrada na indústria se fez depois de 1980, a partir do início da migração dos cinemas de rua para os de shopping. Em 2008 apenas 27% deles eram fora dos centros de comércio.
Em entrevista para O Globo, Marcos Barros, presidente da Associação Brasileira das Empresas Exibidoras Cinematográficas Operadoras de Multiplex (Abraplex), apontou que os cinemas estão em apenas 8% dos municípios brasileiros, apenas 451 de um total de 5.565 cidades. A volta dos cinemas de rua poderia diminuir o desequilíbrio das salas, gerando uma maior popularização do cinema. Segundo Raíssa Araújo Ferreira, estudante de cinema na Belas Artes, “os cinemas estão se perdendo. Antigamente existiam vários cinemas de rua, de mais fácil acesso. Hoje está acontecendo uma elitização das salas. Elas estão, por exemplo, muito longe das periferias e concentradas nos shoppings, então existe todo o gasto com a locomoção. O cinema se torna um lugar de privilégio”.
“O cinema é a sétima arte. Ela é um conjunto de todas as outras artes, e o cinema é vivo. Ele é sempre atual. Ele é sempre de todas as épocas. Então nada que é vivo vai desaparecer sem deixar vestígios. O cinema tem muito o que falar. É como se as salas estivessem adormecidas. Elas não estão mortas, mas sim apagadas”, comenta a aluna.
A jovem complementa com ideias para a volta do triunfo das salas de cinema. “Acho que precisamos reinventar as salas. Apostar em programações mais diversas, ingressos mais acessíveis, novas salas mais perto da periferia e espalhar o cinema pelas cidades do Brasil. Criar o desejo de ir ao cinema, como um acontecimento, e trazer experiências mais imersivas, como convidar atores para, antes da sala de cinema, falarem sobre o filme. Trazer também eventos para apoiar o cinema de rua, investindo nas produções independentes e criando lugares públicos. Assim, as salas vão se reposicionar e oferecer algo que o sofá de casa ou a cama não oferece”.
A exposição “O Quinto Elemento”, em homenagem aos 35 anos do notório grupo de rap Racionais MC’s, está em cartaz desde o dia 06 de dezembro de 2024, no Museu das Favelas, no Pátio do Colégio, região central da cidade de São Paulo. A mostra era para ter sido encerrada em 31 de maio de 2025, mas, devido ao sucesso, vai agora até 31 de agosto.
Museu das Favelas
O Museu das Favelas está localizado no Centro histórico de São Paulo, mas esse nem sempre foi o seu endereço. Inaugurado no dia 25 de novembro de 2022, no Palácio dos Campos Elíseos, o Museu das Favelas ficou 23 meses no local até trocar de lugar com a Secretaria de Justiça e Cidadania do Estado de São Paulo, no dia 26 de agosto de 2024.
Fechado por três meses, o museu reabriu no dia 06 de dezembro de 2024, já com a nova exposição dos Racionais MC’s. Em entrevista à AGEMT, Eduardo Matos, um dos educadores do museu, explicou que a proposta da exposição chegou neles por meio de Eliane Dias, curadora da exposição, CEO da Boogie Naipe, produtora dos Racionais e esposa do Mano Brown. Eduardo complementou que o museu trocou de lugar para ter mais espaço para a mostra, já que no Campos Elísios não teria espaço suficiente para implantar a ideia.
Tarso Oliveira, jornalista e historiador com pós-graduação em Africanidades e Cultura Afro-Brasileira, comentou que a gratuidade do museu é um convite para periferia conhecer a sua própria história e que, quando falamos de Racionais MC's, falamos de uma história dentro da história da cultura hip-hop, que salvou várias gerações fadadas a serem esquecidas e massacradas pelo racismo estrutural no Brasil. “Nós temos oportunidades de escrever a nossa narrativa pelas nossas mãos e voltada para o nosso povo. Isso é a quebra fundamental do epistemicídio que a filósofa Sueli Carneiro cita como uma das primeiras violências que a periferia sofre.”, afirma o historiador.
O Quinto Elemento
Basta subir as escadas para o segundo andar do museu, para iniciar a imersão ao mundo dos Racionais. Na entrada, à sua direita, é possível ouvir áudios do metrô, com o anúncio das estações. Uma delas, a estação São Bento da linha 1-Azul, foi o berço do hip-hop em São Paulo, na década de 1980. À esquerda está um som com músicas dos Racionais, uma trilha que você irá ouvir em todos os espaços da exposição.
No primeiro espaço, podemos ver o figurino do Lorde Joker, além de uma breve explicação da presença recorrente na obra do grupo da figura do palhaço em apresentações e músicas como “Jesus Chorou”, em que Mano Brown canta: “Não entende o que eu sou. Não entende o que eu faço. Não entende a dor e as lágrimas do palhaço.”
Ao adentrar o segundo espaço, você mergulha na ancestralidade do grupo. Primeiro vemos imagens e um pouco da história das mães dos quatro membros, Dona Benedita, mãe e avó de Ice Blue; Dona Ana, mãe do Mano Brown; Dona Maria José, mãe de KL Jay e Dona Natalícia, mãe de Edi Rock. Todas elas são muito importantes para o grupo e ganharam, inclusive, referências em músicas como “Negro Drama” em que Brown canta: “Aí Dona Ana, sem palavra. A senhora é uma rainha, rainha”.
É nessa área que descobrimos o significado do nome da exposição. Há um painel no local com um exame de DNA dos quatro integrantes que revela o ponto de encontro entre eles ou o quinto elemento – a África.
O título se torna ainda mais significativo quando lembramos que a cultura hip-hop é composta por quatro elementos: rap, beat, break dance e grafite. O quinto elemento seria o conhecimento e a filosofia transmitida pelos Racionais, grupo já imortalizado na cultura brasileira, sobretudo na cultura periférica.
Na terceira área, podemos conhecer um pouco de Pedro Paulo Soares Pereira, o Mano Brown; Paulo Eduardo Salvador, mais conhecido como Ice Blue; Edivaldo Pereira Alves, o Edi Rock e, por fim, Kleber Geraldo Lelis Simões, o KL Jay. Entre os inúmeros objetos, temos o quimono de karatê de Blue e o trombone de seu pai, a CDC do KL Jay, rascunhos de letras de Brown e Edi Rock.
O próximo espaço é o “Becos do som e do Tempo”, que está dividido em vários pequenos slots que mostram a trajetória musical do grupo. Podemos ver rascunhos de letras, registros de shows e a história de algumas músicas, além de alguns prêmios conquistados durante a carreira do grupo.
Algumas produções expostas são “Holocausto Urbano” (1990); “Escolha seu Caminho” (1992); “Raio X do Brasil” (1993); “Sobrevivendo no Inferno” (1997); “Nada Como um Dia Após o outro Dia” (2002).
Nos próximos espaços, tem uma área sobre o impacto cultural, um cinema que exibe shows e o local “Trutas que se Foram” em homenagem a várias personalidades da cultura hip-hop que já morreram. A exposição se encerra no camarim, onde estão disponíveis alguns papéis e canetas para quem quiser deixar um registro particular na exposição.
Segundo Eduardo, a exposição está movimentando bastante o museu, com uma média de 500 a 800 pessoas por dia. Ele conta que o ápice da visitação foi um dia em que 1500 pessoas apareceram no local. O educador complementa que, quando a exibição chegou perto da sua primeira data de encerramento, em maio, as filas para visitar o espaço aumentaram consideravelmente. O que ajudou a administração a decidir pela prorrogação.
Eduardo também destaca que muitas pessoas vão ao museu achando que ele é elitizado, mas a partir do momento em que eles veem que o Museu das Favelas é acolhedor, com funcionários dispostos a tirar suas dúvidas e com temas que narram o cotidiano da população brasileira, tudo muda.
“Dá para sentir que o pessoal se sente acolhido, e tendo um movimento desse com um grupo que é das favelas, das quebradas, que o pessoal se identifica, é muito melhor. Chama atenção e o pessoal consegue ver que o museu também é lugar da periferia”, conclui.
Impacto Cultural
Os Racionais surgiram em 1988 e, durante todo o trajeto da exposição, podemos ver o quão importante eles são até hoje para a cultura brasileira, seja por meio de suas músicas que denunciaram e denunciam o racismo, a violência do Estado e a miséria na periferia – marcada pela pobreza e pela criminalidade –, seja ocupando outros espaços como as provas nacionais e vestibulares.
Em 2021, foi ao ar a primeira temporada do podcast Mano a Mano, conduzido por Brown e a jornalista Semayat Oliveira, que chegou a sua terceira temporada em 2025.
Inclusive, o podcast, que já teve inúmeros convidados da cultura e da política vai virar um livro, homônimo. A publicação sairá pela Companhia das Letras, que já publicou o livro “Sobrevivendo no Inferno”, em 2017.
Segundo Tarso, o grupo representa a maior bandeira que a cultura negra e periférica já levantou nesse país, visto por muitos como super-heróis do gueto contra um sistema racista e neoliberal; além de produtores de uma música capaz de mudar a atitude e a perspectiva das pessoas, trazendo autoestima, além de muito conhecimento.
“Um dos principais motivos do grupo se manter presente no cenário cultural é não se acomodar com a "força da camisa", como cita o Blue. E sempre buscar ir além artisticamente, fazendo com que seus fãs tendam a ir para o mesmo caminho e continuem admirando sua arte e missão.”, finaliza Tarso.
Serviço
O Museu das Favelas é gratuito e está aberto de terça a domingo, das 10h às 17h, com permanência permitida até às 18h. A retirada dos ingressos pode ser online ou na recepção do museu. Além da exposição “O Quinto Elemento”, também é possível visitar as exibições “Sobre Vivências” e “Favela é Giro”, nos mesmos horários.
“O sonífero”, projeto criado por Lucca Cantarim, estudante de jornalismo na Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC/SP) , tem por objetivo combater a visão reacionária a respeito de temas de gênero no entretenimento.
Trazendo a história da presença de personagens de diversas sexualidades e gêneros nos mangás e animes dentro da mídia japonesa, o autor trás uma reflexão leve, descontraída, porém importante a respeito de uma representatividade tão importante.
Os sete artigos que compõem o projeto estão disponíveis para serem lidos no site “Medium”, no perfil autoral de Lucca. Os textos contém entrevistas com pesquisadores, fãs e até mesmo leitores de dentro da comunidade LGBT que se identificam e se abrem sobre a importância da representatividade para eles.
Disponível em: https://medium.com/@luccacantarim/list/o-sonifero-d19af775653e
“O Meu nome é Maximilian Campani da Costa Souza, meu vulgo é SD9 e eu faço Grime”, esse é o começo da entrevista que Maximilian deu para Wesley Brasil em 2022, disponível no Youtube. Na entrevista que ele deu para nós, SD estava na “Reprezent Radio” rádio londrina que foi uma das pioneiras em tocar o estilo musical Grime, naquele periodo o MC havia viajado para Londres, o berço do Grime para conhecer algumas rádios e ver alguns amigos de lá.
Maximinian, o SD9, apelidado como O Fenômeno, em referência ao Ronaldo, o que também explica o 9 no seu nome, é um MC de Grime, estilo que surgiu nas periferias londrinas e mistura as batidas pesadas da eletrônica com rimas aceleradas do Rap. Referência dentro do gênero, o artista afirma que junto com o programa Brasil Grime Show foram peças chaves para difundir o estilo. Disponível no youtube o BGS é um canal fomentador da cultura Grime, fazendo Grime shows, que são sets de Dj’s com um ou mais Mc que rimam em cima das batidas, SD participou de inúmeros programas, inclusive do primeiro onde cantou com JXNVS e com ANTCONSTANTINO na controladora, na nossa conversa o artista comentou sem muito peso sobre como ele é o número um dentro do Grime nacional e que é impossível falar do gênero sem falar dele e do Brasil Grime Show.
Ainda falando sobre o BGS, ele afirma que o programa é muito importante para a cena, apesar de a maioria dos participantes não serem dentro da esfera do Grime, diz que o estilo no Brasil é muito pequeno mas que apesar de ter grandes nomes da música inglesa que tocam Grime, como Skepta, Stormzy e AJ Tracey a cena londrina também não é muito grande.
Seguindo a conversa, Maximilian demonstrou todo seu conhecimento de Grime, ele aprendeu a formula através de Grime shows gringos, porém o primeiro Grime que ele ouviu foi em 2006, Kickback do Lethal Bizzle, do Fifa street 2, ainda sem saber que era Grime. Em 2015, um amigo dele mostrou um som do Skepta, onde a partir daí, SD passou a procurar, aprender e querer fazer o estilo, ele afirma ter diversas referências, dentro e fora do Grime, o que é perceptível em sua obra, onde ele mistura Grime e funk proibidão.
Após falar sobre suas referências, perguntamos a ele sobre o seu último trabalho 40°.40 Deluxe, já que durante as pesquisas para a entrevista achamos uma matéria onde Maximilian explica a história da versão base do álbum, que é um álbum conceitual inspirado em Good Kid, M.A.A.D City, do Kendrick Lamar, queríamos saber qual seria a ideia dessa nova versão, sua resposta é que a versão deluxe foi lançado para falar de coisas que ele não havia falado, “eu não queria assustar tanto”, ele usa de exemplo a faixa Hediondo da versão deluxe, que conta a história de um menino que entra para o tráfico e descobre que sua irmã foi estuprada, a vingando ao matar o seu agressor, “as pessoas precisavam ouvir o papo reto e minha vivência mas sem assustar, chocar sem assustar”.
‘’No deluxe eu já não me segurei, eu taquei o fodase, eu preciso falar as paradas e o povo já conhece meu pique’’. Segundo ele o 40°.40 é mais eletrônico também, para ele o original tem 6 Grimes, 2 Drill e isso faz com que ele tenha um cara mais rap como estamos acostumados, são dois álbuns diferentes, um é a história dele e de seu bairro, enquanto o segundo é mais pesado em letras e sonoridade.
“Hoje em dia você não vê nenhum MC falar do Rio de Janeiro da forma que eu falo, pessoal fala de Grime Br e tal, mas antes disso sou carioca”, Max diz se considerar bairrista e que parte da imagem do álbum, a construção e o conceito do álbum passar por essa vivência, segundo ele, há áudios no disco de amigos que foram mortos pouco tempo depois, de exes e isso forma suas vivências e por isso para ele o Pitchfork fez uma resenha do seu trabalho, este site pega diversos lançamentos e fazem um review sobre o álbum, além de uma nota que vai de 0 a 10, 40°.40 recebeu nota 7.8 no site. Seguindo adiante passamos a conversar sobre como foi o trabalho para misturar o Grime e o Funk e como o estilo brasileiro, muito forte na cidade do Rio de Janeiro com os proibidões, fizeram Maximilian ter um trabalho tão plural, “Eu peguei o Funk e peguei o Grime e juntei, isso eu bato no peito pra falar e ninguém pode tirar isso de mim, foi um negócio que pensei na Bad Boy, que foi a primeira de todas, eu quero fazer Grime mas a sonoridade tem que ser diferente”, porém sua frase seguinte que mostra a sua relação com a cidade, “eu tinha que fazer diferente até porque eu não moro em Londres, eu moro no Rio”, para ele o proibidão é muito marginalizado, então se ele só fizesse proibidão, a indústria e a massa não dariam atenção ao seu trabalho.
SD continuou comentando sobre o funk, afirmando que o que ele faz é funk proibidão, pois foi onde ele teve referências, mas se ele só fizesse funk ele ficaria “pixado” pela polícia, por outras favelas, o que é comum neste meio, visto que ao entrar no proibidão muitos cantores passam a defender a bandeira da facção do lugar em que mora e por conta da discriminação que fazem com os funkeiros ele não teria o reconhecimento também, como por exemplo o MC Poze do Rodo, que era um MC de proibidão e só ficou realmente famoso quando saiu do estilo e passou a produzir funks convencionais, além da perseguição, Poze aparecia no jornal como um criminoso segundo Maximilian, “se eu parar de cantar o crime vai acabar? As meninas vão parar de engravidar cedo? Vai melhorar a saúde? A polícia vai parar de bater em nois, matar nois, querer dá tapa na nossa cara? não vai, entendeu mano, nois retrata o que acontece desde sempre”, após essa frase indaguei ele se talvez não falar tornava tudo pior por não colocar a debate e ele respondeu que se talvez ele não tivesse ouvido Racionais, Mv Bill, Cidinho e Doca talvez ele fosse querer ser bandido ao invés de MC.
Como última pergunta, questionamos em quanto tempo ele achava que o Grime conseguiria chegar no nível do Plug e do Trap, gêneros novos do Hip-Hop que fazem muito sucesso hoje em dia e SD9 respondeu na lata “Não vai, as pessoas subestimam muito o Grime, percebi isso aqui aqui em Londres, a cena aqui é pequena e surgiu aqui, o Drill engoliu o Grime, só faz grime mesmo quem ama, eu sempre bati nessa tecla, o Grime vai ficar para sempre como um gênero underground, artistas de Grime podem sim ser grandes, mas o gênero nunca vai ser, é difícil fazer e ser um bom MC de Grime, precisa estudar a parada, Grime não vai ser um trap, não vai ser um drill e vai continuar sendo subestimado, é animador mas vai ser subestimado, mas infelizmente ou felizmente o gênero não vai ser de chegar nesse nível”.
Para entender melhor a história do SD9 e consequentemente do Grime no Brasil, gravamos a entrevista na íntegra e disponibilizamos ela no SoundCloud, deixaremos o incorporado abaixo, para que possam ouvir no durante da leitura, ou para que entrem no app
Na última terça-feira (19), aconteceu a 9ª edição da MASP Festa, celebração anual do museu que foi criada com a missão de arrecadar fundos e garantir verbas para a instituição. O tema deste ano, "Histórias Indígenas", foi o centro de diversas oficinas, exposições, cursos e palestras durante 2023.
A organização, em parceria com a Chanel, contou com a presença de empresárias, modelos, atrizes e amantes do mundo da moda. "É uma festa que é muito ligada à valorização da arte e da cultura brasileira, o MASP fomenta e incentiva artistas brasileiros há muitos anos, então é uma ode à cultura e essa conexão entre cultura e moda." disse a atriz Carla Salle em entrevista, convidada pela marca para participar do evento.
A noite começou com um jantar assinado pela chef Manu Ferraz, do restaurante A Bananeira, que possui um espaço no subsolo do museu. Como entrada, foram servidos grandes montes de manteiga temperada com flor de sal posicionados bem ao centro da mesa, cobertos por formigas da Amazônia para comer com pães. Já o prato principal foi peixe no molho de tucupi, purê de banana e salada de feijão. Apesar da escolha extravagante, a chef buscou valorizar a cultura brasileira nos seus pratos.
Após o jantar, o professor pesquisador Ibã Huni Kuin do Acre, integrante do “Movimento dos Artistas Huni Kuin” (Mahku), fez uma apresentação na língua nixi pae. Ibã cobriu a icônica rampa do museu com pinturas do coletivo que está em exposição no MASP. "É uma primeira experiência que nós indígenas que estamos chegando no museu mostrando a cultura de língua, de cura e de admiração. Eu estou muito feliz compartilhando esse conhecimento, encontrando vários artistas e mais informações."
As atrizes globais convidadas pela Chanel, Sophie Charlotte (que estrela o filme "Meu Nome é Gal" no dia 19/10) e Isabelle Drummond (que possui rumores de participar numa novela na HBO Max futuramente) demonstraram seu apoio à causa do tema principal da noite. "A moda que movimenta tanto a opinião pública pode ajudar nessa luta de colocar a questão indígena no Brasil no centro da conversa. Demarcação é importantíssima, demarcação já!" disse Sophie. "Todo tipo de manifestação dá voz à causas, às esferas e aos povos. Essa movimentação e o fato das pessoas estarem aqui em prol disso já dá voz e traz conscientização." acrescentou Isabelle, que manifestou sua intensa identificação com o assunto após contar sobre suas visitas à terras indígenas.
O evento contou com outros convidados famosos para prestigiar o evento. Além do curador do museu Adriano Pedrosa, a festa estava repleta de patronos do MASP, art advisors e empresários — como Paula Mageste (CEO da Globo Condé Nast), Carol Bassi (dona da marca que carrega seu nome), Maria Laura Neves (redatora-chefe da Vogue Brasil) e Sandra Annenberg (jornalista).
Igi Ayedun, jovem patrona do MASP, artista e dona da galeria de arte Hoa, manifestou muito orgulho em apoiar todas as atividades do museu ao contar sobre ser uma das responsáveis pelo envolvimento da Chanel com a festa. "É muito bom que o MASP se responsabilize por fazer a história dos povos originários parte da cronologia da arte brasileira."
A vantagem dessa relação entre os patronos e a marca foi ressaltada por Taciana Veloso, convidada do Iguatemi. "É muito interessante ter a Chanel, uma marca tão importante no universo de moda e luxo, apoiar essa causa não é? A cultura faz parte do nosso país de uma forma muito relevante e essa é uma oportunidade de a gente estar aqui e prestigiar a arte brasileira e o museu que conta uma história linda pra gente", expôs a profissional de RP e uma das criadoras da Index.
Apesar de já possuir oito edições anteriores a essa, a MASP Festa teve pela primeira vez "sold-out" nos ingressos do show, segundo afirmação de Vanessa da Mata no seu Instagram. A empresária, patrona do museu e dona da grife de beachwear Jo De Mer esteve na festa desde a primeira edição e comentou sobre sua evolução ao longo dos anos: "O evento está ficando cada vez maior com mais adesão tanto da classe artística quanto de pessoas que apoiam o museu e a Chanel abre o caminho para outros patrocínios, para que em algum momento outros brands brasileiros possam estar envolvidos em eventos com fim de divulgar arte, cultura e nossas raízes."
Após o jantar, a noite seguiu com a apresentação de Vanessa da Mata, indicada ao Latin Grammy Award por melhor álbum de MPB pelo seu novo disco "Vem doce", e de DJ Dani Vellocet, que tocou até o fim da festa.
No dia 7 de Setembro, quinta-feira, Danny Masterson, estrela de programas como “ The Ranch" e “That 70' s show”, foi condenado a 30 anos de prisão por estuprar duas mulheres em Los Angeles. Apesar de ter sido sentenciado por dois casos, há mais de três acusações contra o ator. Os crimes ocorreram em sua casa, entre os anos de 2001 e 2003, momento auge de sua carreira.
O movimento “Me Too” ocorreu em 2017 e foi marcado pela exposição e acusação de crimes sexuais de diversos nomes de Hollywood como Kevin Spacey (ator) e Harvey Weinstein (produtor). Após a repercussão dessas denúncias, as vítimas de Masterson se sentiram encorajadas em expor o que tinham sofrido entre 2001 e 2003. As investigações começaram em 2017 pela polícia de Los Angeles e concluíram um Modus Operandi do agressor, que drogava e ameaçava com armas suas vítimas durante a violência sexual. Após as acusações, o ator foi afastado da série “ The Ranch” na qual atuava ao lado de Ashton Kutcher.
No início quatro mulheres acusaram o ator, porém apenas três delas foram a julgamento e ele foi sentenciado apenas por duas. Todas as suas vítimas o conheceram na igreja da Cientologia, a qual Masterson faz parte desde sua infância. Antes de irem a público, as mulheres avisaram a igreja de tudo que ocorreu, mas a instituição acabou as culpabilizando.
Em entrevista para a revista People, o vice-procurador distrital de Los Angeles, Reinhold Muller, afirmou que as vítimas demoraram para conseguir justiça e que a decisão do júri foi correta. Além disso, explicou que Masterson acreditava que não seria preso: “ ele sempre pensou que iria se safar”. Durante o julgamento, as mulheres que o acusaram depuseram e explicitaram a importância de sua condenação: “ Você é patético, perturbado e extremamente violento e o mundo fica mais seguro com você na prisão” afirmou uma delas.
Após a divulgação da sentença de Danny Masterson, cartas feitas por colegas do ator vieram à tona. Nelas, artistas como Mila Kunis e Ashton Kutcher – que participaram de That 70’s Show em 1998 com Danny – apoiavam o agressor, afirmando que ele possui uma boa índole e que nunca cometeria os crimes que estava sendo acusado. Os documentos foram pedidos pela defesa e entregues ao juiz do caso, visando uma pena mais branda. Além de Kunis e Kutcher, Will Baldwin, Debra Jo Rupp e Kurtwood Smith também enviaram cartas.
Em 2019, Danny Masterson e seu advogado deram uma entrevista à revista People e afirmaram que “ Isso [as acusações] é mais que ridículo.” Além de descredibilizar o movimento “Me too” dizendo que as mulheres estariam utilizando holofotes para se manterem na mídia
O segundo álbum de estúdio de Olivia Rodrigo, a queridinha do pop, foi entregue ao público na última sexta-feira e os números não mentem. O lançamento foi um sucesso, como o de seu antecessor “SOUR”.
“GUTS” acumulou mais de 60 milhões de plays no Spotify em sua estreia e todas as suas 12 faixas debutaram dentro do top 23 da parada global na plataforma.
Segundo Olivia, o projeto tenta capturar a confusão que vem com o processo de transição de uma jovem adulta, enquanto busca entender sua própria identidade e o seu lugar no mundo. Sua faixa favorita do álbum e uma das suas criações preferidas é “all-american bitch”, a introdução do disco. Para a artista, a faixa descreve muitos sentimentos reprimidos que ela guarda desde os seus 15 anos e nunca teve a coragem de expressar, até agora.
As faixas “all-american bitch”, “ballad of a homeschooled girl” e “get him back!” conversam conceitualmente entre si. Todas partilham batidas fortes, solos de guitarra marcantes e a sensação de estar lendo o diário de Olivia.
“Making the bed” e “the grudge” seguem o mesmo estilo de “drivers license”, famoso single do seu primeiro disco. São baladas melodramáticas do álbum, que são a marca registrada da artista. O tom e a sonoridade no refrão de “making the bed” soam familiares para quem conhece a melancolia de Phoebe Bridgers, principalmente em “Motion sickness”.
“Teenage dream” encerra o álbum enquanto faz referência ao famoso single de Katy Perry, trazendo uma perspectiva mais confusa e introspectiva sobre a juventude, mostrando que talvez ser jovem não é tão cor-de-rosa.
Ainda que o álbum represente muito bem a mentalidade de uma jovem de 20 e poucos anos, beirando o impossível não se identificar com a angústia e a ansiedade de suas letras, é perceptível a receita de bolo que a artista usa e abusa, na mesma fórmula pop-rock que vem sido explorada desde os anos 90, por Alanis Morissette, Blondie, The Veronicas que não ultrapassa o limite estabelecido desde o seu primeiro lançamento, Avril Lavigne, Paramore, entre outros.
A sonoridade de “GUTS” é bem mais ambiciosa do que a que vimos em “SOUR” e é notável um tom confessional mais agressivo, mas as limitações criativas da artista não se ultrapassam desde o seu primeiro lançamento, enquanto se mantém no mesmo eixo temático e conduz a narrativa da mesma forma.
Com novas acusações de plágio, a autenticidade de Olivia é posta em cheque novamente. O lançamento de “SOUR” foi marcado por acusações de plágio, tanto no projeto gráfico do disco – que supostamente plagiou o grupo independente Pom Pom Squad – quanto na faixa “Good 4 U” que inclui retroativamente Hayley Williams e Josh Farro do Paramore como coautores pela similaridade com o sample de “Misery Business”.
Infelizmente “GUTS” não fugiu do radar nesse aspecto. A faixa “all-american bitch” apresenta uma melodia muito similar à do single “Start all over”, de Miley Cyrus, lançado em 2007, e como sempre a internet não deixou passar.
“GUTS” parece ser sequencial e carrega um sentimento de continuidade em relação ao álbum anterior por narrar os mesmos temas, ainda que a partir de uma perspectiva mais madura e menos passiva. Porém, mesmo sendo mais rock, o álbum é monótono e as faixas se confundem, além do uso exacerbado de samples de outras músicas que empobrecem a originalidade do projeto e roubam o sentimento de estar ouvindo algo novo, de fato.
Por fim, só resta esperar que o próximo projeto de Olivia se diferencie trazendo uma receita nova e não apenas uma reprodução de tudo que já foi feito pelas estrelas do rock que a antecederam.
O Video Music Awards, mais conhecido como VMA, é um evento anual promovido pela MTV onde os principais artistas da indústria musical têm seus trabalhos reconhecidos. A edição deste ano, sediada em Nova Jersey, EUA, aconteceu nesta terça-feira (12).
Com a presença ilustre de grandes nomes, a premiação contou com performances de artistas como Nicki Minaj, apresentadora deste ano, Shakira, homenageada da noite, e Anitta em dose dupla. A edição 2023 do VMA também se destacou pelo aumento da diversidade, tanto nas indicações, quanto nas apresentações.
Performances
Abrindo os trabalhos, o rapper Lil Wayne – com o seu novo single "Kat Food" – entregou muita animação. Logo em seguida, a nova estrela do cenário pop internacional, Olivia Rodrigo, iniciou sua performance com a faixa "Vampire" do recém-lançado álbum "GUTS", e engatou "Get Him Back" na sequência. Usando os dois palcos principais, e abusando de artefatos pirotécnicos, o grande show no entanto, não agradou, pelo tom errôneo cantado pela artista.
O evento também foi palco do reencontro dos integrantes da boyband 'N Sync, que há 20 anos atrás ganhou a categoria de Clipe de Pop pela música "Bye bye bye". Apesar de não terem se apresentado, emocionaram a plateia.
Na terceira apresentação da noite com muita coreografia e sensualidade, foi a das rappers Cardi B e Megan Thee Stallion, performando pela primeira vez a recém lançada "Bongos". Tivemos também Demi Lovato com um medley de hits na versão rock, do álbum REVAMPED. Com uma banda só de mulheres, a artista repetiu em certo grau o seu show no The Town mas em menor escala, cantando Heart Attack, Sorry Not Sorry e Cool For The Summer.
Em parceria com a empresa Doritos, a MTV cedeu um pequeno espaço para a apresentação de novos artistas entre os shows principais da noite e o anúncio das categorias. Os artistas Kalii, Rene Rapp e The Warning cantaram pequenos trechos de suas canções duas vezes cada.
Um dos momentos mais aguardados pelos brasileiros era a performance de Anitta, que pela segunda vez consecutiva estava indicada e iria performar no evento. Vestindo um look com a bandeira do brasil estilizada no peito, representando o nosso país, a brasileira levou o funk para o palco do VMA ao cantar um medley das músicas do projeto Funk Generation: A Favela Love Story, sendo elas, Used To Be, Funk Rave e Casi Casi.
Seguindo com as apresentações, Doja Cat performou "Attention", "Paint The Town Red" e "Demons", levando a Internet à loucura com uma apresentação intensa e explosiva. Com dançarinas pintadas todas de vermelho, e vestida de terno – o qual foi tirado pela rapper ao decorrer da apresentação –, Doja entregou seu visual “edgy” no evento.
Primeira artista sul-americana a receber o Video Vanguard, Shakira fez uma performance com vários de seus hits, uma grande estrutura, vários dançarinos, coreografia ensaiada, vocais impecáveis e até fogo no palco. A homenageada da noite tocou guitarra, dançou com facas e levou muita latinidade ao VMA. Ela ainda finalizou com o seu sucesso em parceria com Bizarrap, e se jogou no meio da plateia e antes de ser içada a vários metros de altura em uma estrutura no meio do público.
Após a performance cinematográfica, ao receber a estatueta de astronauta dourada, ela agradeceu a todos que a apoiaram desde o início quando tinha apenas 18 anos, principalmente as mulheres especiais de sua vida e seus dois filhos, que estavam presentes. Finalizou oferecendo o prêmio aos seus fãs, os latinos que sempre a mantiveram firme e determinada.
Outra grande estrela da noite, Nicki Minaj apresentou o programa com um tom leve e brincalhão. "A MTV recebeu mensagem das pessoas com medo do que eu poderia falar", brincou a rapper. Mas além de ter conduzido a premiação com maestria e vários looks, a primeira mulher a ficar no topo das paradas com mais de 100 hits cantou seu último single "Last Time I Saw You ", do aguardado álbum Pink Friday 2. Em uma espécie de pedestal, a rainha do rap entregou vocais incríveis em um look transparente, coberto por um vestido preto. No encerramento, ainda emendou um trecho inédito de uma música que lançará na sexta (15), do supracitado álbum.
Estreando na premiação com muita cor, dança e sensualidade, Karol G trouxe "TÁ OK REMIX", sua parceria com Dennis DJ, Maluma e Kevin O Chris. Internautas afirmaram que a colombiana levou mais funk para o palco do VMA do que a nossa garota do rio.
Recebendo o prêmio Global Icon, outra grande honraria da noite, Diddy performou em seguida vários de seus sucessos e convidou ao palco vários artistas, incluindo Keyshia Cole. O rapper, ao receber a estatueta dourada, fez um discurso emocionante, remontando ao seu passado de entregador de jornais, o sonho de ser jogador de futebol, e como foi para a música, alegando que nunca imaginaria estar onde chegou.
Peso Pluma, STRAY KIDS, e Maneskin, fizeram suas estreias na premiação. A sensação mexicana fez uma apresentação mais acústica, enquanto o grupo de Kpop levou muita dança e intensidade ao palco. Já a banda de rock alternativo, com uma câmera em mãos, agitou o público.
Metro Boomin também foi uma das atrações da noite, performando vários sucessos de sua carreira, dentre eles a música "Calling" que faz parte da trilha sonora de Homem-Aranha: Através do Aranhaverso, de 2023. Anunciado pela cantora Bebe Rexha, mais um reencontro aconteceu em seguida, a banda de rock Fall Out Boys, após 16 anos, voltou a se apresentar no evento.
Com Sabrina Carpenter anunciando a nossa Anitta como super estrela global, o grupo de Kpop TXT e Anitta fizeram sua aguardada e surpreendente performance, levando os fãs à loucura. Tanto os integrantes do grupo quanto a cantora dançaram e cantaram o pré-release intitulado "Back For More". A brasileira, junto a Nicki Minaj, foram os únicos artistas que se apresentaram duas vezes durante a edição deste ano.
A premiação ainda contou com uma espécie de festa de aniversário. A cantora americana, Kelsea Ballerini, comemorou seu aniversário de 30 anos, visivelmente emocionada, se apresentando com uma orquestra inteira, e uma troca de figurino mágica no palco.
A última apresentação da noite foi em homenagem aos 50 anos do hip hop. Com grandes nomes de várias épocas, incluindo Nicki Minaj e Lil Wayne, a performance foi marcada por vários hits dos rappers, muita emoção e representatividade, tendo sido a mais longa da noite.
Premiações
Depois de 24 anos com predominância masculina na categoria de "grupo do ano", em 2023 o grupo feminino Blackpink levou o prêmio para casa.
Mas a noite pertenceu mesmo à Taylor Swift, que levou para casa o cobiçado prêmio de Artista do Ano, entre 8 outros prêmios: “Melhor Vídeo”, ‘Música do Ano”, “Melhores Efeitos Visuais”, “Melhor Vídeo Pop” e “Melhor Cinematografia”, com a música Anti-hero; “Álbum do Ano”, com Midnights e “Show do Verão”com a The Eras Tour.
Em uma grande surpresa devido aos rivais de peso, Anitta levou pela segunda vez consecutiva a categoria de melhor clipe latino por Funk Rave. A brasileira agradeceu aos seus fãs e gravadora e a si mesma no final, pois trabalhou duro para mais uma vez o funk brasileiro estar na premiação, indicado e performando, mas ganhando também. "Nós estamos aqui de novo Brasil", comentou.
Nicki Minaj levou a categoria melhor hip hop com Super Freaky Girl, e revelou a sua gratidão por tudo e todos.
Apresentada por Rita Ora, a categoria de melhor colaboração foi para Karol G e Shakira pela canção "TQG". As duas de mãos dadas foram ao palco e vibraram pela Colômbia, país de ambas.
Outros artistas premiados foram: BLACKPINK na categoria “Melhor co Coreografia”; Seven de Jungkook e Latto com “Música do Verão”; S-Class do Stray kids como “Melhor Música Kpop”; Ice Spice como “Artista Revelação”; Lana Del Rey e Jon Baptiste com “Melhor Video Alternativo”; Maneskin com “Melhor Vídeo de Rock”; Anitta com “Melhor Vídeo Latino”; Olivia Rodrigo com “Melhor Edição”; Calm down do Rema e Selena Gomez com “Melhor Afrobeat”; Karol G e Shakira como “Melhor Colaboração”; Candy da Doja Cat com “Melhor Direção de Arte”; Super freaky girl da Nicki Minaj com “Melhor Vídeo Hip-Hop”; Diddy como “Ícone Global”; SZA com “Melhor Vídeo Rythm e Blues”; Dove Cameron com “Video For Good”, ou traduzindo vídeo para o bem; e TXT com “Melhor Performance Inovadora" para Sugar Rush Ride.
O VMAs 2023 não foi apenas sobre prêmios e a celebração dos artistas premiados e indicados, foi também sobre criatividade e a capacidade única dos videoclipes e, principalmente da música, de impactar a indústria cultural.