A criação da categoria “Best Asian Pop Music Performance” para o Grammy de 2027 trouxe uma discussão sobre até que ponto é “aceitável” separar artistas pela sua origem cultural. Pode ser uma forma de inclusão, mas também pode reforçar uma divisão dentro da indústria. O debate se intensificou por estar em um cenário historicamente marcado pelos Estados Unidos como principal referência da música pop.

Anunciada pela Recording Academy em junho de 2026, a nova categoria foi apresentada como uma resposta ao crescimento da música asiática no cenário internacional. Poderão concorrer músicas pop originárias ou reconhecidas nos mercados asiáticos, incluindo K-pop, T-pop, J-pop e C-pop. Para participar, as produções precisam utilizar de forma significativa pelo menos uma língua asiática. Segundo a organização, a intenção é ampliar o reconhecimento de artistas que vêm conquistando espaço fora de seus países de origem.

Para Mariana Pacheco, especialista em cultura coreana e doutora em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP, a criação da categoria precisa ser vista dentro de uma transformação maior na indústria do entretenimento. Ela entende que o crescimento do K-pop faz parte de um processo de “despolarização” da indústria cultural, que começa a deixar de ter apenas Estados Unidos e Europa como centros de produção e consumo. “Não estamos mais consumindo só a cultura ocidental, só a norte-americana e a europeia. A cultura asiática está despontando e tomando um lugar que foi criado pelos norte-americanos”, afirma.

A discussão fica ainda mais clara quando se olha para a relação do K-pop com o próprio Grammy. Apesar de ter conquistado uma enorme audiência internacional, nenhum artista de K-pop havia vencido individualmente um Grammy até 2026. O BTS, por exemplo, recebeu indicações em diferentes categorias, mas nunca levou o prêmio. Em 2026, “Golden”, da animação KPop Demon Hunters, tornou-se a primeira produção de K-pop a conquistar um Grammy, na categoria de música escrita para mídia visual. O reconhecimento, porém, não foi entregue diretamente a um artista de K-pop.

K-pop como soft power

O crescimento do K-pop também ajuda a entender como a cultura pode ser usada para aumentar a influência de um país. O chamado soft power, conceito relacionado à capacidade de conquistar espaço internacional por meio da cultura e da atração, sem depender apenas de força econômica ou política.

A Coreia do Sul é um dos principais exemplos desse fenômeno. A chamada Hallyu, ou “onda coreana”, levou música, cinema, séries, gastronomia e outros produtos culturais sul-coreanos para diferentes partes do mundo. O K-pop, em especial, tornou-se um dos principais motores dessa expansão. Para Mariana, o BTS é um dos principais representantes desse processo. Segundo ela, o grupo “representa a Coreia, representa a imagem do país, constrói valor para o país, constrói uma comunicação internacional”.

Dados do governo sul-coreano mostram o tamanho desse mercado. Apenas no primeiro semestre de 2026, as exportações de álbuns de K-pop movimentaram US$ 257,48 milhões, um aumento de 125% em relação ao mesmo período do ano anterior, segundo o Serviço Alfandegário da Coreia. América do Norte, Europa e América Latina estão entre as regiões que acompanham esse crescimento.

Para Camila Monteiro, jornalista da UOL e pesquisadora na University Of Huddersfield e especialista em K-pop, o papel do BTS nesse processo vai muito além das músicas. Segundo ela, o grupo ajudou a transformar o interesse pelo K-pop em um interesse mais amplo pela cultura sul-coreana. “A importância do BTS não é só para entender o K-pop no mercado internacional, mas entender a expansão da Hallyu”, explica. Para ela, o sucesso do grupo também ajudou a aproximar o público internacional de dramas, maquiagem, skincare e outros produtos culturais da Coreia do Sul.

Essa expansão também é reconhecida pelo governo sul-coreano. Em 2025, o Ministério das Relações Exteriores discutiu estratégias de diplomacia cultural envolvendo K-pop, audiovisual, artes e gastronomia. Na mesma época, o governo afirmou que pretendia fortalecer a posição da Coreia do Sul como potência cultural global.

O crescimento do gênero, portanto, não representa apenas o sucesso de um estilo musical. Ele também revela uma mudança no fluxo da influência cultural. Durante décadas, os Estados Unidos e outros países ocidentais estiveram no centro da produção e exportação de grandes fenômenos da música pop. Para Pacheco, esse cenário mudou. Ela lembra que, nas décadas de 1990 e 2000, grupos como Backstreet Boys e Spice Girls alcançaram grande visibilidade internacional, enquanto hoje os Estados Unidos enfrentam dificuldades para lançar novos artistas com o mesmo alcance. “Faz muito tempo que os americanos não vendem um artista novo, de grande visibilidade. Faz muito tempo que os Estados Unidos não alcançam essa visibilidade”, afirma.

Um dos principais exemplos dessa força é o próprio retorno do BTS. O álbum “ARIRANG” ultrapassou 100 milhões de reproduções no primeiro dia e vendeu cerca de 4 milhões de cópias em 24 horas. A turnê mundial, com apresentações em mais de 23 países e mais de 80 shows, também registrou forte procura, com ingressos esgotados poucas horas depois da abertura das vendas, uma demanda global reprimida após anos de hiato. O grupo mantém presença dominante em rankings internacionais, premiações e festivais e no espetáculo da final da Copa do Mundo de 2026.

O que significa ser “asiático” no Grammy?

Para Camila Monteiro, essa divisão não é algo novo na história do Grammy. “Tudo que não é norte-americano e branco, eles colocam em caixas, em categorias que geralmente não são as categorias principais”, afirma. Na avaliação da pesquisadora, a categoria pode acabar funcionando como uma maneira de manter artistas asiáticos afastados das principais disputas da premiação.

Ela também questiona a decisão de colocar diferentes mercados dentro de uma mesma categoria. “É bizarro que eles querem botar J-pop, C-pop, como se não fossem países distintos, músicas distintas, e colocam tudo no mesmo balaio”, afirma.

A discussão também envolve outros artistas que conseguiram ultrapassar barreiras linguísticas. Em 2026, o álbum em espanhol de Bad Bunny venceu Álbum do Ano, enquanto “Golden” conquistou o primeiro Grammy relacionado diretamente ao K-pop. Os resultados mostram que o público já não está limitado a um único idioma ou mercado.

Em 29 de julho, os sete integrantes do BTS anunciaram que não submeteriam suas músicas ao Grammy de 2027. Em uma publicação conjunta nas redes sociais, o grupo afirmou que espera que sua música seja reconhecida pelo que é, sem ser dividida de acordo com região ou idioma.

A decisão chamou atenção principalmente pelo momento da carreira do grupo. Depois de um período de pausa para o cumprimento do serviço militar obrigatório na Coreia do Sul, o BTS voltou em 2026 com “ARIRANG”, que apresentou forte desempenho comercial. O boicote aconteceu, justamente quando o grupo tinha condições de disputar espaço em diferentes categorias.

Para Mariana Pacheco, a decisão não deve ser vista apenas como uma reação às derrotas anteriores do grupo. Na avaliação dela, o BTS chegou a um ponto em que não precisa mais do Grammy para provar seu tamanho. “O BTS já percebeu o tamanho deles. Eles não precisam do Grammy”, afirma.

Ela também entende a escolha como uma disputa de poder. O grupo saberia que sua ausência teria impacto sobre a própria premiação. “Não foi uma birra porque eles não ganham o prêmio. Eles não precisam mais disso. Eles sabiam que isso ia causar impacto, porque eles sabem que conseguem impactar”, explica.

O CEO do Grammy, Harvey Mason Jr., lamentou a decisão do BTS, mas afirmou compreender e respeitar a escolha do grupo. Segundo ele, a categoria Asian Pop foi criada para destacar a diversidade e o crescimento da música asiática. Mason Jr. também explicou que a participação na nova categoria não impede os artistas de concorrerem a prêmios como “Record of the Year”, “Album of the Year” e “Song of the Year”.

Segundo Mariana, existe uma diferença entre poder concorrer formalmente e realmente conseguir espaço nessas categorias. “Você está excluindo os artistas dessas outras categorias”, afirma. Segundo ela, a existência de uma categoria específica pode influenciar a percepção dos votantes e dificultar que artistas asiáticos sejam considerados para outras premiações.

A criação de uma categoria específica para artistas asiáticos também pode atrapalhar a presença desses artistas nas demais disputas do Grammy. Embora o CEO da premiação tenha afirmado que a nova categoria não impede a participação em outras, Mariana Pacheco avalia que a divisão pode criar uma barreira. “A gente sabe que, na prática, vai ser muito difícil uma banda estar em duas categorias. E com certeza vai ficar mais difícil estar nessas categorias listadas por ele. Você não precisa estar nas outras”, afirma. Para a especialista, a criação de um espaço exclusivo pode acabar fazendo com que esses artistas sejam direcionados para ele, em vez de disputarem as principais categorias da premiação.

O inglês ainda é uma exigência?

Ao mesmo tempo em que artistas asiáticos usam de elementos da indústria musical global, eles continuam sendo identificados pela origem. O K-pop pode ser cantado em inglês e  ocupar os principais rankings e alcançar milhões de pessoas, mas ainda assim vão ser classificados como uma produção “asiática”.

Para Camila Monteiro, o inglês continua sendo um fator importante para quem busca espaço na indústria musical internacional. “A língua sempre vai ser um fator, porque quem cria esses prêmios, todos esses prêmios que a gente considera grandes, eles são norte-americanos”, explica.

O próprio BTS passou a utilizar o inglês em algumas das principais músicas da carreira. “Dynamite”, lançado integralmente em inglês em 2020, foi um dos maiores sucessos internacionais do grupo e ajudou a ampliar sua presença no mercado norte-americano. Para Camila, essa escolha também tem uma explicação de mercado: cantar em inglês facilita a circulação das músicas em determinados espaços.

Segundo levantamento do Ministério da Cultura, Esportes e Turismo da Coreia do Sul, o K-pop foi responsável pela maior parcela da cobertura relacionada à Hallyu nas diferentes regiões analisadas entre 2024 e 2025. Na América Latina, por exemplo, o gênero representou 38,1% da cobertura sobre a onda coreana analisada pelo estudo.

O alcance do BTS também mostra essa mudança. Uma transmissão ao vivo da Netflix realizada em parceria com o retorno do grupo chegou a cerca de 18,4 milhões de espectadores simultâneos, número superior à audiência recente do Grammy, que chegou a 14,4 milhões.

A trajetória do BTS no Grammy

A relação do BTS com o Grammy ajuda a entender por que a decisão de 2026 ganhou tanta repercussão. Em 2021, o grupo se tornou o primeiro artista sul-coreano indicado à premiação. Naquele ano, “Dynamite” concorreu a Best Pop Duo/Group Performance, marcando uma conquista inédita para o K-pop dentro da principal premiação da indústria musical norte-americana.

Em 2022, o grupo voltou a ser indicado na mesma categoria, desta vez com “Butter”. No ano seguinte, ampliou sua presença na premiação. “My Universe”, parceria com o Coldplay, concorreu novamente a Best Pop Duo/Group Performance, enquanto Music of the Spheres, álbum do Coldplay que inclui a faixa, foi indicado a “Album of the Year”. “Yet to Come” também apareceu entre os indicados a “Best Music Video”.

Apesar das muitas indicações, o BTS nunca venceu um Grammy. A trajetória do grupo mostra que, mesmo com o avanço do K-pop na indústria musical internacional, transformar popularidade em reconhecimento nas principais categorias ainda é um desafio.

Camila aponta, o Grammy continua tendo um peso importante para artistas que estão tentando se estabelecer fora da Ásia. “Ter um Grammy ainda é uma coisa relevante”, afirma. Mesmo que o BTS tenha chegado a um ponto em que não dependa da premiação, outros grupos ainda podem enxergar uma indicação ou uma vitória como uma oportunidade importante de reconhecimento.

Reconhecimento ou separação?

No caso do K-pop, mesmo depois de alcançar uma audiência global, artistas asiáticos ainda podem ser identificados primeiro pela origem, pelo idioma ou pela nacionalidade. A criação de uma categoria específica pode representar uma forma de reconhecimento, mas também corre o risco de reforçar a ideia de que esses artistas pertencem a um segmento separado da indústria.

Segundo Mariana Pacheco, o crescimento da Hallyu também pode gerar novos estereótipos sobre a Ásia. “Os americanos não conseguem ver a posição de pop ser perdida por eles que criaram o pop. Isso também alimenta preconceitos, xenofobia e orientalismos”, afirma. Para ela, o problema não está apenas na forma como os artistas asiáticos são classificados, mas também no desconforto provocado pela perda de espaço da indústria norte-americana.

E essa questão também envolve a forma como o público consome música. Mesmo com o crescimento das plataformas digitais, o idioma ainda influencia a circulação de uma música e o alcance que ela pode ter. O próprio BTS passou a incorporar cada vez mais o inglês em suas produções, principalmente em faixas voltadas ao público internacional como em seu single “Swim”. Para Pacheco, essa presença maior do inglês nas músicas do grupo também mostra como artistas asiáticos ainda precisam dialogar com uma indústria em que o idioma é uma das principais portas de entrada para o mercado global. Ao mesmo tempo, o BTS mostra que músicas em coreano também podem alcançar públicos muito além da Ásia.

Camila Monteiro acredita que o crescimento do gênero mostra justamente que o centro da música pop já não está concentrado em um único país. Para ela, o BTS se tornou uma das maiores forças da música produzida nas últimas décadas e ultrapassou a ideia de que seu impacto seria apenas um fenômeno sul-coreano.

O Grammy deixou de ser apenas uma premiação musical e passou a funcionar também como um espaço de disputa simbólica. Quem recebe uma categoria própria? Quem consegue concorrer aos principais prêmios? Quais culturas são vistas como parte do centro da indústria e quais continuam sendo classificadas como segmentos específicos?

O BTS mostrou que sua visibilidade não significa igualdade. Uma cultura pode conquistar espaço, alcançar milhões de pessoas e movimentar uma indústria inteira e, ainda assim, continuar sendo tratada como estrangeira.

Para Mariana, os Estados Unidos já não têm o mesmo poder de definir sozinhos aquilo que será considerado universal na música. “Não tem mais esse poder. É uma coisa que eles não admitem, eles não querem admitir”, afirma. O Grammy pode ter criado uma nova porta de entrada para artistas asiáticos. Mas a reação do BTS trouxe uma questão ainda mais importante, ser reconhecido como asiático não é suficiente quando o objetivo é ser reconhecido simplesmente como artista.

Começou na quinta-feira, dia 20 de agosto, a 37ª edição do Festival Kinoforum, que reúne curtas metragens do Brasil e do mundo. O evento foi até o dia 30 na capital paulista.

Essa edição marca um novo ciclo para o evento, que mantém vivo o legado construído nessas quatro décadas, e renova  seu compromisso com o futuro do audiovisual. A inspiração para a programação deste ano vem do olhar dos pássaros: “É uma revoada na verdade. Uma revoada de novos olhares. Acho que é mais um fôlego que o cinema tem de uma criação conjunta, de uma percepção conjunta de ideias e tudo isso na ideia de revoada que é um grande movimento de pássaros seguindo junto em uma mesma direção. Eu sinto que o festival tem trazido essa união de públicos, essa formação de públicos. Então essa temática que está aí permeando a edição desse ano” diz Heitor Beluco de 28 anos, Coordenador de Comunicação do Festival Kinoforum. 

Ao também ao ser perguntado sobre como os filmes selecionados se conectam a essa ideia, ele explica: “Eu sinto que todo ano o Kinoforum tem se renovado. Esses olhares têm que ser renovados, porque a cada ano a comissão de seleção muda, acho que sim, uma revoada de filmes.”

Considerado o maior festival de curtas do Brasil, o evento recebeu obras de 19 estados diferentes nesta edição. 

“A gente consegue ver uma pluralidade de produções, pluralidade de vozes, de temas, de narrativas que ficam circulando por São Paulo, acho que isso é muito importante pra uma cidade, que também é plural, que também reúne pessoas de vários cantos do país. Eu sinto que o Kinoforum tem esse marco na cidade, já faz parte da agenda da cidade”, declara o coordenador. 

O evento também mantém parcerias com escolas de audiovisual de todo o Brasil que enviam seus curtas para a avaliação do Comitê de Seleção e podem participar da Noite de Kino, uma data em que um grupo de estudantes terão um tema sorteado e três dias para criar um curta metragem a respeito, com a possibilidade de exibição na Cinemateca Brasileira. 

“É uma noite que fica muito cheia e é uma parceria muito incrível porque ela já dura há muito tempo e as pessoas ficam muito animadas, a gente consegue ver coisas maravilhosas que são feitas em pouquíssimo tempo”, comenta Heitor. 

 Os filmes do festival não ultrapassam 25 minutos e as categorias de gêneros são inúmeras. Todos os filmes participantes terão a avaliação do público e concorrerão a premiações que serão anunciadas no encerramento do evento. Dentre eles essa edição terá o Prêmio Zita Carvalhosa, no qual o vencedor recebe uma dotação em dinheiro por ter realizado sua estreia nacional no Kinoforum. Os curtas realizados por alunos de graduação em audiovisual estarão elegíveis ao Prêmio Revelação, em que o ganhador recebe serviços e equipamentos para a produção de uma nova obra de até 15 minutos.  

Segundo Heitor, o festival ajuda muito a alavancar novos artistas no cenário audiovisual: “Ano passado tivemos duas realizadoras que têm um filme maravilhoso, ‘A tragédia do lobo guará’ da Kimberly Palermo. Ele participou dos laboratórios Kinoforum e esse ano ganhou o Prêmio Grande Otelo de Melhor Curta Metragem de Animação. (...) Muitas vezes são diretores que não tem nenhum incentivo, vem de realidades muito diferentes e que o festival ajuda a construir essa carreira”.

O Kinoforum foi fundado e idealizado por Zita Carvalhosa, enquanto ela ainda trabalhava no Museu da Imagem e do Som (MIS) quando ainda era assistente de programação. Sua visão e a dedicação contribuíram de forma decisiva para o evento como uma das mais importantes plataformas de curta metragem no Brasil e no mundo. “Ela viu que não existia uma janela pro curta metragem Brasil, então decidiu fundar o Kinoforum (Associação Cultural Kinoforum) e criou o festival pra que tornasse possível a circulação dessas curtas metragens no circuito brasileiro” explicou Heitor. 

Além da exibição dos curtas, o festival conta com várias atividades e recebe os realizadores nacionais e internacionais das obras para uma interação com o público após as exibições. A entrada é franca. 

No último sábado (29), a cantora de 23 anos Olivia Rodrigo transformou uma ideia em realidade. Em Great Park, na Califórnia, aconteceu a primeira edição do Daisy Chain Fields, festival que reuniu cerca de 45 mil pessoas. O evento foi criado para celebrar as mulheres na música e, ao mesmo tempo, arrecadar recursos para organizações que atuam na defesa dos direitos reprodutivos e da saúde de mulheres e meninas. 

A proposta do festival nasceu do desejo de Rodrigo de criar um espaço em que mulheres e meninas pudessem se reunir, celebrar artistas femininas e entrar em contato com organizações que trabalham diretamente com questões como direitos reprodutivos, saúde materna, violência de gênero e igualdade. A cantora anunciou que 100% dos lucros líquidos do evento seriam destinados a instituições voltadas para essas causas.

Em entrevista ao Good Morning America, Olivia Rodrigo explicou que o nome do festival nasceu da imagem de meninas fazendo correntes de margaridas, como símbolo de união. A iniciativa também é inspirada no Lilith Fair, festival criado por Sarah McLachlan nos anos 1990 para dar visibilidade a artistas mulheres. No encerramento, McLachlan dividiu o palco com Rodrigo em uma apresentação especial. 

Lineup 100% feminina

Realizado em dois palcos, Dandelion e Marigold, o Daisy Chain Fields reuniu artistas de diferentes estilos. A programação contou com nomes como Chappell Roan, Doechii, Mitski, Bikini Kill, The Breeders, Garbage, Santigold, Rachel Chinouriri, Die Spitz, Eli, Not for Radio e Quiet Light, além da própria Olivia Rodrigo. Sarah McLachlan, Stevie Nicks e Alanis Morissette também participaram como convidadas especiais.

A escolha dos artistas reforçou o caráter feminista do festival. Bandas ligadas ao movimento riot grrrl, como Bikini Kill, dividiram espaço com nomes da nova geração do pop. A proposta conectou diferentes momentos da história da música e mostrou como a presença feminina pode ocupar diversos gêneros e se conectar com públicos distintos.

Além dos shows, o festival contou com instalações de artistas mulheres e espaços dedicados às organizações beneficiadas. Uma das obras apresentadas foi Grrrl Germs: Punk feminism goes viral, 1991–2026, de Astria Suparak, que explorou a história do punk feminista por meio de música, zines, cartazes e espaços de escuta.

Nem todas as atrações anunciadas conseguiram subir ao palco. O girl group KATSEYE cancelou a apresentação dois dias antes do evento depois que Megan Skiendiel sofreu uma torção no tornozelo durante um ensaio da turnê. Após avaliação médica, a integrante foi orientada a evitar esforços para permitir a recuperação da lesão. Devon Again foi adicionada à programação para ocupar o horário que seria do grupo.

Apesar do cancelamento, três integrantes do KATSEYE compareceram ao festival. As artistas fizeram uma breve participação no palco para apresentar a Baby2Baby, uma das organizações beneficiadas pelo evento, que fornece itens essenciais, como fraldas, roupas e produtos para crianças em situação de pobreza.

Doação de US$ 20 milhões para organizações sociais

A arrecadação do festival foi destinada a dez organizações sem fins lucrativos. Antes mesmo do evento, Rodrigo anunciou que havia reunido US$ 10 milhões, valor que seria dividido igualmente entre as instituições, correspondendo a US$ 1 milhão para cada uma. As organizações beneficiadas são Baby2Baby, Black Mamas Matter Alliance, Center for Reproductive Rights, FreeFrom, Jhpiego, Johns Hopkins Center for Indigenous Health, National Domestic Workers Alliance, National Institute for Reproductive Health, National Women’s Law Center e Planned Parenthood.

Durante o festival, a filantropa Melinda French Gates anunciou que igualaria os US$ 10 milhões arrecadados por Rodrigo. A contribuição adicional, realizada por meio da Pivotal Ventures, dobrou para US$ 20 milhões o total destinado às organizações. Além do apoio financeiro, as instituições estiveram presentes no evento para apresentar suas iniciativas e aproximar o público das causas apoiadas. 

Depois de mais de dez horas de programação, Olivia Rodrigo encerrou a primeira edição do Daisy Chain Fields sinalizando que o festival terá continuidade. A cantora reforçou a intenção de realizar uma nova edição em 2027 em uma publicação no Instagram, indicando que pretende reencontrar o público no próximo ano. 

A atriz Glória Menezes, um dos grandes nomes da teledramaturgia brasileira, morreu nesta terça-feira (18) aos 91 anos. A atriz teria morrido em sua casa no Rio de Janeiro por causas naturais.

Nascida no dia 19 de outubro de 1934 em Pelotas, no Rio Grande do Sul, Nilcedes Soares de Magalhães, futuramente conhecida como Glória Menezes, se mudou para São Paulo capital ainda criança com sua família.

Glória entrou na Escola de Artes Dramáticas da USP logo após encerrar o Ensino Médio e foi já na universidade que a atriz começou a fazer parte dos “Jovens Independentes”, um grupo de teatro amador.

Carreira

Dona de personagens icônicos, como Rosa em O Pagador de Promessas (1962), Maria de Lara Barros em Irmãos Coragem (1970), a vilã Laurinha Figueroa em Rainha da Sucata (1990) e a Baronesa de Bonsucesso em Senhora do Destino (2004). Glória ajudou a formar a história da televisão, do teatro e do cinema brasileiro ao longo das suas mais de seis décadas de carreira. 

Em seu primeiro espetáculo em 1959, ganhou o prêmio de atriz revelação em um festival de teatro amador promovido por Antunes Filho, no mesmo ano, Glória participa da telenovela da TV Tupi, Um Lugar ao Sol, aos 15 anos. 

No ano seguinte, já utilizando o seu nome artístico Glória Menezes, estreia no teatro em uma montagem de As Feiticeiras de Salém, de Arthur Miller, dirigida por Antunes Filho, nos bastidores desse espetáculo a atriz viria a conhecer o seu futuro marido Tarcísio Meira. 

Para o Memória Globo, Glória conta que precisou trocar o seu nome por ser considerado incomum: “Eu tive que trocar. Resolvemos botar Glória, porque Glória é Glória em qualquer idioma. E Menezes, por causa das minhas raízes portuguesas e porque completa treze letras. Dá sorte”, disse a atriz em depoimento. 

Em 1962, participou do filme O Pagador de Promessas, dirigido por Anselmo Duarte. O filme recebeu repercussão internacional ganhando a Palma de Ouro no Festival de Cannes e sendo indicado a Melhor Filme em Língua Estrangeira no Oscar. 

Em 1963, Glória ganha um papel de destaque em 2-5499 Ocupado da TV Excelsior, ao lado de Tarcísio Meira, começando a sua parceria icônica pelos 59 anos em que permaneceram juntos.

Em 1967, já na Globo, a atriz estreia uma novela de Janete Clair chamada Sangue e Areia, esse seria o início de uma longa carreira dentro da emissora que contou com vários sucessos tanto com o seu marido quanto sem ele. Dentre eles podemos destacar: Irmãos Coragem (1970), Pai Herói (1979), Guerra dos Sexos (1983), Brega e Chique (1987), Rainha da Sucata (1990) e A Favorita (2008).

Sua última aparição em novelas foi em Totalmente Demais, no papel da socialite Stelinha, exibida entre 2015 e 2016. Depois disso faria apenas presenças pontuais em participações especiais como a série Casais que Amamos do canal Viva em 2020 e no programa Tributo onde sua trajetória e carreira foram homenageadas em 2025. 

Casamento e Filhos

Glória foi casada duas vezes, de 1951 à 1959 com Arnaldo Brito, com quem teve seus dois primeiros filhos, João Paulo e Maria Amélia. Três anos depois do fim do primeiro casamento a artista se juntou ao companheiro de tela, Tarcísio Meira, união que resultou em Tarcísio Filho e 52 anos de carreira juntos na TV Globo.

O casal de atores viveram juntos no interior de São Paulo até serem internados por COVID-19 em agosto de 2021, neste mesmo mês Tarcísio Meira faleceu por complicações com a doença no dia 12, quatro dias depois a atriz recebeu alta.

O velório da atriz foi feito somente entre familiares.

"Neste momento de imensa tristeza, agradecemos, de coração, todas as manifestações de carinho, solidariedade e afeto.

A cerimônia de despedida será privada e reservada apenas à família e aos amigos mais íntimos. Agradecemos a compreensão e o respeito de todos", disse a família em nota a CNN Brasil.

MODA NO BRASIL 

A moda brasileira é um tema sensível, especialmente porque ainda enfrenta dificuldades para ser valorizada pelo próprio público. Como consequência de um processo histórico marcado pela colonização, o olhar dos brasileiros muitas vezes se voltam para referências externas, enquanto produções maravilhosas acontecem dentro do próprio país. Com a globalização e o acesso cada vez mais amplo a produtos e referências internacionais, isso se intensificou.

Um exemplo disso é o chamado “Brasil Core”, uma estética que ganhou força nas redes sociais a partir de conteúdos produzidos por usuários estrangeiros que celebravam elementos do estilo brasileiro, da nossa moda e do nosso modo de viver. A popularização dessa estética fez com que muitos brasileiros passassem a olhar para aquilo que já fazia parte do seu cotidiano sob uma nova perspectiva, percebendo que a nossa cultura também pode ser uma referência de estilo e de comportamento. 

MONDEPARS E SUA IDENTIDADE

Sasha Meneghel faz parte de uma parcela de brasileiros que reconhece e acredita no potencial do próprio país. Filha de Xuxa, ela teve o privilégio de ingressar no mercado com maior visibilidade e oportunidades desde cedo. Ainda assim, está construindo sua própria trajetória na moda, uma formação que começou na Parsons School of Design, em Nova York, nos Estados Unidos, onde estudou Design de Moda. Além da diversidade cultural que caracteriza o Brasil, sua marca também incorpora um ponto de vista pessoal construído a partir de suas experiências e de sua formação no exterior. Essa combinação ajuda a compreender algumas das críticas direcionadas à Mondepars, especialmente em relação à forma como sua identidade é percebida dentro do cenário da moda brasileira. 

A Mondepars é uma marca focada em alfaiataria e vem construindo sua imagem  a cada desfile. O nome “Mondepars” é um neologismo criado por Sasha a partir da combinação de “monde”, palavra francesa para “mundo”, e “pars”, termo em latim que significa “parte”. A marca tem como prioridades a qualidade, a durabilidade e o caimento de suas peças.

As principais críticas à Mondepars dizem respeito justamente à maneira como a marca traduz sua brasilidade. Ao contrário de uma estética nacional mais facilmente reconhecível, marcada por cores vibrantes, estampas e referências visuais tropicais, a grife constrói sua identidade por meio de uma linguagem mais contida e autoral. Isso não a torna menos brasileira; pelo contrário, amplia a própria ideia do que pode ser entendido como moda brasileira. A questão, portanto, não está em identificar símbolos nacionais na roupa, mas em reconhecer que a brasilidade também pode existir em interpretações menos literais e mais particulares. 

Essa escolha também parece refletir a maneira como Sasha se expressa por meio da moda. Existe uma preocupação em não transformar a identidade brasileira na coisa mais importante da marca. Até porque, é possível imaginar que o mesmo público que hoje questiona a falta de elementos considerados “brasileiros” também poderia criticar a marca caso ela utilizasse esses elementos de maneira estereotipada. A questão, portanto, não deveria ser se a Mondepars parece brasileira o suficiente, mas se existe espaço para diferentes interpretações do que significa criar moda brasileira.

A Mondepars também não busca atender ao mesmo público ou ocupar o mesmo espaço que marcas como a Farm Rio, outra marca brasileira consolidada no mercado da moda. Compará-las apenas pela nacionalidade deixa de lado justamente aquilo que torna cada uma delas diferente, que são as suas propostas, seus públicos e suas maneiras de interpretar o Brasil por meio da moda.

DE ALDA ATÉ SASHA

A relação de Sasha com a moda também está diretamente ligada à sua família. As icônicas roupas usadas por Xuxa foram criadas por sua mãe, Alda Meneghel, que teve um papel importante na construção da imagem da apresentadora. Esse legado chegou à terceira geração da família por meio de Sasha, que encontrou na avó uma de suas principais referências dentro da moda. Ao mesmo tempo, em entrevista ao Clichê Talks, Sasha afirma que sua maior inspiração é a própria mãe e conta que, muitas vezes, percebe referências de Xuxa surgindo naturalmente em seu próprio trabalho. Dessa forma, a moda aparece em sua trajetória não apenas como profissão, mas também como uma herança familiar que atravessa três gerações.

A história de Alda é o elemento central na construção do desfile. Sua trajetória foi marcada por diferentes vivências: foi mãe nova, perdeu o pai, conviveu com ciganos e chegou a passar um período em um convento, até conhecer Luiz Meneghel, com quem se casou. Esses momentos de sua vida foram transformados por Sasha em referências para a coleção. Entre os elementos presentes no desfile estão os palhaços, que fazem referência ao pai de Alda, como as gravatas, as calças abauladas e as ombreiras, que remetem a diferentes momentos de sua trajetória. A renda, as camisetas com gola de padre e as capas curtas aparecem como referência ao tempo que Alda esteve no convento. 

O DESFILE

No início do desfile, a narrativa se constrói a partir de recordações da infância de Alda. A presença do palhaço faz referência às brincadeiras que ela tinha com o seu pai, Agenor, criando uma representação visual de uma memória que mais para frente seria interrompida pela morte dele. Essa relação entre infância, brincadeira e perda aparece não apenas na encenação, mas também nos próprios elementos das roupas.

As gravatas e as golas aparecem como recursos importantes ao longo da coleção, enquanto alguns sapatos remetem visualmente aos calçados associados à figura do palhaço. Esses elementos não parecem estar presentes apenas por uma questão estética, mas funcionam como pequenas referências à história de Alda, permitindo que acontecimentos de sua vida sejam transformados em detalhes dentro da coleção.

Outro elemento de destaque  são as peças de madeira, especialmente alguns acessórios como luvas e gravatas. A utilização de materiais e formas pouco convencionais reforça o caráter experimental do desfile, mostrando que Sasha não está apenas reproduzindo literalmente a história de sua avó, mas representando a sua própria visão de moda. 

Os blazers também se mostram protagonistas. As peças possuem uma construção marcante e um caimento que evidencia a experiência de Sasha com a alfaiataria. São momentos em que a coleção parece se afastar da representação literal da história para apresentar aquilo que a designer faz melhor: transformar suas referências pessoais em roupas estruturadas e contemporâneas.

Assim, os elementos do desfile funcionam em diferentes níveis. O palhaço, os sapatos, as gravatas, as golas e os acessórios carregam referências à memória da família, enquanto a alfaiataria e a construção das peças mostram a interpretação de Sasha sobre essa história. O resultado é uma coleção em que a memória familiar não aparece apenas como inspiração, mas como uma espécie de matéria-prima para a criação.

No final, a entrada da noiva funciona como um marco narrativo. Depois de acompanhar diferentes momentos da vida de Alda, o desfile chega ao casamento, representando uma mudança de fase. A figura da noiva, além de ser algo tradicional dentro da história da moda, ganha um significado específico dentro dessa narrativa familiar. Ela representa o início de uma nova etapa da vida e deixa a possibilidade de que os próximos acontecimentos depois do casamento sejam explorados em uma outra coleção 

Dessa forma, o desfile pode ser entendido quase como uma biografia construída por meio da moda. Sasha transforma acontecimentos da vida de sua avó em imagens, materiais, silhuetas e referências, criando uma conexão entre três gerações de mulheres e suas diferentes relações com a criação, a roupa e a identidade.