O movimento “Stop Killing Game” criado por Ross Scott, do canal Accursed Farms, apresentou em 2025 mais de 1 milhão de assinaturas à União Europeia para exigir medidas que impeçam a remoção e desligamento de jogos digitais. A preservação é definida como um conjunto de ações voltado a manter a integridade de bens, documentos ou pessoas, tendo museus e centros históricos como instituições dedicadas a essa tarefa.
No campo do entretenimento, os videogames se destacam como a indústria que mais cresce desde a década de 1950. Apesar do seu impacto econômico e cultural, eles recebem atenção limitada em políticas e práticas de preservação, diferente de outras formas de arte, como cinema, televisão e literatura.
Devido a inacessibilidade de jogos comprados por consumidores, a proposta do movimento é simples, mas poderosa: proteger os consumidores e preservar os videogames, trazendo as práticas recorrentes de empresas que fecham os servidores ou retiram os jogos do mercado digital, apagando não apenas produtos, mas também capítulos de história cultural dos videogames.
A iniciativa se transformou em “Stop Destroying Videogames”, utilizando a Iniciativa de Cidadania Europeia, uma ferramenta disponível para cidadãos da União Europeia para levarem questões diretamente ao parlamento europeu. A petição foi registrada em junho do ano passado e começou a coletar assinaturas no dia 31 de julho de 2024. No mesmo dia, Scott, soltou um vídeo com o título "Europeans can save gaming!", que compartilha sobre como o movimento pode levar a criação de lei com um número alto de assinaturas e apoiadores.
Ele destaca que a criação da lei não era uma certeza, entretanto, apontava que existem fatores, como: o alinhamento com outras políticas para consumidores e indefinições jurídicas nas práticas no meio dos games. Esses pontos reforçam que o sucesso está no futuro do movimento. Depois de alcançar 1 milhão de assinantes e realizar uma vistoria - para desconsiderar menores de idade, duplicidades e pessoas fora da UE - a petição apresentou 97% de validação das assinaturas.
A preocupação é quando um jogo é removido das lojas digitais ou tem os serviços online desligados, pois deixa de ser acessível para futuras gerações de gamers. Um dos casos mais conhecidos foi do “Project CARS 3”, lançado em 2020. O produto foi retirado de circulação para venda e fecharam os servidores, tornando-se praticamente inacessível.
O mesmo ocorre com títulos de grandes estúdios como Ubisoft e EA, sendo uma tendência que preocupa colecionadores, consumidores e fãs. Diferente de filmes, livros e músicas, que possuem mais facilidade para sua preservação, os games dependem de vários fatores: chaves digitais, servidores e licenciamento contínuo para existir. Para isso, a preservação não exige somente de vontade cultural, mas também mudanças legais e regulatórias.
No Brasil, esse debate começou a ganhar relevância em 2024, com a aprovação do Marco Legal da Indústria de Jogos Eletrônicos (Lei nº 14.852/2024). Embora a lei tenha o intuito de incentivar o crescimento do setor no país e atrair investidores, ela também abre espaço para a reflexão sobre o ciclo de vida dos jogos e sua preservação como patrimônio cultural. A luta pela proteção e cuidados dos videogames não é apenas dos jogadores nostálgicos, mas também uma questão cultural e de direito de acesso.
O “Stop Killing Games” mostra que, diante da lógica do mercado, há fãs dispostos a lutar para que os jogos não desapareçam.Se no passado os museus se dedicaram a guardar fósseis, manuscritos e obras de arte, o futuro terá que olhar também para os consoles, cartuchos e CDs. Porque, como lembra o movimento, “ao desligar um jogo, não se mata apenas um software, se apaga uma parte da história”.
A escultura no Brasil ainda é um campo pouco explorado e com inúmeros desafios, como a falta de políticas públicas, a ausência de incentivo cultural e um universo ainda limitado de pessoas dispostas a investir em arte no país. Para manter a profissão viva, muitos artistas recorrem ao mercado internacional e às redes sociais como alternativa de divulgação.
No cenário brasileiro, a escultura não ocupa o mesmo espaço que outras linguagens artísticas, como a música ou as artes visuais mais populares. O escultor Rick Fernandes, que atua na área desde a década de 1990, observa que a profissão ainda carece de reconhecimento cultural. “O brasileiro não tem a mesma tradição que americanos e europeus em colecionar arte. Muitas vezes, as prioridades econômicas acabam afastando o público”, afirma.
Esse distanciamento é agravado pela falta de políticas voltadas à categoria. Projetos de incentivo que poderiam estimular a prática da escultura em escolas ou em comunidades raramente são aprovados. Fernandes relembra tentativas frustradas em 2015 e 2023 de levar oficinas para jovens da periferia e para pessoas com deficiência. “Os incentivos, em sua maioria, estão voltados para música e grandes eventos. Nichos como a escultura ficam esquecidos”, critica.
Rick Fernandes produzindo sua peça - foto: https://www.rfstudiofx.com/
No mercado, outro obstáculo é a dificuldade de concorrer com produtos industrializados ou importados. Segundo Fernandes isso faz que muitos escultores direcionem suas obras ao exterior, onde encontram colecionadores e compradores mais fiéis. O artista calcula que cerca de 80% de suas encomendas vêm de fora do Brasil. Mesmo com a popularização de novas tecnologias, como impressoras 3D, ele destaca que há demanda para trabalhos exclusivos, o que mantém a escultura tradicional relevante.
As redes sociais têm sido fundamentais para reduzir a distância entre artistas e público. Plataformas como o Instagram permitem que escultores apresentem seus portfólios, encontrem clientes e troquem experiências em comunidades digitais. “Muitos dos meus contatos surgiram através da rede. É uma vitrine essencial para quem vive da arte”, ressalta o escultor.
Além do mercado e do incentivo, a valorização da escultura ainda depende de uma mudança de percepção social sobre o trabalho manual e artístico. Para Fernandes, investir na formação desde cedo é o caminho. “Campanhas nas escolas de ensino fundamental poderiam fazer a diferença. As crianças têm fome de aprender coisas novas e a escultura poderia ser mais explorada nesse ambiente”, defende.
Apesar das dificuldades, Fernandes garante que nunca pensou em desistir, movido por “amor e diversão”. Além de manter o estúdio, ele atua como professor. Nem todos tiveram a mesma sorte. A artista Júlia Dias, por exemplo, faz esculturas desde 2006, mas até hoje não tem uma base fixa de clientes, vivendo em meio à instabilidade de demandas que atinge grande parte dos escultores.
O campo da escultura se divide em diferentes níveis de atuação. Enquanto alguns artistas trabalham com peças decorativas ou personalizadas para ocasiões como aniversários e eventos, outros produzem obras direcionadas a colecionadores e galerias. Essa variedade mostra como a atividade é ampla, mas também deixa claro que nem tudo recebe o mesmo valor: trabalhos voltados ao mercado de luxo encontram maior reconhecimento e retorno financeiro, enquanto produções mais populares ainda lutam por espaço e estabilidade.
Outro desafio está ligado ao custo e ao acesso a materiais de qualidade. Fernandes explica que utiliza plastilina para modelagem, moldes de silicone para a finalização e resina de poliestone para as peças finais, com acabamento em aerógrafo e pincel. Segundo ele, os materiais nacionais apresentam bom custo-benefício e já não ficam atrás dos importados. Ainda assim, os gastos para manter a produção podem ser elevados, principalmente para quem não conta com retorno constante do mercado.
Apesar de não existirem editais exclusivos para escultores no Brasil, a categoria pode concorrer em programas de incentivo mais amplos voltados às artes visuais e à cultura. Iniciativas como os editais da Funarte (Fundação Nacional de Artes, do governo federal), o ProAC (Programa de Ação Cultural, mantido pelo governo de São Paulo) e leis de incentivo fiscal possibilitam que projetos de escultura recebam apoio. No entanto, a concorrência é acirrada e a escultura segue como um nicho pouco contemplado, o que reforça a sensação de invisibilidade entre os artistas da área.
A segunda edição do festival The Town se despediu de São Paulo com um resultado positivo e bastante barulho. Durante os dias 12, 13 e 14 de setembro, pisaram nos palcos do Autódromo de Interlagos nomes como Backstreet Boys, Mariah Carey, Ivete Sangalo e Katy Perry.
Realizado a cada dois anos em alternância ao irmão consolidado Rock In Rio, é organizado também pela Rock World, da família do empresário Gabriel Medina. Sua primeira realização foi em 2023, em uma aposta de tornar a cidade da música paulista, e preencher o intervalo de um ano do concorrente Lollapalooza.
Mais uma vez em setembro, grandes nomes do cenário nacional e internacional atraíram 420 mil pessoas durante cinco dias divididos em dois finais de semana. O número é menor que o da estreia, com 500 mil espectadores, mas ainda de acordo com a organizadora do evento, o impacto na cidade aumentou. Foram movimentados R$2,2 bilhões, aumento de 21% segundo estudo da Fundação Getulio Vargas (FGV).
Após um primeiro final de semana marcado por uma apresentação imponente do rapper Travis Scott no sábado (6), único dia com ingressos esgotados, e um domingo (7) energético com o rock do Green Day, foi a vez do pop invadir a zona sul da capital.
Os portões seguiram abrindo ao meio dia, tal qual o serviço de transporte expresso do festival. Além disso, as opções variadas de alimentação, com opções vegetarianas e veganas, banheiros bem sinalizados e muitas ativações dos patrocinadores foram pontos positivos. No entanto, a distância entre o palco secundário (The One) e o principal (Skyline), além da inclinação do terreno no último, continuaram provocando críticas.
Sexta-feira (12)
Jason Derulo animou o público na noite de sexta com um espetáculo cheio de energia e coreografias impactantes. Em meio a hits como “Talk Dirty”, “Wiggle” e “Want to Want Me”, o cantor mesclou pop e R&B destacando sua potência vocal, além de entregar muito carisma e sensualidade durante a apresentação.
A noite, aquecida por Derulo, ganhou clima nostálgico com os Backstreet Boys, que transformaram o palco em uma viagem ao auge dos anos 90. Ao som de clássicos como “I Want It That Way” e “As Long As You Love Me”, a plateia virou um grande coral emocionado, enquanto as coreografias reforçavam a identidade da boyband. Três décadas depois, o grupo mostrou que ainda sabe comandar multidões com carisma e sintonia.
Gente, eles performando 'We've Got It Goin' On' sempre vai me pegar muito 🫦 #BackstreetBoysNoMultishow #TheTownNoMultishow @backstreetboys pic.twitter.com/DLrpVkIMga
— Multishow (@multishow) September 13, 2025
Com novo visual, Luísa Sonza enfrentou o frio paulista com um figurino ousado e um show cheio de atitude no Palco The One. Além dos próprios sucessos que a consagraram no pop, a cantora surpreendeu ao incluir releituras de clássicos da música brasileira, indo de “Louras Geladas”, do RPM, a uma homenagem emocionante a Rita Lee com “Amor e Sexo”. A mistura de hits atuais, performances coreografadas e referências à MPB agitou a platéia.
E completando a presença de potências nacionais, Pedro Sampaio fez uma apresentação histórica para o público e para si, alegando que gastou milhões para tudo acontecer. A banda Jota Quest acalentou corações nostálgicos, e nomes em ascensão no cenário do funk e rap como Duquesa e Keyblack agitaram a platéia.
Sábado (13)
No sábado (13), o festival reuniu diferentes gerações da música, com encontros que alternaram festa, emoção e mais nostalgia. Ivete Sangalo levou a energia de um carnaval baiano para o The Town. Colorida, divertida e sempre próxima da multidão, fez do show uma festa ao ar livre, com direito a roda de samba e participação surpresa de ritmistas que incendiaram ainda mais a apresentação. O repertório, que atravessa gerações, transformou a noite em um daqueles encontros em que ninguém consegue ficar parado.
Mais íntimo e afetivo, Lionel Richie trouxe outro clima para a noite fria da cidade da música. Quando sentou ao piano para entoar “Hello”, parecia que o festival inteiro tinha parado para ouvi-lo. A emoção foi tanta que, dois dias depois, o cantor usou as redes sociais para agradecer pelo carinho recebido em São Paulo, declarando que ainda sentia o amor do público brasileiro.
A diva Mariah Carey apostou no glamour e em seu repertório de baladas imortais. A performance, embora marcada por certa distância, encontrou momentos de brilho quando dedicou uma música ao público brasileiro, gesto que foi recebido com emoção. Hits como “Hero” e “We Belong Together” reafirmaram o status da cantora como uma das maiores vozes do pop mundial.
O festival também abriu espaço para outras vozes marcantes. Jessie J emocionou em um show acústico intimista, feito apesar de estar em tratamento contra um câncer de mama — e que acabou sendo o único da cantora na América do Sul após o cancelamento das demais datas na América do Norte e Europa.
Glória Groove incendiou o público com sua potência performática e visual, enquanto Criolo trouxe poesia afiada e versos de impacto, lembrando a força política do rap. MC Livinho levou o funk a outro patamar e anunciou seu novo projeto de carreira em R&B. Péricles encerrou sua participação em clima caloroso de roda de samba, onde cada espectador parecia parte de um grande encontro entre amigos.
Domingo (14)
Com Joelma, o The Town se transformou em um baile popular de cores, brilhos e danças frenéticas. A cantora revisitou sucessos da época da banda Calypso e apresentou a força de sua carreira solo, mas também abriu espaço para artistas nortistas como Dona Onete, Gaby Amarantos e Zaynara.
O gesto deu visibilidade a uma cena muitas vezes esquecida nos grandes festivais e reforçou sua identidade como representante da cultura amazônica. Com plateia recheada, a artista mostrou que a demanda é alta.
No início da noite, em um horário um pouco melhor que sua última apresentação no Rock In Rio, Ludmilla mobilizou milhares de pessoas no palco secundário. Atravessando hits de sua carreira como “Favela Chegou”, “É Hoje” e sucessos do Numanice, entregou presença de palco e coreografias sensuais. A carioca também surpreendeu a todos com a aparição da cantora estadunidense Victória Monet para a parceria “Cam Girl”.
Sem atrasos, às 20:30, foi a vez então de Camila Cabello levar ao palco o último show da C,XOXO tour. A performance da cubana foi marcada pelo seu carisma e declarações em português como “eu te amo Brasil” e “tenho uma relação muito especial com o Brasil [...] me sinto meio brasileira”. Hits do início de sua carreira solo animaram, como “Bad Kind Of Butterflies” e “Never Be The Same”, além de quase todas as faixas do seu último álbum de 2024, que dá nome à turnê, como “HE KNOWS” e “I LUV IT”.
A performance potente e animada, que mesclou reggaeton e eletrônica, ainda contou com o funk “Tubarão Te Amo” e uma versão acapella de “Ai Se Eu Te Pego” de Michel Teló. Seguindo, logo após “Señorita”, parceria com o seu ex-namorado, Shawn Mendes, ela cantou “Bam Bam”, brincando com a plateia que aquela canção era para se livrar das pessoas negativas. Vestindo uma camiseta do Brasil e com uma bandeira, encerrou o show de uma hora e meia com “Havana”.
Para encerrar o festival, Katy Perry trouxe espetáculo em grande escala, mas não deixou faltar momentos de intimidade. A apresentação iniciada pontualmente às 23h15 teve direito a pirotecnias, muitos efeitos especiais e um discurso emocionante da cantora sobre a importância de trazer sua turnê para a América do Sul.
Em meio a cenários lúdicos, trocas de figurino e um repertório recheado de hits, Katy Perry chamou o fã André Bitencourt ao palco para cantarem juntos “The One That Got Away”, o que levou o público ao delírio. O show integrou a turnê The Lifetimes World Tour, e deixou a impressão de que a artista fez questão de entregar em São Paulo um dos capítulos mais completos dessa jornada.
QUE INCRÍVEL ✨ 🤩 #TheTownNaGlô #TheTown2025 pic.twitter.com/GkTipeNsqA
— TV Globo 📺 (@tvglobo) September 15, 2025
No último dia, outros públicos foram contemplados também, com o colombiano J Balvin, dono de hits como “Mi Gente”, e uma atmosfera poderosa com IZA de cleópatra ocupando o palco principal no início da tarde. Dennis DJ agitou com funk no palco The One e, completando a proposta do festival de dar espaço a todos os ritmos e artistas, Belo e a Orquestra Sinfônica Heliópolis marcaram presença no palco Quebrada.
A cidade da música em solo paulista entregou o que prometia, grandes estruturas e um line up potente, mas ainda segue construindo sua identidade e se aperfeiçoando. A terceira edição já foi inclusive confirmada para 2027 pelo prefeito Ricardo Nunes e a vice-presidente da Rock World, Roberta Medina em coletiva na segunda-feira (15).
Com mais de 100 mil pessoas por dia, o The Town estreou no último fim de semana, 6 e 7 de setembro, no Autódromo de Interlagos, em São Paulo.
Travis Scott encerrou o sábado (6) no palco Skyline com um show eletrizante, enquanto Lauryn Hill emocionava fãs no palco The One ao lado dos filhos YG e Zion Marley. No domingo (7), os destaques ficaram por conta de Green Day e Iggy Pop, além de apresentações de Bad Religion, Capital Inicial e CPM 22.
O festival retoma a programação nos dias 12, 13 e 14 de setembro, com shows de Backstreet Boys, Mariah Carey, Lionel Richie e Katy Perry.
Da Colômbia para o Edifício Pina Luz, Beatriz González ganha uma homenagem em celebração aos seus mais de 60 anos de carreira. Na Pinacoteca de São Paulo, a exposição Beatriz González: a imagem em trânsito reúne mais de 100 trabalhos da artista, produzidos desde a década de 1960.
Reconhecida como uma das maiores personalidades da arte latino-americana, a colombiana se destacou ao transformar peças de mobiliário em pinturas. Com a política e cultura de seu país como inspiração, Beatriz combina crítica social e poesia em suas telas, como em Yolanda nos Altares, onde representa agricultores que lutavam pela devolução de suas terras, roubadas por um grupo paramilitar.
A artista tem sua primeira mostra individual no Brasil espalhada por sete salas da Pinacoteca. A última vez que suas obras foram expostas no Brasil foi em 1971, na 11ª Bienal de São Paulo.
Logo no início da mostra, o público se depara com um espaço dedicado à reprodução e circulação artística na mídia. Um dos trabalhos mais icônicos da artista, Decoración de interiores, marca presença na sala. Uma cortina estampada com o retrato do então presidente da época (1978-1982), Julio César Turbay, questiona o peso da hierarquia presidencial.
Do conflito armado colombiano até suas vivências em comunidades indígenas, González extrai registros da imprensa para suas pinceladas. Entre as obras expostas, Los Suicidas del Sisga toma forma a partir de um caso real sobre um duplo suicídio cometido por um casal, refletindo sobre os códigos que vinculam a imagem à crônica policial e sua reprodução nos meios de comunicação de massa. Mais tarde, Beatriz passa a focar na iconografia política colombiana, como a tomada do Palácio da Justiça.
No catálogo, também estão releituras de clássicos contemporâneos. Entre elas, González dá uma nova cara a Mulheres no jardim, de Claude Monet, em Sea culto, siembre árboles regale más libros.
A série Pictogramas particulares encerra a exposição. Nela, a colombiana lança luz sobre a migração forçada, desastres ambientais e a violência nos territórios rurais. A partir de placas de trânsito, a artista representa hipóteses de crise social.
Em cartaz até 1º de fevereiro de 2026, a mostra conta com curadoria de Pollyana Quintella e Natalia Gutiérrez.
Serviço:
- Local: edifício Pina Luz
- Data: de 30 de agosto até 1 de fevereiro de 2026
- Endereço: Praça da Luz, 2, Bom Retiro, São Paulo — SP
- Valor: R$ 30,00 (inteira) e R$ 15,00 (meia-entrada). Gratuito aos sábados
- Horário de funcionamento: de quarta a segunda, das 10h às 18h
A segunda semana da 77ª edição do Festival de Cannes, que terminou no sábado (25/05), apresentou 10 filmes da mostra principal, entre eles o brasileiro Motel Destino. Também contou com a homenagem a George Lucas, diretor de Star Wars e o momento mais esperado do festival, a cerimônia de premiação.
O Festival contou com muitos filmes com mulheres como protagonistas e tendo suas vivências como enredo principal. Apesar disso, apenas quatro dos vinte e dois filmes selecionados para a categoria principal, que concorreram a Palma de Ouro, foram dirigidos por mulheres.
Brasil
Apesar do país não ter ganhado nenhum prêmio na categoria principal, o Ministério da Cultura (MinC), se fez presente no festival através da Secretaria do Audiovisual (SAV), com o objetivo de aumentar a presença do Brasil no setor em âmbito internacional.
Nos encontros que a SAV participou, foram debatidas a coprodução com outros países e as possibilidades para ampliação da circulação e da promoção dos conteúdos audiovisuais brasileiros no mundo.
Em parceria com o Instituto Francês e a Embaixada da França no Brasil, o MinC realizou um encontro com autoridades especialistas do setor, para fortalecer o intercâmbio profissional e de conteúdo entre os países participantes. Entre eles, estavam a França, Uruguai, Arábia Saudita, Canadá e África do Sul
Além disso, o MinC participou da sessão Focus on Brazil, na qual apresentou as políticas de fomento ao cinema e propôs uma agenda de atividades de colaboração com a França para 2025.
O Brasil levou para casa esse ano o prêmio de melhor ator revelação, dado a Ricardo Teodoro, um dos protagonistas de “Baby”, do cineasta Marcelo Caetano (Corpo Elétrico), que foi exibido na terça-feira (21/05) na mostra paralela Semana da Crítica. O filme é de um diretor brasileiro, mas também conta com a coprodução da França e da Holanda, mostrando que o país está preocupado em fazer intercâmbios culturais para promover sua filmografia.
7° dia (20/05)
O canadense David Cronenberg (Crimes do Futuro), faz sua sétima estreia em Cannes, com o filme “As Mortalhas”, que conta a história de um empresário que inventa um dispositivo que permite que as pessoas possam falar com os mortos. O cineasta perdeu sua esposa em 2017, tornando sua produção mais pessoal, mas sem perder o terror corporal característico de suas obras.
O iraniano Ali Abbasi (Holy Spider) faz sua terceira aparição no festival. Tendo ganhado prêmios na exibição, Um Certo Olhar (Mostra paralela) em 2018, e de Melhor atriz em 2022.
Esse ano, ele estreia com “O Aprendiz”, que conta a história do Donald Trump, nas décadas de 70 e 80, começando o seu império imobiliário em Nova York. O longa foca especialmente na relação entre Trump e Roy Cohn, o advogado que o apadrinhou.
8° dia (21/05)
O francês Christophe Honoré (O estudante do ensino médio) está pela sexta vez em Cannes. Seu filme “Meu Marcelo”, é uma homenagem ao ator italiano Marcello Mastroianni, trazendo sua filha Chiara como atriz principal. O filme conta a história de uma menina que está cansada da própria vida e decide viver como seu pai, falando como ele e se vestindo como ele, até que as pessoas ao seu redor passam a chamá-la pelo nome do pai (Marcello).
O italiano Paolo Sorrentino (A Grande Beleza), estreia com “Partepone”. O filme conta a história de uma sereia da mitologia grega, que após não conseguir atrair Ulisses com suas canções, se jogou no mar e se afogou. Baseado nisso, Paolo conta a história de vida de uma mulher muito bonita, os homens que ela conhece e a sua vida na Itália.
O americano Sean Baker (Projeto Flórida), estreia pela segunda vez com “Anora”, que conta a história de uma dançarina erótica num clube de Nova York, que conhece Vanya, um jovem de 21 anos da Rússia, que acaba se apaixonando por ela, mas os capangas dos pais de Vanya resolvem fazer de tudo para anular o casamento.
9° dia (22/05)
O português Miguel Gomez (Tabu), chega pela segunda vez no festival com "Grande Passeio”. O filme fala sobre Edward, funcionário público, que foge da noiva Molly no dia do casamento em Rangoon, 1917. Suas viagens substituem o pânico pela melancolia e Molly, decidida a se casar, diverte-se com sua fuga e o segue pela Ásia. O filme rendeu a Miguel Gómez o prêmio de Melhor Diretor.
O brasileiro Karim Ainouz (Firebrand) faz sua quinta passagem pelo festival, onde já soma uma vitória na mostra paralela Um Certo Olhar em 2019 com "A Vida Invisível".
Karim Aïnouz chega pela segunda vez na categoria principal de Cannes com "Motel Destino". O filme conta a história de um casal apaixonado, Heraldo e Dayana, que se conhecem no Motel Destino, e fazem um plano para fugirem juntos, ele da polícia e de sua gangue e ela do marido grosseiro que é administrador do estabelecimento.
10° dia (23/05)
O francês Gilles Lellouche (BAC NORD: Sob Pressão), apresentou "Ufa, amor", que conta a história de um relacionamento improvável entre duas pessoas. Uma garota de uma família de classe média alta e um rapaz de origem modesta se apaixonam, apesar de se afastarem no decorrer da vida, o amor segue vivo.
A diretora indiana Payal Kapadia, chega pela segunda vez em Cannes, após ter ganhado o prêmio de Melhor Documentário com “Uma Noite sem Saber Nada” em 2021.
Esse ano ela traz, "Tudo que Imaginamos como Luz", primeiro filme indiano a concorrer na categoria principal em 30 anos. A obra, que levou o Grande Prêmio,conta a história da enfermeira Prabha, de Mumbai, que mergulha no trabalho para suprimir memórias dolorosas, até que um presente reabre as feridas de seu passado.
11° dia (24/05)
Mohammad Rasoulof (Não há mal algum) faz a sua quarta estreia em Cannes com "A Semente do Figo Sagrado", que fala sobre o juiz de instrução Iman que luta contra a paranoia em meio à agitação política em Teerã. Quando sua arma desaparece, ele suspeita de sua esposa e de suas filhas, impondo medidas que desgastam os laços familiares.
O francês Michel Hazanavicius ( O Príncipe Esquecido) chega em Cannes com "O mais Precioso dos Bens", uma animação que se passa em tempos de guerra, onde um pobre lenhador e sua esposa vivem em uma grande floresta. Um dia, a mulher encontra e resgata uma menina, trazendo mudanças irrevogáveis para a vida do casal e daqueles cujo caminho a criança irá cruzar.
12° dia (25/05)
O dia foi de grandes emoções, com a homenagem a George Lucas, diretor de Star Wars, e a divulgação dos filmes premiados pelo júri, entre eles, o vencedor da Palma de Ouro.
O filme "Anora", dirigido pelo cineasta Sean Baker, foi prestigiado com o prêmio. A presidente do júri, Greta Gerwig, afirmou que o filme é magnífico, e "cheio de humanidade".
O musical "Emilia Pérez", de Jacques Audiard, conta a história de um traficante mexicano que se torna uma mulher trans e cria uma ONG para encontrar os corpos de pessoas desaparecidas. O filme foi o vencedor do prêmio do júri e suas atrizes levaram o prêmio de melhor atuação feminina no festival. Entre elas, estão Selena Gomez, Zoe Saldana e Karla Sofia Gascon (1° mulher trans a vencer um prêmio por interpretação feminina no festival).
O cineasta iraniano Mohammad Rasoulof venceu o prêmio especial de roteiro por "A Semente do Figo Sagrado", que aborda as questões sobre as mulheres e a liberdade em seu país.
"O regime iraniano tem pânico porque estamos contando nossas histórias. É absurdo", disse Rasoulof, em entrevista coletiva no sábado (25/05). O cineasta precisou fugir do Irã, onde foi condenado a chibatadas e oito anos de prisão, por causa de seus filmes.
O americano Jesse Plemons venceu o prêmio de melhor ator em Cannes por sua interpretação de Robert em "Tipos de Gentileza". No filme de Lanthimos, com três histórias paralelas, Plemons, de 36 anos, é manipulado por um personagem perverso, interpretado por Willem Dafoe, que não hesita em cumprir o que seu chefe manda.
A francesa Coralie Fargeat levou o prêmio de Melhor Roteiro com “A Substância”. O filme é centrado em uma personagem que é demitida do programa de TV que apresentava por conta de sua idade, em crise por conta da pressão estética a personagem faz uso de uma substância que faz com que seu corpo produza uma versão mais jovem de si.
Outros filmes também ganharam prêmios fora da categoria principal :
Melhor Primeiro Filme: “Armand”, Halfdan Ullman Tondel
Curta-metragem Palma de Ouro: “O homem que não conseguia permanecer em silêncio”, Nebojsa Slijepcevic
Menção Especial Curta-Metragem: “Ruim por um momento”, Daniel Soares
A cantora britânica Charli XCX se apresentou no último sábado, 1º, no Primavera Sound de Barcelona, capital da Espanha, e deixou os fãs enlouquecidos ao performar uma música inédita, parte do seu novo álbum “Brat”, que estreia na sexta-feira, 7. O hit com batida de funk “Everything is romantic” embalou a noite dos fãs espanhóis presentes no evento.
SOLTA O FUNK! Confira novo verso de ‘Everything is Romantic’, faixa presente no álbum ‘BRAT’ de Charli XCX. pic.twitter.com/Q9L2xkUDKL
— Info Charli XCX (@infocharlixcx) June 2, 2024
Charli, que ao longo das últimas semanas vem divulgando materiais e pistas da sua nova era verde neon, no dia 10 de maio lançou o clipe da canção “360” com várias it-girls (celebridades) conhecidas no mundo da moda, cinema e das redes sociais, como a musa Chloë Sevigny, Gabbriette Bechtel, a febre do TikTok e das passarelas Alex Consani, além das modelos e atrizes Julia Fox, Rachel Sennott (Bottoms e Morte Morte Morte, ambos da produtora A24), Emma Chamberlain, Salem Mitchell.
A fama da cantora, que começou na indústria aos 14 anos, veio após ela ser notada em seu MySpace, rede social americana, por um organizador de raves clandestinas chamado Chaz, das quais ela participou com o apoio de seus pais, por ser menor de idade.
Em abril de 2013, participou das turnês de artistas famosas como Ellie Goulding e Marina and the Diamonds, que alavancou sua popularidade entre os fãs de música pop no Reino Unido e fora dele. Em 2014, Charli emplacou o hit “Fancy” com Iggy Azalea que atingiu 1º lugar no US Billboard Hot 100, e “Boom Clap” que fez parte da trilha sonora de “A Culpa é das Estrelas”.
Hoje com 31 anos, ela celebra o status de ícone do pop dentro da comunidade LGBTQIAPN+, com uma carreira extensa, cheia de acertos e que migrou para o subgênero musical hyperpop (mistura do pop com a música eletrônica, batidas surrealistas, nostálgicas e ao mesmo tempo futuristas) herança de sua parceria e amizade com a DJ e produtora Sophie, que morreu em 2021, após uma queda acidental em sua casa. A amiga da cantora era de uma gravadora chamada PC Music, selo do produtor e DJ AG Cook, juntos colaboraram para popularizar as batidas sintetizadas e maximalistas.
Após um post em seu Instagram, Charli anunciou que o álbum Brat terá 41 minutos e 23 segundos de duração com 15 músicas.
1. 360
2. Club Classics
3. Sympathy Is a Knife
4. I Might Say Something Stupid
5. Talk Talk
6. Von Dutch
7. Everything Is Romantic
8. Rewind
9. So I
10. Girl, So Confusing
11. Apple
12. B2B
13. Mean Girls
14. I Think About It All the Time
15. 365
Um dos eventos mais emblemáticos do Brasil e fundamentais na construção da identidade nacional, atrai olhares do mundo inteiro: o Carnaval. Em São Paulo, a comunidade carnavalesca se empenha em garantir um momento grandioso, tanto dentro quanto fora do sambódromo, ao longo dos meses de fevereiro e março.
O Carnaval Paulista é uma celebração composta por escolas de samba, grupos carnavalescos e blocos de rua. Segundo o Centro de Inteligência da Economia do Turismo (CIET), durante o Carnaval de 2024, estimava-se que aproximadamente 4,4 milhões de pessoas estariam no Estado, gerando uma movimentação financeira de R$ 5,72 bilhões.
Fabiana Ribeiro, que desfila no grupo especial na Barroca Zona Sul e como princesa da bateria na Unidos do Vale Encantado, compartilha sua perspectiva sobre esse período. Segundo ela, “O Carnaval não apenas atrai muitos turistas de fora para prestigiar nossos desfiles e ensaios, mas também é um período de reflexão e crítica social, abordando questões políticas, culturais e econômicas tanto nos desfiles musicais quanto nas fantasias."
Tradição
As baianas e a porta-bandeira desempenham papéis fundamentais na tradição carnavalesca. Elas representam a essência da festa, simbolizando força, cultura e identidade. "As tradições nas escolas de samba, hoje em dia, são as baianas; a porta-bandeira e o mestre-sala; e a velha guarda. E conforme vêm passando os anos, têm muitas mudanças, mas nós procuramos nos adaptar a todas as formas de acordo com as novas regras.", comenta Ribeiro.
A porta-bandeira desempenha um papel fundamental na representação da escola de samba, sendo responsável por carregar um dos seus símbolos mais significativos. Em sua experiência, Penteado compartilha: “Ela é a guardiã desse símbolo, segurando ali em seus braços o pavilhão máximo da escola, que é a identidade, e o pavilhão carrega toda uma história. Exige empenho, dedicação e muito ensaio.”
As gerações futuras e o legado a preservar
A preservação do Carnaval enfrenta desafios significativos ao longo do tempo, incluindo a falta de engajamento dos jovens e a escassez de investimentos. Sandra Aparecida de Souza, voluntária na associação da ADESP (Associação dos Destaques das Escolas de Samba do Estado de São Paulo) e jurada, expressa sua preocupação: "As pessoas da velha guarda estão preocupadas. Nesse momento, não existe esse interesse dos jovens com o Carnaval".
Paula Penteado, porta-bandeira que conduziu o pavilhão da Vai-Vai durante 16 anos, destaca o papel fundamental da preservação do legado na escola de sua família. "A Vai-Vai é uma escola de tradição. Nossos integrantes da velha guarda fazem questão de que continue assim, com um legado forte. As crianças são ensinadas já a fazer com que a escola seja perpetuada. É de geração para geração."
Identidade Paulista
O samba em São Paulo é uma expressão vibrante e diversificada que reflete a vida urbana e os desafios sociais da cidade. Originado das tradições africanas, tornou-se essencial para a identidade paulistana, integrando-se a uma variedade de estilos musicais. Com uma mistura que vai do samba de raiz ao rock e ao pagode, o samba em São Paulo representa não apenas uma expressão cultural, mas também a resistência das comunidades que ajudaram a construir a cidade moderna. Renata Amorim, foliã e baiana, compartilhou sua experiência: "Em São Paulo, o samba é mais ritmado, mais rápido. Não quero defender, mas é o melhor."
A cultura negra paulista destaca-se como um elemento fundamental do patrimônio cultural da cidade, muitas vezes sendo negligenciada. “A cultura Paulista, é a cultura Paulista preta. Preservar essa cultura, das plantações de café que existiam, dos escravizados, dos meus antepassados. É recordar de uma parte talvez esquecida ou não tão reconhecida da cultura paulista, mas que existe, estamos aqui e queremos manter viva essa memória.”, relata Penteado, a porta-bandeira.
Times Organizados
Às duas maiores paixões juntas: Futebol e Carnaval. Muitas escolas de samba são filiadas de clubes de futebol em que possuem grande alcance do público. Clubes como o Corinthians, por exemplo, que possui uma das maiores torcidas do país, encontram uma plataforma nas agremiações para expandir sua presença e engajar ainda mais seus torcedores durante o período carnavalesco. Da mesma forma, as escolas de samba se beneficiam do apoio financeiro e estrutural oferecido pelos clubes, além de ganharem visibilidade junto aos aficionados pelo futebol.
A harmonia entre as escolas e os times gera um grande problema em relação à sobreposição de valores e tradições que podem levar a uma confusão cultural, no qual o futebol pode ofuscar a autenticidade do Carnaval. “Vejo que os sambistas, principalmente os mais antigos, não gostam muito das escolas de time, porque eles acham que a gente mistura time com escola.”, afirma Aparecida.
Enquanto alguns veem essa integração como uma forma de celebrar a diversidade e a paixão que une os brasileiros, outros acreditam na diluição das características únicas de cada evento, transformando o Carnaval em um espetáculo comercial e o futebol em mera ferramenta de promoção.
Preservação Cultural e Histórica
As escolas de samba são fundamentais para manter vivas as tradições de São Paulo. Elas são espaços onde as pessoas se encontram e celebram a diversidade, promovendo o entendimento e o respeito pela identidade local. Como mencionado por Penteado: “O principal papel da escola de samba é fazer com que isso não seja esquecido. As culturas de matriz africana, elas são geralmente perpetuadas pela oratória e acho que a gente está aprendendo a escrever e a registrar dessa forma hoje em dia. A responsabilidade da escola de samba atualmente é fazer com que as pessoas que não conhecem as escolas de samba ou as pessoas que acham que realmente é só festa e folia, entendam que o Carnaval gera trabalho e gera engajamento, geram famílias.”
A democratização da cultura é um assunto muito pautado nos debates atuais, principalmente, no âmbito do audiovisual. Esse é um tópico relevante, visto que a cultura do cinema não se trata apenas de lazer, mas de uma manifestação artística repleta de detalhes e motivações por trás. Contudo, a democratização do cinema em si, visa a distribuição e popularização da arte cinematográfica, de forma que todos tenham acesso a esse meio de maneira igual.
O cineasta Ralph Friedericks traz, em entrevista, suas visões sobre a temática a partir de suas experiências na área: “A democratização do cinema brasileiro é muito importante. O cinema sempre esteve nas mãos de uma classe privilegiada e, por isso, precisamos que o cinema, espelho da sociedade, tenha obras dos mais diversos pontos de vista e lugares de fala.”
Além de Cineasta, Ralph também é sócio-proprietário da produtora Matiz Filmes em São Paulo, além de fazer parte da equipe do projeto PONTOS MIS do Museu da Imagem e do Som de São Paulo, fazendo Oficinas De Cinema para todas as idades. “O distanciamento da população a cultura audiovisual intensifica a segmentação social pois o acesso à cultura (filmes) é a um senso crítico e identitário acaba não acontecendo aumentando assim a diferença cultural das pessoas.”, relata.
O acesso restrito à uma parcela da sociedade aos espaços de cultura elitiza as artes, principalmente, o audiovisual, que possui locais específicos e muitas vezes dentro de shoppings. Essa forma elitizada de tratar o cinema vem sendo quebrada ao longo dos anos. Com a diminuição de pessoas indo aos cinemas no período pós-pandemia, a empresa ‘Cinemark’ criou a campanha ‘Semana do cinema’, em que a marca propõe uma semana completa em que os ingressos para os filmes em cartaz ficam por R$10,00; com o intuito de aumentar o público e de certa forma, impulsionar o acesso de toda a população ao mundo cinematográfico.
Em entrevista a jovem Ana Beatriz Pereira, graduanda em cinema e audiovisual pela PUC-Minas, comenta: “Na minha opinião, o valor dos ingressos e a localização é o que mais afasta as pessoas do cinema. A maioria dos cinemas hoje está localizado nos shoppings - lugares que não são de fácil acesso a toda a população. Além disso, esses cinemas que são de rede possuem um valor de ingresso muito alto, isso dificulta a possibilidade ‘das’ pessoas irem ao cinema com frequência.”, a respeito do afastamento da população a arte do audiovisual.
Historicamente, os cinemas começaram a ser explorados cada vez mais pelo sistema capitalista nos anos 80, quando os cines de rua foram substituídos pelas grandes redes de cinema localizadas dentro de shoppings, buscando maior lucro pela grande quantidade de pessoas que circulam no espaço fechado. Hoje em dia, poucos cinemas de rua sobrevivem nas metrópoles, como o CineSala, criado em 1959 e localizado, até hoje, em Pinheiros na grande São Paulo.
O espaço promove a preservação da memória do local e uma facilidade no acesso com preços menores e estação de metrô próxima. Os cinemas de rua, além de acolherem mais a população por seus diferenciais, também favorecem as produções nacionais e independentes. “O cinema de rua alimenta a cultura audiovisual local. É lá que que os filmes nacionais e independentes ganham espaço, já que as redes preferem os mainstream, que é o que dá dinheiro ‘pra’ eles.”, complementa a Ana.
(Foto: franparente/cinesala)
Enquanto existem algumas medidas para que o acesso ao cinema chegue a todos, grandes empresas buscam maneiras de lucrar cada vez mais com a elitização dos espaços, como com a criação do Kinoplex Diamante pela grande rede Kinoplex. Esse cinema de luxo, localizado no Vale Sul Shopping em São José dos Campos no interior de São Paulo, integrado juntamente a um bar e restaurante em seu interior, possui suas salas compostas por cabines, com dois lugares VIP’S cada. A empresa visa trazer experiências únicas para todos nesse espaço, mas os preços dos ingressos são acima de R$90,00; reforçando a ideia da elitização das vivências culturais.
(Foto: Beatriz Lima)
Em 2001, a ANCINE (Agência Nacional do Cinema) foi fundada, com principal objetivo fomentar, desenvolver e regular o setor audiovisual em benefício da sociedade brasileira. Com a criação dessa agência pública, o acesso recorrente da população à essa arte continua restrito à certas classes sociais. “Pequenas cidades dificilmente têm acesso a cinemas ou atividades culturais. De modo geral, essas atividades costumam ser localizadas nos grandes centros urbanos e, ainda assim, não são levadas igualmente a toda a população, seja por meio do custo ou localidade.”, reforça.
Além disso, a falta de incentivo estatal na divulgação e no acesso ao cinema no Brasil intensifica ainda mais essa problemática, uma vez que a indústria cinematográfica se mantém controlada pelo monopólio privado. Com o cinema nas mãos de uma parcela rica da sociedade, a elitização dessa arte é certeira. Ana Beatriz afirma: “Cinema é uma indústria que precisa de capital para continuar existindo e, para isso, precisa-se de incentivo do governo e da população. Os cinemas de rua vão fechando cada vez mais, a partir do momento em que não se valoriza os filmes locais.”.
“Eu sou Longun Edé. O grande príncipe herdeiro da raça dos meus pais! Tenho a sensibilidade e a inteligência de minha mãe e a bravura e a esperteza de meu pai. Caçador e pescador, sou minha própria natureza. Sou o único capaz de reunir todos os mundos. Sou o equilíbrio entre os homens e as mulheres. Sou cultuado nos axés do Brasil.”
Escreveu Anitta, homenageando o orixá em sua postagem do Instagram que anunciava seu novo clipe musical “Aceita”, no qual ela abrange temas de sua religião afro-brasileira, o Candomblé. Após a divulgação, a cantora perdeu mais de 200 mil seguidores na rede social. Essa não seria a primeira vez que ela mencionou a sua religião para o público, mas foi o primeiro trabalho em que ela a retrata abertamente na música.
Essa reprovação sofrida pela artista reflete à intolerância religiosa propagada no Brasil, um país majoritariamente cristão, que historicamente repele culturas de origens que não são brancas. Durante o período escravagista, os escravos cultuavam suas religiões e entidades africanas, que eram vistas como bruxaria pelo povo católico, de origem europeia. Entre as religiões originadas na África, estava o Candomblé. Vanderlei Aurora, que é parte do Candomblé há 12 anos, conheceu a religião por meio de uma amiga que o levou para conhecer um terreiro. Ao ser questionado sobre intolerância e preconceito, ele afirma que já ouviu falas discriminatórias a respeito do uso de roupas brancas: “As pessoas olham e falam ‘Olha lá os macumbeiros’” e relata, também os olhares tortos que recebe das pessoas na rua.
Sua prática do Candomblé é a conhecida como “Jeje”. Ele afirma que existem tipos diferentes de manifestar essa religião, a qual são organizados os terreiros com frequência quando há festas. A religião ainda é confundida com a umbanda por leigos por se assemelharem na origem africana e ambas terem orixás e, ao ser questionado sobre as diferenças, Vanderlei enfatiza que, enquanto a umbanda foi desenvolvida no Brasil, o Candomblé veio direto da África.
Como alguém que sempre foi alvo de críticas desde o começo de sua carreira, após perder parte dos seguidores, Anitta afirmou em seu perfil do Instagram que não recebe as críticas com negatividade: “Eu não acredito no céu e no inferno, não acredito no diabo... acredito que todos nós temos o poder de manifestar em nós o divino e a diabólico. Quando recebo mensagens de repúdio e intolerância religiosa, não sinto energia divina sendo emanada em minha direção, sinto a energia contrária. Eu tenho fé, não tenho medo.”
De acordo com a pesquisa Datafolha de janeiro de 2020, 50% dos brasileiros são católicos e 31% são evangélicos, enquanto 2% da população segue religiões afro-brasileiras, tais como a Umbanda e o Candomblé. As denúncias de intolerância religiosa vêm aumentando desde o ano de 2021, apesar da prática ser proibida por Lei. A maioria desses casos são direcionados a religiosos de origem africana, enfatizando a relação entre intolerância e racismo religioso. As manifestações de intolerância ocorrem desde piadas preconceituosas até atos de violência e vandalismo contra os terreiros e os praticantes. Além dos ataques sofridos pelos negros por seus cultos, o preconceito também é direcionado a religiões islâmicas, que ainda são alvos de muita crítica e desinformação sobre as práticas religiosas.