Com um resgate das próprias raízes, a artista prova que é impossível se esconder, mesmo coberta de referências musicais no novo álbum
por
Pedro da Silva Menezes
|
14/03/2025 - 12h

Depois de muito apelo dos Little Monsters (fandom da cantora) e de Michael Polansky, seu noivo, Lady Gaga lançou na sexta-feira (7) seu sétimo álbum de estúdio, “Mayhem”. Com um nome que significa “caos”, o disco é uma mistura de gêneros com a originalidade da ‘Mother Monster’.

O primeiro single, “Disease”, criou no público uma impressão de como seria a era. Com versos como “Eu posso sentir o cheiro da sua doença, posso te curar” e uma sonoridade pop pesada que lembra trabalhos anteriores, como “The Fame Monster”, a esperança era de que o som a ser seguido fosse o do dark pop, estilo que a cantora domina, caracterizado por elementos densos na produção e na composição. 

A segunda música de trabalho, “Abracadabra”, e as fotos de divulgação reforçaram a expectativa de que uma Gaga que não ouvíamos desde 2012 estaria de volta.

Apesar de as duas músicas serem pops completos, com refrãos marcantes, pontes poderosas e videoclipes completamente esquisitos, no melhor estilo Gaga, elas são apenas uma das muitas experimentações que o público encontrará no álbum.

Processo de edição manual com cacos de vidro e sobreposição de fotos no ensaio fotográfico do álbum.
Processo de edição manual com cacos de vidro e sobreposição de fotos no ensaio fotográfico do álbum. Fonte: Reprodução/MTLA Studio.

A faixa “Garden of Eden” evoca uma atmosfera dos anos 2000, com sintetizadores semelhantes aos de “Do Somethin’”, de Britney Spears. A repetição silábica no refrão se tornou uma marca da cantora, e ela usa esse recurso com maestria desde “Poker Face”, repetindo a estratégia aqui e em “Abracadabra”. 

Trechos como “Abracadabra, amor, ooh-na-na / Abracadabra, morta, ooh-ga-ga / Abracadabra, abra, ooh-na-na” e “I'll t-t-take you to the Garden of Eden” mostram como a combinação entre letra e interpretação resulta em uma teatralidade musical característica da nova-iorquina.

Ao contar sobre as inspirações para as canções, Lady disse à revista Elle: “Alternativo dos anos 90, electro-grunge, melodias de Prince e Bowie, guitarra e atitude, linhas de baixo funky, dance eletrônico francês e sintetizadores analógicos”. Isso pode ser ouvido com clareza em “Killah”, que conta com um sample de “Fame”, de David Bowie. A parceria com Gesaffelstein é extremamente divertida e brinca com os instrumentos e a voz da cantora.

Tudo isso foi levado à máxima potência na apresentação que fez no sábado (8) no programa SNL. Entre gritos, trocas de looks e coreografia no chão, a música ganhou vida.

O rock também aparece em “Perfect Celebrity”, na qual fala sobre um tema recorrente em sua carreira: a fama. Contudo, diferente de “Killah”, nessa faixa tudo é mais sombrio. Em “Engasgue com a fama e torça para ficar chapado / Sente na primeira fila, veja a princesa morrer”, ela menciona a não lançada “Princess Die”, uma música muito querida pelos fãs da era “Born This Way”. A Mother Monster confirmou a referência em entrevista para a Billboard.

A primeira música escrita para o álbum foi “Vanish Into You”, candidata ao próximo single. A faixa aparece com destaque nos materiais de divulgação e aborda o amor de uma perspectiva menos esperançosa  que “Die with a Smile”. Nessa e em várias outras canções, o vocal da artista surpreende pela potência e versatilidade. No podcast Las Culturistas, ela revelou que chegava a gravar mais de 50 takes cantando de diferentes formas até encontrar a versão perfeita.

Foto do encarte do álbum com Lady Gaga deitada no chão.
Foto do encarte do álbum. Fonte: Divulgação/Frank Lebon

“Zombieboy” já viralizou no TikTok com uma dança. A música, que havia sido apresentada no clipe de “Disease”, cativa pelo som oitentista, mas com o toque inconfundível da cantora. Afinal, quem mais poderia falar sobre flerte usando uma metáfora com zumbis?

“LoveDrug” e “Don’t Call Tonight” são mais tímidas em relação às outras faixas do disco, sem traços marcantes. Elas lembram o estilo explorado em “Summerboy” e “Disco Heaven”, do “The Fame”, seu primeiro álbum. 

Gaga revelou, na coletiva de imprensa realizada com fãs e o Spotify, que revisitou muitas demos antigas durante o desenvolvimento do projeto. Talvez por isso o álbum soe como um resgate às suas raízes nova-iorquinas, explorando sons do alternativo do começo do século — uma cena da qual a artista fazia parte. “How Bad Do You Want Me” segue a mesma linha, mas com um pouco menos de identidade, chegando até a ser comparada com músicas de Taylor Swift nas redes sociais.

No filme “Gaga Chromatica Ball”, sobre sua última turnê, a compositora divulgou uma prévia de “Shadow of a Man”. O que parecia ser um pop convencional revelou-se, na verdade, uma viagem ao universo de Michael Jackson. Em uma homenagem, ela se entrega à performance ao cantar frases como: “(Eu não quero desaparecer na escuridão esta noite) mostre-me a luz / (Eu não quero ser aquela que se sacrifica) para ganhar vida / (Estou chegando lá, estou chegando lá) me veja, eu juro que vou / Dançar na sombra de um homem” no estilo do Rei do Pop. 

Tudo isso, envolto em uma mensagem sobre mulheres na indústria que estão à sombra de uma figura masculina tomando seu lugar de respeito, torna a música apoteótica.

A lenta “The Beast”, na reta final do álbum, serve como um respiro antes da balada que vem a seguir: “Blade of Grass”. A faixa é uma carta de amor da artista ao noivo, Michael Polansky, e faz referência ao anel de compromisso do casal. 

Ao ser perguntada sobre como gostaria de ser pedida em casamento, Lady Gaga disse a Polansky que ele poderia simplesmente pegar um pedaço de grama e enrolá-lo em torno de seu dedo — e assim ele fez. No entanto, além desse gesto simbólico, a estrela também recebeu um anel de diamante avaliado em mais de 6 milhões de reais.

O noivo participou ativamente da construção do álbum e tem sido citado por Gaga em várias decisões. Ele está creditado em sete das letras do disco e, em “Blade of Grass”, ajudou a escrever o verso: “Eu vou te dar algo/ É, não é um anel de diamante/ O ar que eu respiro”. Além de ser um dos maiores incentivadores da popstar nesse lançamento, Michael vem ganhando popularidade entre os fãs, que o agradecem por apoiar a cantora. 

O encerramento acontece com “Die With a Smile”, definida pela V Magazine como um “clássico instantâneo”. O hit se tornou um dos maiores sucessos da década. Inicialmente, parecia não se encaixar muito nesta fase, por ser bastante diferente dos outros singles. No entanto, dentro da tracklist, é provado o contrário, sendo um desfecho digno para um trabalho coeso da diva. 

Artista também é terceira mulher a vencer a categoria de Melhor Álbum de Rap no Grammy
por
Beatriz Alencar
|
14/03/2025 - 12h

A cantora Doechii foi nomeada a Mulher do Ano de 2025 pela Billboard, com o anúncio feito nesta segunda-feira (10). Com o título, a artista norte-americana tornou-se a segunda rapper a ganhar a honraria no mundo da música, a primeira foi a Cardi B, premiada em 2020.

A revista da Billboard descreveu Doechii como uma das principais artistas da atualidade a “redefinir o que é ser uma precursora na indústria musical”. Ela será homenageada em um evento da Billboard no final deste mês.

Foto: Divulgação álbum “Alligator Nites Never Heal” | Reprodução: Redes sociais | Fotógrafo: John Jay

Foto: Divulgação álbum “Alligator Nites Never Heal” | Reprodução: Redes sociais | Fotógrafo: John Jay

A rapper, de apenas 26 anos, fortaleceu mais a carreira musical em 2024, com o lançamento do álbum “Alligator Bites Never Heal”, uma aposta de mistura entre os gêneros R & B e hip-hop. O mixtape foi indicado para três categorias do Grammy, entre eles o Melhor Álbum de Rap, marcando a primeira vez desse estilo de faixa feito por uma mulher a alcançar essa indicação.

Apesar disso, após a indicação de Melhor Álbum de Rap, Doechii foi convidada para fazer parte da faixa “Baloon” do álbum “Chromakopia”, do rapper Tyler, The Creator. A participação aumentou a visibilidade da artista que começou a fazer apresentações virais em festivais e em programas de rádio e televisão.

As composições de Doechii já viralizavam nas redes sociais desde 2020, com músicas como “What It Is” e "Yucky Blucky Fruitcake", mas as músicas não eram associadas com a imagem da artista. Foi somente após o espaço na mídia tradicional e o convite de Tyler que a rapper foi reconhecida.

Em fevereiro deste ano, Doechii se tornou a terceira mulher a vencer a categoria de Melhor Álbum de Rap no Grammy ao sair vitoriosa na edição de 2025, novamente, seguindo a história de Cardi B.

Foto: sessão de fotos para a revista The Cut - edição de fevereiro | Fotógrafo: Richie Shazam

Foto: sessão de fotos para a revista The Cut - edição de fevereiro | Fotógrafo: Richie Shazam

A apresentação da artista norte-americana na premiação, ocorrida no dia 2 de fevereiro, também foi classificada pela Billboard, como a melhor da noite. A versatilidade, modernidade e o fato de ser uma mulher preta na indústria da música, aparecem tanto nas faixas de Doechii quanto nas roupas e shows, fixando essas características como um dos pontos principais da identidade da artista.

A rapper tem planos de lançar o próximo álbum ainda em 2025, e definiu os últimos meses como um "florescer de um trabalho longo", em declaração a jornalistas na saída do Grammy.

Filme independente da Letônia desbanca megaproduções estadunidenses na maior noite do cinema
por
Anna Cândida Xavier
Isabelle Rodrigues
|
10/03/2025 - 12h

 

No domingo, dia 2, na 97° edição do Oscar, “Flow” recebeu o prêmio de “Melhor Animação” de 2025. Pela primeira vez um filme produzido na Letônia leva a estatueta para casa, após superar grandes produções como “Robô Selvagem” da DreamWorks e “Divertidamente 2” da Disney. 

O longa-metragem independente acompanha um gato preto que perde seu lar em uma inundação e encontra refúgio junto a outros animais em um barco abandonado. Para sobreviver, o felino solitário precisa aprender a nadar, a caçar e a colaborar com outras espécies. Gints Zilbalodis, o diretor da animação, em seu discurso no Oscar destaca que “Estamos todos no mesmo barco, temos de ultrapassar as nossas diferenças e encontrar formas de trabalhar juntos”.

Representação do grupo principal do filme “Flow, a deriva” . FOTO: Janus Films/Reprodução
Representação do grupo principal do filme “Flow, a deriva” . FOTO: Janus Films/Reprodução

 

A animação não tem diálogos e os seres humanos não interferem na narrativa para além de construções destruídas pela água. O filme chamou atenção do grande público, principalmente por seus cenários inundados, paisagens sendo retomadas pela natureza, e a atenção aos detalhes da movimentação e dos animais. A ênfase na cooperação, na resiliência da natureza e na diversidade, em construir uma nova vida após um desastre, também marcam o filme.

Desde a vitória no Globo de Ouro em janeiro, a Letônia comemora, murais foram pintados e estátuas foram erguidas em homenagem ao gatinho preto, personagem principal do filme. O prêmio foi exposto no Museu Nacional de Arte da Letônia e atraiu mais de 15 mil visitantes. “Flow” se tornou o filme mais assistido da história do país, com mais de 300 mil espectadores e seu sucesso instigou o governo a investir mais no cinema nacional. 

Gato de 'Flow' ganha estátua no letreiro da cidade de Riga, capital da Letônia. Foto: Reprodução/@GZilbalodis
Gato de 'Flow' ganha estátua no letreiro da cidade de Riga, capital da Letônia. Foto: Reprodução/@GZilbalodis

 

O governo da Letônia financiou parte do filme, que custou US$3,8 milhões. Em comparação, os concorrentes na categoria tiveram orçamentos de US$78 milhões como “Robô Selvagem” e de US$200 milhões para “Divertidamente 2”. Zilbalodis, acumulou funções durante dos cinco anos de produção: foi diretor, co-roteirista, co-produtor, designer de produção e está creditado na trilha sonora.

Gato preto, apelidado de Flow, no filme FOTO: Janus Films/Reprodução
Gato preto, apelidado de Flow, no filme FOTO: Janus Films/Reprodução

 

Após a vitória, Gints Zilbalodis declarou em entrevista à CNN, “acredito que ‘Flow’ abriu portas para pessoas ao redor do mundo pensarem em fazer animação com software livres”. A fala do diretor faz referência à plataforma Blender, na qual o filme foi desenvolvido, um programa de código aberto que permite que desenvolvedores possam contribuir e aprimorar a ferramenta.

É possível ver a vitória do filme como um novo ponto de partida para futuras produções ao Oscar, tendo em vista o recente apreço da academia por novos nomes na indústria. Já que a alguns anos o monopólio criado no mundo das animações estagnou a liberdade criativa do mercado, repleto de sequências e filmes considerados “mais do mesmo” pelo grande público. 

Cena do filme “Flow”, vencedor no Oscar de 2025 FOTO: Janus Films/Reprodução
Cena do filme “Flow”, vencedor no Oscar de 2025 FOTO: Janus Films/Reprodução

O prêmio de “Melhor Animação” é relativamente recente no Oscar; somente em 2002 a categoria foi incluída oficialmente. Antes da inclusão a academia apenas homenageou algumas produções ao longo dos anos, como “Branca de Neve e os Setes Anões” em 1938, “Uma Cilada Para Roger Rabit” em 1989 e “Toy Story” em 1996. Durante esse período o Oscar valorizou primordialmente produções americanas de grandes estúdios como a Disney, Pixar e DreamWorks. 

Entre 2008 e 2023, apenas três filmes vencedores da categoria não faziam parte dos estúdios Disney, sendo eles “Rango” em 2012, “Homem aranha no aranha verso” em 2019 e “Pinóquio por Guillermo del Toro” em 2023. Além disso, o estúdio possui um histórico ainda maior, com 26 premiações e tendo sido indicado 59 vezes em diversas categorias, sendo até hoje o maior detentor de vitórias no Oscar.

As produções independentes, contudo, continuam a trabalhar na periferia da indústria cinematográfica. Após a vitória, o diretor do filme indicou que o estúdio responsável pelo gatinho preto já está trabalhando em novos projetos.  Em breve o público pode acabar se deparando com uma nova estatueta para a proeminente equipe da Letônia, no meio tempo, o filme “Flow - À deriva” está em cartaz até 28 de março nos cinemas brasileiros.

 

Tags:
Diretor vence em sua primeira participação do Oscar e leva 5 estatuetas
por
Maria Eduarda Cepeda
Clara Dell’Armelina
|
07/03/2025 - 12h

 

Neste domingo (02), durante o Oscar 2025, em Los Angeles, Sean Baker levou a estatueta de “Melhor Direção” por seu novo longa-metragem “Anora”. O grande vencedor da noite leva mais outras 4 estatuetas, incluindo de melhor atriz, melhor roteiro original, melhor montagem e melhor filme. 

Sean S. Baker, cineasta estadunidense e formado pela Universidade de Nova Iorque (NYU), tem seu nome marcado pelo cinema independente contemporâneo dos Estados Unidos em filmes como Tangerine (2015) e Projeto Flórida (2017).

Na foto temos Anora sentada no colo do seu interesse amoroso no filme.
A atriz Mikey Madison, que interpreta a protagonista Anora, levou a estatueta de “Melhor Atriz” pela sua atuação no longa-metragem. Foto: Divulgação/Universal Pictures Brasil

O filme premiado por melhor direção nesta 97° edição do Oscar conta a história da stripper Ani, (Mikey Madison) que se envolve com Ivan (Mark Eydelshteyn), um filho da aristocracia russa. Depois de casados, Anora passa a aproveitar uma vida repleta de riquezas e luxúria. Mas, a oportunidade da fuga de sua vida na margem da sociedade escorre por seus dedos a partir da desaprovação por parte dos pais de seu marido.

Em 2021, o cineasta produziu o filme “Red Rocket”, estrelado pelo ator e ex-modelo Simon Rex, conhecido pelos seus trabalhos na franquia “Todo Mundo em Pânico” e estrela do videoclipe “Tik Tok” da cantora Kesha. Na época, o filme recebeu prestígio e acumulou prêmios de festivais, e era uma das apostas para o Oscar de 2022, principalmente pela atuação de Simon, mas o filme não obteve nenhuma indicação.

O longa aborda, em grande parte, o cotidiano de personagens que levam suas vidas de maneira árdua, à margem da sociedade, retrato também abordado em “Anora”. 

Mikey e Strawberry estão se encarando frente a frente na loja em que a garota trabalha.
“Red Rocket” teve sua estreia no Festival de Cannes em julho de 2021. Foto: Divulgação/A24

 

Após receber o prêmio, Baker enfatizou a importância dos cinemas, a experiência de frequentá-los é uma resistência à existência desses espaços.  “Assistir a um filme no cinema com uma plateia é uma experiência [..] É uma experiência comunitária que você simplesmente não tem em casa. E agora, a experiência de ir ao cinema está ameaçada. Os cinemas, especialmente os independentes, estão lutando, e cabe a nós apoiá-los [..] Este é o meu grito de guerra. Cineastas, continuem fazendo filmes para a tela grande. Eu sei que eu vou”. No fim, dedicou sua vitória a sua mãe que o levava ao cinema desde pequeno.

Cibele Amaral, diretora de “Por Que Você Chora” (2021), caracteriza “Anora” como um “filme perigoso” e criticou a premiação do longa, argumentando que o filme dirigido por Sean Baker reforça estereótipos femininos e representa um retrocesso para as conquistas das mulheres na indústria cinematográfica. “As personagens femininas se resumem a estereótipos: as ingênuas prostitutas em busca do príncipe encantado, a ‘recalcada’ que disputa o macho da protagonista e a velha bruxa que tenta impedir sua felicidade”, diz a cineasta em duas redes sociais.

No texto para a editora Boi Tempo, Alysson Oliveira e Patrícia de Aquino criticam o estigma criado dentro da realidade da prostituição, “cujo objetivo único na vida seria deixar o trabalho e ser salva, de preferência por um homem branco e rico.”. No mesmo texto, apontam que, se por um lado, Sean Baker mostra-se como um diretor interessado na temática da prostituição, tabu para muitos, por outro, suas obras trazem à tona é uma inesperada visão de mundo conservadora e estereotipada.

“O filme é, além disso, todo marcado pela representação caricata de estrangeiros — especialmente do leste europeu, como Ivan, sua família e seus capangas.”, complementam Alysson e Patricia. 

 

 

Tags:
No discurso, a atriz afirmou ser uma “aliada das profissionais do sexo”, abrindo debates nas redes sociais
por
Ana Julia Bertolaccini
Giovanna Brito
|
07/03/2025 - 12h

A atriz estadunidense de 25 anos, Mikey Madison, venceu o Oscar de melhor atriz por sua personagem no filme “Anora”. A premiação aconteceu no domingo (2) e a decisão gerou polêmicas e discussões nas redes, reforçando o histórico do evento, que mais uma vez contrariou as expectativas do público. 

No discurso, a atriz, que interpreta uma trabalhadora do sexo no filme, abriu um debate sobre respeito a essas mulheres. “Sempre vou tentar dar espaço para essa comunidade, advogar para que elas possam viver as vidas que merecem e contar suas próprias histórias", afirmou a estadunidense.

Mikey concorria à categoria de melhor atriz ao lado de Cynthia Erivo por seu papel em “Wicked”, Karla Sófia por “Emília Perez”, Demi Moore por “A Substância” e  Fernanda Torres por “Ainda Estou Aqui”. 

Fernanda Torres e Demi Moore foram às plataformas digitais elogiar a jovem pela conquista. Cynthia Erivo e Karla Sófia não se pronunciaram.

Fernanda era a favorita para o público brasileiro, que sonhava com a conquista inédita na maior premiação do cinema. Apesar disso, era esperado que Demi Moore levasse a estatueta. A atriz já havia vencido como Melhor Atriz no SAG (Sindicato dos Atores) e Melhor Atriz em Filme de Comédia no Globo de Ouro. 

A derrota de Demi, que tem 62 anos, para uma atriz de 25, aumentou o debate sobre etarismo nas redes sociais, que já acontecia por conta de “A Substância”. No filme, Demi interpreta Elisabeth, uma atriz que, aos 50 anos, é apresentadora de um programa de ginástica, mas recebe a notícia de que será trocada por uma garota mais jovem.

Na foto, a atriz Mikey Madison aparece abraçada com o ator Mark Eydelshteyn em uma das cenas do filme "Anora".
Mikey Madison em Anora ao lado de Mark Eydelshteyn, que interpreta Ivan, personagem pelo qual ela se apaixona. Imagem: Divulgação/Universal Pictures.

O papel de Mikey Madison em “Anora” 

Em “Anora” Mikey interpreta Ani, uma jovem stripper de Nova Iorque que em uma de suas noites de trabalho conhece Ivan, o herdeiro de um oligarca russo, interpretado por Mark Eidelshtein. Ani acredita ter encontrado o amor da sua vida, se casando impulsivamente com o rapaz. Contudo, a notícia do casório chega na Rússia e os pais de Ivan ficam sabendo, o que coloca o relacionamento em risco.

O filme é uma montanha russa de sentimentos, e Mikey consegue retratar isso em sua atuação. Entre momentos cômicos, românticos, tristes e de tensão, o telespectador entende, não somente por palavras, o que os personagens estão passando. Além dela, o ator russo, Yura Borisov, também foi elogiado pelo desempenho ao interpretar um capanga que busca auxiliar na solução do caso de Ani e Ivan.

Apesar das críticas do público, “Anora” se destacou positivamente entre as diversas premiações cinematográficas. Só no Oscar o filme ganhou cinco vezes: Melhor Atriz, Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Roteiro Original e Melhor Montagem. Além disso, também tiveram prêmios no BAFTA, no Festival de Cinema de Cannes - incluindo a famosa Palma de Ouro e no Critics’ Choice Awards.

Cena do Oscar. Na esquerda, Emma Stone acaba de anunciar a vencedora da categoria de melhor atriz, na direita várias câmeras capturam as atrizes que participavam da categoria: Cynthia, Karla, Mikey, Demi e Fernanda.
Momento em que Mikey Madison leva prêmio de ‘Melhor Atriz’. Imagem: Reprodução/TV Globo.

 

Tags:
França recebeu o prêmio pelo filme, que foi gravado no Brasil
por
Ana Clara Farias
|
07/03/2025 - 12h

 

Vencedor do Oscar de melhor filme internacional, “Ainda Estou Aqui”’ é a produção responsável por trazer a primeira estatueta da Academia para o Brasil, mas não é a primeira obra feita por brasileiros a ganhar esta categoria. Em 1960, “Orfeu Negro”, dirigido por Marcel Camus (1912-1980), foi o ganhador, mas apesar de se passar no Brasil e retratar a cultura brasileira, o país que levou o prêmio foi a França.

O motivo era que a produtora brasileira responsável, Tupan Filmes, não foi a única e tampouco a principal responsável pelo longa. Na verdade, se tratava de uma coprodução ítalo-franco-brasileira em colaboração com a produtora italiana Gemma Cinematografica  e a francesa Dispat Films, esta sendo considerada a determinante, conduzida pelo francês Sacha Gordine (1910-1968).

Pôster de divulgação
Pôster de divulgação

 

Apesar do crédito ter sido dos franceses, a história é inteiramente dotada de elementos brasileiros e gravada em língua portuguesa. “Orfeu Negro” se passa em uma favela do Rio de Janeiro durante o período do carnaval e a trama é baseada na peça ‘Orfeu da Conceição’, de Vinicius de Moraes, uma recontagem do mito grego de Orfeu e Eurídice.

Assim como na tragédia grega, o drama gira em torno da união entre a música e a poesia, tendo o romance e a morte como os condutores do enredo. A ideia de uma narrativa clássica que preza a importância e o significado da música foi recontada com as melodias e a cultura brasileira em sua essência.

Vinicius de Moraes também participou da trilha sonora do filme, junto com Tom Jobim (1927-1994) e Luís Bonfá (1922-2001). Antônio Maria (1921-1964) teve músicas incluídas e o cantor Agostinho dos Santos (1932-1973) foi o intérprete da música-tema “Manhã de Carnaval”, mas nenhum desses dois e nem Moraes foram creditados. 

Casal do filme de mãos dadas
Cena do filme de 1959. Foto: divulgação

No elenco, os atores brasileiros Breno Mello (1931-2008) e Marpessa  Dawn (1934-2008) foram os protagonistas e os artistas Tião Macalé (1926-1993) e Cartola (1908-1980) fizeram uma participação especial. 

Além do prêmio da Academia, “Orfeu Negro” também recebeu a Palma de Ouro no festival de Cannes, da França e o Globo de Ouro de melhor filme internacional. Também foi indicado ao BAFTA (British Academy of Film and Television Arts) na categoria de melhor filme, mas perdeu para “Se Meu Apartamento Falasse” do diretor Billy Wilder. 

Tags:
Em seu novo trabalho, Abebe se confirma como um dos imortais na cena do rap nacional
por
Laila Santos
|
28/02/2025 - 12h

O rapper, escritor e compositor Abebe Bikila Costa Santos, conhecido como BK, lançou seu quinto álbum de estúdio em 28 de janeiro, intitulado “Diamantes, Lágrimas e Rostos para Esquecer” (DLRE). Com 16 faixas e participações de diferentes representantes da música brasileira, o disco conta com Djavan, Pretinho da Serra, Evinha, Fat Family, Borges, Mc Maneirinho, Luedji Luna, Luciana Mello, Maui, Melly, Jenni Rocha e Fye Bwoii. 

24h após a estreia, o álbum estava nos principais charts das plataformas de streaming: Spotify, Apple Music, Deezer e YouTube Music.  

A ideia inicial de sua nova obra foi explorar o uso de samples, utilizando somente modelos brasileiros que, segundo o compositor em uma entrevista para o Spotify Brasil, é algo que foi “se perdendo no nosso ‘rolé’ do rap.” 

O projeto, além da identidade visual diferenciada, tem a proposta de trazer uma visão de jornada pessoal, de se desligar de algumas coisas do passado para seguir em frente e reconhecer que isso é doído, e também sobre como as pessoas estão sempre correndo de algo ou correndo em direção a algo. O cantor explicou para o Hypebeast Brasil: “Fala muito sobre você ir para próxima fase... Continuar. Sobre você seguir, desapegar de algumas coisas, deixar pelo caminho, para poder continuar seguindo o seu caminho. Poder criar, crescer e fazer se entender... Então o disco vai por aí, né?! E com esse conceito em mente vou tentando falar de várias perspectivas, vários pontos de vista sobre esse 'desapego'.” 

É como se o artista compartilhasse seus labirintos com o público e, ao mesmo tempo, transmitisse a sensação de algo no coletivo, íntimo para o ouvinte. 

Em processo de criação desde o final de 2023, o fluminense organizou uma audição exclusiva para o nascimento de DLRE. Com a presença de 800 fãs que foram sorteados, o evento ocorreu nos dias 27 e 28 de janeiro, no Circo Voador, Rio de Janeiro.

 

BK' na audição do álbum DLRE
BK na audição do álbum DLRE / Reprodução: Instagram @bkttlapa 

 

“O BANDO NÃO ESPERA, SE FICAR O MONSTRO TE DEVORA. OU CORRE OU MORRE.” - O FILME DE DLRE 

Com a carga pessoal que o trabalho carrega, BK apresentou um pouco do disco no dia 26 de janeiro, através de  um curta-metragem que tem relações com suas raízes. A produção foi gravada em Harar, na Etiópia, país de origem do atleta Abebe Bikila, um dos maiores maratonistas do mundo e de quem o rapper carrega o nome, homenagem de sua mãe, que é militante do movimento negro desde os anos 1980. 

O compositor revelou, no podcast PODPAH, que o país de onde surgiu a inspiração do seu nome foi, justamente, o local onde encontraram as hienas, a figura da lenda citada no filme, menos perigosas para as gravações. 

 

Hiena do filme “Diamantes, Lágrimas e Rostos para Esquecer”
Hiena do filme “Diamantes, Lágrimas e Rostos para Esquecer” / Reprodução: Instagram @bkttlapa  

 

O filme é dividido entre alguns trechos das músicas e entre uma lenda, muito antiga, que apresenta um monstro misterioso, onipresente e sempre na espreita para atacar: “Uma lenda mais antiga do que a nossa própria existência. Que habita nas sombras. [...] Uma risada que precede o ataque. [...] O bando marcha, o monstro observa. Ele está em todos os lugares. Pronto para dilacerar qualquer um que se entregue à sua própria indolência”.  

Na faixa “Monstro”, o escritor faz a pergunta: “Quem é o monstro? Eu ou o tempo?”, sugerindo que a lenda seria uma metáfora ao tempo, mas BK deixa aberto à imaginação do público.     

   

Código de Conduta de ”Diamantes, Lágrimas e Rostos para Esquecer”
Código de Conduta de ”Diamantes, Lágrimas e Rostos para Esquecer” / Reprodução: Youtube 

   

ARTISTA COM “A” MAIÚSCULO  

O artista começou a fazer rap porque tinha vontade de falar ao mundo o que pensa e sente. Ainda para o PODPAH ele declara que não quer vender coisas irreais em suas músicas, “[...] eu sou um cara que, apesar de todo o meu talento, eu tive sorte. Eu sei o que eu passei na minha vida.”, ressaltando que conseguiu “abrir portas” graças ao hip hop e quer ajudar as pessoas a fazer isso também.

"O hip hop fez isso por mim, eu falo isso em toda entrevista e vou falar isso para o resto da minha vida, o hip hop me inspirou e não é só questão da ‘grana’, é questão de realmente procurar um caminho melhor, procurar uma vida melhor, ter um norte. [...]”, comenta o artista.

 

Capa do álbum "Diamantes, Lágrimas e Rostos para esquecer"
Capa do álbum "Diamantes, Lágrimas e Rostos para esquecer" / foto: Bruna Sussekind 

 

Após o encerramento da era ICARUS, em que o artista desenvolveu um álbum e promoveu uma turnê com diversos shows, incluindo um especial nomeado “ICARUS: A Apoteose”, o rapper alcançou 35 milhões de plays em uma semana de DLRE, se tornando a maior estreia da sua carreira.  

O show de abertura da tour do novo álbum de Abebe será no festival GIGANTES, no dia  26 de abril de 2025, na Praça da Apoteose, Rio de Janeiro, e trará com ele uma nova era do artista. 

 

 

Tags:
Em sua 97ª edição, evento anual reunirá cinco grandes diretores que almejam ganhar estatueta
por
Anna Sofia Carsughi
Marcelo Barbosa
|
28/02/2025 - 12h

A Academia de Artes Cinematográficas divulgou, na última quinta-feira (23), os diretores que irão concorrer à categoria de “Melhor Direção” do Oscar. Entre os listados, estão desde os mais maduros na indústria até os mais novatos. Os indicados foram anunciados no Samuel Goldwyn Theatre e o anúncio dos vencedores será realizado no próximo domingo, dia 2 de março.

 

Coralie Fargeat - The Substance (A Substância)

 

Destacando-se como a única figura feminina dentre os cinco finalistas na categoria melhor diretor”, Coralie Fargeat - diretora e roteirista francesa - apresenta uma obra ousada que tira o fôlego aos telespectadores. Seu primeiro trabalho de reconhecimento foi em seu curta “Revenge” (2017), responsável pela conquista de diversos prêmios via cinemas independentes. 

Seguido disso, a segunda obra que enalteceu o seu nome foi a lançada recentemente, indicada à premiação. Visto por grande parte do público como controverso, o filme satírico de terror, “The Substance”, lançado em 2024, parte de um princípio que retoma o absurdo como forma de enfatizar aspectos chocantes, mas de extrema importância para a realidade feminina, em um contexto etário pós-moderno. 

A bibliografia de Farjeat, no geral, se concentra em grande parte na força da mulher e no modo em que a figura feminina se reergue em situações nas quais é vista pelo público como fragilizada.

 A francesa, ao concorrer na categoria, busca uma oportunidade de se juntar ao elenco escasso e seleto de mulheres, frente a premiação do Oscar. Em cerca de um século que a academia se reúne para decidir as futuras diretrizes da indústria cinematográfica, apenas nove vezes na história observou-se a participação de mulheres concorrendo a alguma categoria do prêmio, enfatizando a característica fechada e excludente do Oscar. 

Recentemente, nas redes sociais, viralizou um vídeo da atriz Natalie Portman, na premiação de 2020, na qual criticou, de maneira discreta, a falta de representatividade feminina na categoria de “Melhor diretor”. A atriz, inclusive, apareceu na cerimônia usando uma capa bordada com o sobrenome de diversas diretoras que não foram indicadas a categoria, como forma de protesto. 

Há, dessa maneira, um valor simbólico e extremamente forte na participação de Coralie Fargeat, uma figura feminina que, ao ser indicada à premiação, busca espaço dentro da academia em defesa da equidade de gênero e de oportunidades dentro da indústria. 

Imagem da diretora Coralie Fargeat, uma das apostas para ganhar a estatueta.
Diretora Coralie Fargeat segurando estatueta. Reprodução/ Elle Brasil

James Mangold - A Complete Unknown (Um Completo Desconhecido).

O nova-iorquino James Mangold, 61 anos, é um dos outros nomes indicados na categoria. Apesar de ser sua primeira indicação, o estadunidense possui uma vasta e conhecida biografia, desde “Girl Interrupted” (1999), estrelado por Angelina Jolie e Winona Ryder, “Ford vs Ferrari” (2019), “Indiana Jones” (2023) e “A Complete Unknown” (2024), filme responsável pela indicação do diretor na premiação.

Os trabalhos de Mangold combinam diversos gêneros cinematográficos, enaltecendo a versatilidade do diretor em trabalhar com diversos ramos do cinema. Seus personagens retratam uma luta pessoal, seja pelo vício, cobiça, ou até mesmo pela própria identidade.

O produtor de  “Complete Unknown”, autobiografia do cantor Bob Dylan e protagonizado por Timothée Chalamet, relatou à CNN que apesar de estar honrado com a sua indicação, não possui nenhuma expectativa com relação ao Oscar. 

James Mangold ao lado do ator Timotheé Chalamet./ Reprodução: Vanity Fair
James Mangold e o ator Timothée Chalamet após prêmio The Gothams. Reprodução/ Vanity Fair

Sean Baker- Anora

Nascido e criado no Estado de Nova Jersey, o estadunidense Sean Baker é reconhecido notoriamente pelas suas produções independentes, acompanhadas de um baixo orçamento e uma vontade lúdica cinematográfica. Seus personagens, por vezes vistos como “decadentes”, representam a essência do que é manifestado pelo “american dream”, a busca pelo sucesso, prosperidade e, acima de tudo, mobilidade social. O cineasta norte-americano busca desestigmatizar estilos de vida, criando empatia do público pelo protagonista.

A majoritária coletânea do diretor possui enfoque nos outsiders e nos trabalhadores sexuais, como visto em “Red Rocket” (2021), “Tangerine” (2015) e em “Anora” (2024), filme responsável pela indicação do diretor. 

O uso do humor combinado com temáticas sensíveis e humanitárias, são responsáveis por romper com narrativas convencionais, buscando humanizar grupos marginalizados da sociedade e por muitas das vezes incompreendidos. E com “Anora”, produção que venceu a Palma de Ouro de 2024 em Cannes, além do Spirit Awards, a narrativa não se difere.

Brady Corbet- The Brutalist (O Brutalista).

Nascido em agosto de 1988 no Arizona, Estados Unidos, Brady Corbet é ator, cineasta e produtor. Com 22 anos de carreira acumulados, ele concorre ao Oscar de melhor direção pelo filme “O Brutalista”. A obra vem ganhando destaque nas premiações internacionais, chegando a levar o principal prêmio do Festival de Veneza, o “Leão de Prata”, e o de “melhor diretor” no Globo de Ouro.

Corbet iniciou a trajetória no mundo das séries nos anos 2000, quando atuou em um episódio de “The King of Queens”.  Porém, somente em 2003 que o cineasta conseguiu o primeiro papel atuando no cinema. Ele foi escalado para viver um personagem em “Thirteen”, da diretora Catherine Hardwick. Após fazer diversos papeis, Brady arriscou-se na direção de filmes em 2013, quando assinou um contrato para assumir o filme “The Childhood of a Leader”, que viria a estrear no Festival internacional de Veneza, no qual  levou, na seção “Horizontes”, o prêmio de melhor diretor. “The Brutalist” é o terceiro longa-metragem do cineasta, que é estrelado por Adrien Brody e por Felicity Jones.

Diretor Brady Corbet ao lado de sua família em premiação do Golden Globes. Foto: divulgação/Golden Globes
Brady Corbet ao lado de sua família em premiação do Golden Globes 2025. Reprodução/ Golden Globes



 

 

 

 

Tags:
Premiação mais importante de cinema acontece em Los Angeles neste fim de semana e reúne cinco concorrentes para a categoria
por
Kaleo Ferreira e Thayná Alves
|
28/02/2025 - 12h

 

A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas (em inglês, Academy of Motion Picture Arts and Sciences ou AMPAS) divulgou, no dia 23 de janeiro deste ano, a tão aguardada lista de indicações ao Oscar. Na categoria Melhor Animação, a disputa está entre cinco grandes produções: "Flow", "Robô Selvagem",  "Memórias de um Caracol", "Wallace & Gromit: Vingança das Aves" e "Divertida Mente 2" . 

O anúncio foi feito oficialmente pelo site e pelas redes sociais da AMPAS, com apresentação dos atores Rachel Sennott e Bowen Yang.

A 97ª cerimônia de entrega dos prêmios acontecerá no próximo domingo, dia 2 de março, e será apresentada pelo comediante Conan O'Brien. 

Conheça os filmes indicados a Melhor Animação no Oscar 2025

1.Flow - À deriva

Cena de “FLow - À deriva’’. Foto: Filmspot/ Reprodução
Cena de “FLow - À deriva’’. Foto: Filmspot/ Reprodução

Dirigido por Gints Zilbalodis, o longa retrata a jornada de um gato preto solitário que, após uma inundação devastadora destruir seu lar, encontra refúgio em um barco habitado por diversas espécies, aprendendo a conviver com elas e as diferentes ameaças encontradas no percurso. 

O cenário sugere um mundo pós apocalíptico, onde há apenas vestígios da presença humana e um grande ecossistema natural. Sem diálogos e com uma animação diferente dos outros concorrentes - realizada no Blender, um software gratuito usado para a criação de conteúdos em 3D - “Flow” venceu o Globo de Ouro de Melhor Animação em fevereiro de 2025 e conta com sons reais de animais e da natureza para contar esta comovente história.

Produzido na Letônia, “Flow” também foi indicado como melhor filme internacional, sendo concorrente do longa brasileiro “Ainda estou aqui”. 

2. Robô Selvagem

Cena de Robô Selvagem’’.Foto: Cabana do leitor/ Reprodução
Cena de Robô Selvagem’’.Foto: Cabana do leitor/ Reprodução

A trama acompanha a robô Roz, que naufraga em uma ilha desabitada e precisa aprender a se adaptar ao ambiente hostil, construindo relacionamentos com os seres locais. A robô foi construída por seres humanos e programada para servir, e quando se encontra em uma floresta selvagem, tenta a todo custo ajudar os animais ali presentes.

Neste processo, Roz acidentalmente destrói um ninho de gansos na ilha, e torna-se responsável por um dos ovos restantes, cuidando do filhote para garantir sua sobrevivência.

Dirigido por Chris Sanders, conhecido por "Lilo & Stitch" e "Como Treinar o Seu Dragão", o filme é baseado no romance homônimo de Peter Brown. “Robô selvagem” traz questões de maternidade e pertencimento, além de mostrar, de forma leve, o que acontece quando a natureza e a tecnologia se encontram no mesmo ambiente. 

3. Wallace & Gromit: Avengança 

Cena de “Wallace & Gromit: Avengança’’.Foto: IMDb/ Reprodução
Cena de “Wallace & Gromit: Avengança’’.Foto: IMDb/ Reprodução

A animação do estúdio Aardman traz de volta a história do inventor Wallace e seu fiel cachorro Gromit em seu incrível mundo de massa de modelar para as telas. Desta vez em "Wallace & Gromit: Avengança", temos o retorno do vilão sem expressão, o pinguim Feathers McGraw, que apareceu pela primeira vez no curta-metragem "Wallace e Gromit: Calças Erradas" de 1993 e que acabou ganhando a categoria no Oscar de Melhor Curta-metragem de Animação no ano seguinte.

O filme conta como Wallace teve a grande ideia de criar um anão de jardim que é capaz de realizar todas as tarefas domésticas no quintal de casa. Porém, da prisão, o vilão McGraw descobre a invenção e elabora o plano de hackear o anão e assumir o controle, com o objetivo de pegar o diamante para ele, e em contrapartida, fazer com que o dono acabe sendo acusado de vários crimes supostamente cometidos por sua criação. Vendo seu amigo em uma situação crítica, Gromit entra em ação para salvá-lo e punir o vilão.

Produzido no Reino Unido, “Wallace & Gromit” mostra o reencontro desses grandes personagens e uma continuação do filme de 1993. O estúdio não desistiu em inovar nessa grande história e promover  a nostalgia entre o público, transformando histórias simples em produções fantásticas e com grandes personagens já conhecidos.

4. Divertida Mente 2

Cena de “Divertida Mente 2”. Foto: Rolling Stone Brasil/ Reprodução
Cena de “Divertida Mente 2”. Foto: Rolling Stone Brasil/ Reprodução

Com um salto temporal na vida de Riley, que agora já é adaptada na cidade de São Francisco com seus 13 anos, a jovem entra na puberdade e na adolescência. Com esse amadurecimento, a sala de controle mental da garota passa por uma reforma para dar espaço a novas emoções: Ansiedade, Tédio, Vergonha e a Inveja, além das que já conhecemos no primeiro filme:  Alegria, Tristeza, Nojinho, Medo e Raiva. 

As antigas emoções ficam perdidas com essa mudança, não sabendo como agir e se sentir nesse novo momento, trazendo algumas preocupações em tentar lidar com tudo, principalmente com a chegada da Ansiedade.

Em mais um ano, a Pixar também está concorrendo a categoria com sua continuação do primeiro filme de 2015, que também competiu na mesma categoria de Melhor Animação, a qual ganhou a estatueta, e de Melhor Roteiro Original em 2016.

Apesar do filme ter a mesma fórmula do primeiro, ele é de grande importância por trazer novos assuntos, como o transtorno de   ansiedade, que é uma das maiores doenças psíquicas da atualidade,  e mostrar como o longa vai amadurecendo, como a Riley.

5. Memórias de um Caracol

Cena de “Memórias de um Caracol”. Foto: CinePOP/ Reprodução
Cena de “Memórias de um Caracol”. Foto: CinePOP/ Reprodução

O australiano, Adam Elliot, escritor, produtor e diretor do filme, volta aos cinemas depois de 15 anos com essa nova animação em stop motion, seguindo a mesma linha de seu último filme “Mary e Max”, trazendo temas como solidão, traumas e o próprio crescimento.

“Memórias de um Caracol” conta a história da jovem Grace Prudel. Se passando na Austrália de 1970, a menina cresce em uma família marcada pela tragédia. Ela e seu irmão gêmeo, Gilbert, são criados pelo pai que é paraplégico e alcoólatra, e sua mãe acaba morrendo. 

Anos passam e os gêmeos são separados, cada um indo para lares adotivos diferentes, enquanto Gilbert sofre em uma família evangélica cruel, Grace se retira e encontra conforto em sua coleção de caracois. 

Após anos de solidão, a jovem conhece Pinky, uma mulher idosa que vira sua amiga e juntas, compartilham histórias, lágrimas, risadas, fazendo com que Grace saia da sua concha e veja uma nova perspectiva da vida, observando a esperança e a beleza da vida.

Tags:
Fique por dentro dos filmes que chamaram a atenção da Academia e concorrem ao principal prêmio da noite
por
Amanda Furniel
Maria Clara Palmeira
Davi Rezende
|
28/02/2025 - 12h

Uma das noites mais esperadas pelos fãs de cinema está chegando. O Oscar 2025 será celebrado no próximo domingo, dia 2 de março, e está trazendo uma grande disputa na categoria de Melhor Filme, a principal da premiação, com produções aclamadas pelo público geral e pela crítica cinematográfica. A cerimônia será transmitida pela emissora Globo, a partir das 21h55.   

 

Entre os dez concorrentes, há desde grandes épicos históricos até dramas intimistas e inovações no cinema de gênero. Conheça um pouco mais de cada produção que está protagonizando o evento deste ano.

 

A Substância

Estreado no Festival de Cannes de 2024, o filme “A Substância” conta a história de Elisabeth Sparkle (Demi Moore), uma grande apresentadora que foi surpreendida com sua demissão, tendo a justificativa de que sua idade avançada prejudicava a atração do público.. Mais tarde, em um check-up, um enfermeiro lhe oferece um soro que trará a sua melhor versão - mais jovem e perfeita. Fragilizada, Elisabeth utiliza o soro em si, que resulta no surgimento da Sue (Margaret Qualley), sua versão alternativa. A trama se complica quando ambas as versões precisam coexistir, levando a conflitos de identidade e poder.

Desde seu lançamento, o filme acumulou diversos prêmios e indicações. No Festival de Cannes 2024, o diretor Corali Fargeat  recebeu o prêmio de Melhor Roteiro. Demi Moore foi reconhecida com o Globo de Ouro de Melhor Atriz por sua atuação intensa e vulnerável. Além disso, "A Substância" foi eleito o melhor filme de terror de 2024 pela revista Rolling Stone, que o descreveu como "um clássico instantâneo de terror corporal". 

A obra de Coralie Fargeat ganhou popularidade pelas referências do universo do terror e pelo seu audiovisual, que foi produzido majoritariamente com efeitos práticos. Com performances marcantes e uma direção ousada, "A Substância" não apenas provoca reflexões profundas sobre envelhecimento e autoimagem, mas também desafia o público a confrontar as normas culturais que perpetuam a valorização da juventude em detrimento da experiência e maturidade. 

O filme está disponível para ser assistido no streaming da Amazon, Prime Vídeo.

imagem do filme indicado ao oscar
Reprodução do filme A substância 


 

Ainda Estou Aqui 

Após 26 anos longe do Oscar , o filme marca a volta do Brasil a grandes premiações. Dirigido por Walter Salles e inspirado no livro de Marcelo Rubens Paiva, a obra se passa na década de 70, durante a ditadura militar, onde Eunice e Rubens Paiva (Fernanda Torres e Selton Mello) vivem uma vida tranquila com seus cinco filhos no Rio de Janeiro, até serem alvo da opressão do regime político.  

As ferramentas visuais e sonoras tiveram um papel espetacular no longa. Walter prezou por efeitos práticos e utilizou locais importantes do Rio de Janeiro, como Urca, Copacabana e Arpoador, como palco dessa história. O filme foi lançado no Festival de Veneza de 2024 e continua em cartaz nos cinemas brasileiros.

O longa é aclamado pela crítica internacional, acumulando uma lista de prêmios de grande prestígio, sendo um no Festival de Veneza de Melhor Roteiro e um Globo de Ouro de Melhor Atriz em Filme Dramático com a gigante Fernanda Torres. Além da categoria de Melhor Filme, a produção também está concorrendo a Melhor Filme Internacional e Melhor Atriz, com Fernanda, na premiação deste domingo. 

foto do filme indicado ao oscar 2025
Imagem do filme Ainda Estou Aqui: Sony Pictures, divulgação

Anora

“Anora” vem à temporada de premiações como uma das produções mais originais do ano. O longa conta a história de Ani (Mikey Madison), uma garota de programa do Brooklyn que, em meio à uma noite de trabalho, conhece o jovem filho de um casal de oligarcas russos, com quem se apaixona. Após semanas de uma vida de princesa, os dois decidem, por impulso, se casar e viverem juntos, o que não agrada a família do jovem russo, que decide acabar com o relacionamento.

Apesar de polêmico e excêntrico, o filme de Sean Baker traz uma profunda reflexão diante dos poderes sociais e da realidade do mito do sonho americano, enquanto a montagem frenética brinca com as emoções do espectador, que se espanta, diverte, ri e emociona ao longo das 2 horas e 15 minutos de filme. A obra começou a campanha chamando a atenção ao vencer a Palma de Ouro no festival de Cannes, um dos mais importantes da indústria, além de colecionar indicações e prêmios a seu roteiro e à atriz principal, Mikey Madison.

Dentro do Oscar, o filme ainda concorre às estatuetas de: Melhor Montagem, Melhor Direção, Melhor Roteiro Original, Melhor Ator Coadjuvante pelo papel de Yura Borisov (Igor) e Melhor Atriz pela interpretação de Mikey Madison (Ani). Em outras premiações como Globo de Ouro e o SAG Awards, Anora também marcou presença mas não levou nenhum prêmio, à exceção do Critics Choice Award, onde o filme levou o troféu de Melhor Filme e se consolidou como forte candidato à estatueta do Oscar. Anora pode ser visto nos cinemas.

poster do filme indicado ao oscar
Poster do filme Anora

Conclave 

A obra traz uma história pouco usual para as telonas, dando um mergulho em um dos eventos mais confidenciais e misteriosos da humanidade, a eleição de um novo papa. Na trama, após o falecimento do papa, o cardeal Lawrence (Ralph Fiennes), homem de maior confiança do pontífice, se torna o responsável por reunir sacerdotes do mundo inteiro no Vaticano para que então ocorra a votação. Em meio a cardeais de diferentes ordens, o protagonista se encontra perdido em uma corrente de segredos e escândalos que poderiam arruinar a reputação da igreja católica.

O filme dirigido por Edward Berger tem se destacado em meio à temporada de premiações graças a seu grande investimento técnico e elenco de peso. A produção recria os cenários clássicos do Vaticano com perfeição, além de trazer outros grandes atores, como Stanley Tucci (Cardeal Bellini) e Isabella Rossellini (Irmã Agnes). O roteiro, assinado por Peter Straughan, é dinâmico e apresenta os mistérios e reviravoltas da trama como um suspense que não permite o espectador tirar os olhos da tela.

Além de melhor filme, a Academia também reconheceu a obra em mais 7 categorias. O filme também deu as caras em outras importantes premiações, como no BAFTA, onde levou o prêmio de Melhor Filme, Melhor Filme Britânico e Melhor Roteiro Adaptado, além do Globo de Ouro, onde levou Melhor Roteiro de Cinema, e mais recentemente no SAG Awards, vencendo o prêmio de Melhor Elenco. Conclave está disponível para ser assistido nos cinemas. 

imagem do filme conclave
Reprodução do filme Conclave

 

Duna: Parte 2

Sucesso de bilheterias em 2021, Timothée Chalamet e Zendaya retornaram em 2024 para a segunda parte do filme “Duna”.  A adaptação conta a história do protagonista Paul (Timothée), um jovem que possui poderes que lhe permitem sentir o futuro. Após uma invasão em seu território, Paul se une a Chani (Zendaya) e com os Fremen em sua busca por vingança contra os Harkonnen. Com o desenvolvimento da história, o personagem terá que realizar escolhas difíceis que impactam em um futuro que só o próprio conhece.

Com o orçamento de U$190 milhões, o longa foi gravado em IMAX, uma tecnologia que permite a alta resolução de imagens e vídeos. Foi utilizado o máximo de locações reais possíveis, deixando o uso de CGI (Imagens geradas por computador) apenas em momentos cruciais. No BAFTA 2025, o filme foi reconhecido com o prêmio de Melhores Efeitos Visuais. A trilha sonora, desenvolvida por Hans Zimmer, é aclamada pelo público e destaque em premiações. 

Desde seu lançamento, o filme recebeu aclamação da crítica e do público, alcançando 93% de aprovação no Rotten Tomatoes. Além disso, "Duna: Parte 2" conquistou diversos prêmios, incluindo Melhor Filme no Las Vegas Film Critics Society Awards 2024, onde também levou outras cinco categorias, como Melhor Direção para Denis Villeneuve e Melhor Fotografia. 

O longa também está sendo indicado em outras 4 categorias no Oscar 2025: Melhor Design de Produção, Melhor Som, Melhores Efeitos Visuais, Melhor Fotografia. O filme está disponível na MAX ou no Prime Vídeo.

poster do filme duna
Poster do filme Duna: parte 2

 

Emilia Pérez

“Emília Perez” é um musical que segue a vida de Rita (Zoe Saldaña), uma advogada mexicana que se envolve com o cartel ao ser chamada pessoalmente por Manitas del Monte (Karla Sofía Gascón), o líder do crime na cidade, para representá-lo judicialmente. Dentre seus interesses, o principal desejo do chefe do cartel é, na verdade,  poder realizar a transição de gênero, por ser uma mulher trans, e assim, abandonar a vida no crime e adotar uma nova identidade, Emilia Perez. Apesar das recentes polêmicas que envolveram a obra em relação à sua produção e à atriz principal, Karla Sofía Gascón, Emília Perez faz uma grande campanha na temporada de premiações desde o início de suas sessões em festivais internacionais. Dirigido pelo francês, Jacques Audiard, o filme conquistou espaço na atenção do público, tendo ganho o prêmio de Melhor Atriz em Cannes, e batido o recorde de indicações à estatuetas do Oscar, com um total de 13 indicações.

Apesar de sua forte campanha desde o início da temporada, com premiações nos principais festivais internacionais, a obra do francês Jacques Audiard tem se envolvido em fortes polêmicas ao longo de suas exibições ao público. Umas das principais questões envolvendo o filme é o fato de ser uma produção que trata sobre o povo mexicano de forma estereotipada, com todas as cenas filmadas nos EUA, direção e roteiro franceses, e elenco majoritariamente estadunidense (com exceção da atriz principal, Karla Sofía Gascón, nascida na Espanha). Em adição, o filme também foi pauta negativa entre a comunidade transexual, que avaliou a representação da protagonista, Emília Perez, como preconceituosa e incorreta. A atriz principal da obra também se envolveu recentemente em polêmicas, ao serem descobertos antigas públicas na rede social “X”, onde a espanhola tecia comentários de cunho racista e xenofóbico, resultando na remoção de sua imagem na campanha realizada pela Netflix ao Oscar.

Emília Perez vem em uma temporada de renovação dos indicados às grandes premiações, enquanto um gênero raro de ser visto em tal posição (musical) como em outros anos. A produção vem como uma das grandes favoritas à estatueta de Melhor Filme Internacional, já tendo levado o prêmio em outras ocasiões, como no Globo de Ouro e no BAFTA, além de colecionar prêmios como de Melhor Atriz Coadjuvante pela performance de Zoe Saldaña (Rita), e Melhor Canção Original com a composição “El Mal”, nestas mesmas premiações. No Oscar, o filme ainda concorre à Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Direção, Melhor Fotografia, duas composições em Melhor Canção Original (“El Mal” e “Mi Camino”), entre outras categorias. O filme pode ser visto nos cinemas.

filme indicado ao oscar 2025
Poster do filme Emilia Perez

 

Nickel Boys

Dirigido por RaMell Ross, o longa é uma adaptação cinematográfica do romance vencedor do Prêmio Pulitzer de Colson Whitehead. O filme narra a poderosa amizade entre dois jovens afro-americanos, Elwood Curtis (Ethan Herisse) e Jack Turner (Brandon Wilson), que enfrentam juntos as duras realidades da Nickel Academy, um reformatório na Flórida durante a era Jim Crow. A trama explora as injustiças e abusos sistêmicos sofridos pelos internos, destacando a resiliência e a esperança mantidas diante da adversidade.

Desde sua estreia no 51º Festival de Cinema de Telluride em agosto de 2024, "Nickel Boys" recebeu aclamação da crítica. O filme foi nomeado um dos 10 melhores de 2024 pelo American Film Institute e recebeu indicações ao Globo de Ouro de Melhor Filme – Drama e ao Oscar de Melhor Filme e Melhor Roteiro Adaptado.

A obra levanta uma crítica contundente sobre a segregação racial e os abusos cometidos em instituições destinadas à reabilitação de jovens. Ao retratar as experiências traumáticas dos protagonistas, o filme evidencia as falhas sistêmicas e a desumanização presentes nesses estabelecimentos, convidando o público a refletir sobre as cicatrizes deixadas por tais práticas na sociedade americana. Para quem deseja assistir, o filme está disponível no Prime Vídeo.

reprodução do filme
Reprodução do filme Nickle Boys

 

O Brutalista

Em "O Brutalista", dirigido por Brady Corbet, acompanhamos a trajetória de László Tóth (Adrien Brody), um arquiteto judeu húngaro que, após sobreviver ao Holocausto, imigra para os Estados Unidos em 1947 em busca de reconstruir sua vida e carreira. Ao chegar na Pensilvânia, László enfrenta dificuldades para se estabelecer até que conhece Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce), um industrial abastado que o contrata para projetos ambiciosos, incluindo a construção de um centro comunitário em homenagem à sua falecida mãe. A narrativa explora os desafios de László ao equilibrar sua visão artística com as demandas de seu patrono e as complexidades do sonho americano.

Desde sua estreia no Festival de Veneza em setembro de 2024, onde Corbet recebeu o Leão de Prata de Melhor Direção, "O Brutalista" tem sido amplamente reconhecido. O filme conquistou três prêmios no Globo de Ouro 2025: Melhor Filme de Drama, Melhor Diretor para Brady Corbet e Melhor Ator em Filme de Drama para Adrien Brody. Além disso, recebeu dez indicações ao Oscar 2025, incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Ator e categorias técnicas como Melhor Fotografia e Melhor Design de Produção.

Com uma duração de 3 horas e 35 minutos, incluindo um intervalo de 15 minutos, "O Brutalista" inova com uma narrativa cinematográfica imersiva que convida o público a refletir sobre os sacrifícios pessoais e profissionais na busca pelo sucesso e realização artística.

poster do filme indicado ao oscar
Poster do filme O Brutalista 

 

Um Completo Desconhecido 

O longa é uma cinebiografia, dirigida por James Mangold, que retrata a ascensão de Bob Dylan (Timothée Chalamet) na cena musical de Nova York no início dos anos 60. O filme acompanha o jovem de 19 anos desde sua chegada à cidade, passando por encontros com ícones como Woody Guthrie (Scoot McNairy) e Pete Seeger (Edward Norton), até sua controversa transição para o rock elétrico no Festival Newport Folk de 1965. Além de Chalamet, que concorre na mesma categoria protagonizando Duna: parte 2, o elenco conta com Elle Fanning como Sylvie Russo, uma representação fictícia de Suze Rotolo, e Monica Barbaro no papel de Joan Baez.

O filme recebeu aclamação da crítica e do público, acumulando oito indicações ao Oscar 2025, incluindo Melhor Diretor para James Mangold e Melhor Ator para Timothée Chalamet. A atuação de Chalamet foi especialmente destacada, com elogios por sua capacidade de capturar a essência enigmática de Dylan, equilibrando carisma e introspecção.

"Um Completo Desconhecido" levanta discussões sobre a tensão entre autenticidade artística e expectativas do público. A decisão de Dylan de eletrificar seu som, vista por muitos como uma traição ao movimento folk, é central na narrativa e serve como metáfora para os desafios enfrentados por artistas que buscam evoluir enquanto lidam com a pressão dos fãs e da indústria. O filme também explora as complexidades das relações pessoais de Dylan, destacando como suas escolhas profissionais impactaram seus vínculos afetivos.

poster do filme indicado ao oscar
Poster do filme Um completo desconhecido 

 

Wicked

O filme trouxe um dos maiores clássicos musicais da Broadway para as telonas. Wicked conta a verdadeira história da Bruxa Má do Oeste, de Mágico de Oz. O longa vai explorar a complexa relação entre Elphaba (Cynthia Erivo), uma jovem de pele verde, e Glinda (Ariana Grande), uma garota popular e ambiciosa. Ambientado na Terra de Oz antes da chegada de Dorothy, a narrativa acompanha as protagonistas desde seus dias na Universidade de Shiz até os eventos que as transformam nas icônicas Bruxa Má e Bruxa Boa do Norte, respectivamente.

poster do filme indicado ao oscar
Foto de divulgação do filme Wicked 

Wicked tem sido aclamado pelo público, principalmente os que já eram fãs do musical original, exaltando a atuação de Ariana e Cynthia, que deram vida à suas personagens com louvor. A principal particularidade do longa é a direção de Jon M. Chu, que priorizou manter a narrativa teatral característica dos palcos, mantendo toda a magia da história e o apego afetivo dos fãs. A maioria dos cenários foi construído para a gravação, diminuindo o uso de CGI, mais de 9 mil tulipas foram plantadas para dar vida a cena do vasto campo de tulipas. “Uma boa parte [do cenário] é real. São cenários físicos, tangíveis”, comenta Ariana Grande, atriz que dá vida a Glinda.

O filme recebeu elogios por sua direção de arte, performances e fidelidade ao material original. No National Board of Review de 2024, "Wicked" foi eleito o Melhor Filme, com Jon M. Chu recebendo o prêmio de Melhor Diretor. A colaboração criativa entre Cynthia Erivo e Ariana Grande também foi destacada com o NBR Spotlight Award.

Uma das principais críticas levantadas por "Wicked" é a desconstrução da vilania e a exploração das nuances entre o bem e o mal. Ao recontar a história da Bruxa Má do Oeste sob uma nova perspectiva, o filme desafia as percepções tradicionais de heroísmo e maldade, convidando o público a refletir sobre preconceitos, discriminação e as complexidades das relações humanas. A narrativa aborda temas como bullying, corrupção e a busca por identidade, tornando-se uma alegoria relevante para questões contemporâneas.

 

Tags: