A mostra, que ocupa todos os andares do CCBB, articula um diálogo da cultura brasileira, em relação às heranças indígenas e africanas, ao abordar temas como espiritualidade e ancestralidade. As obras revelam a força dessas culturas, trazendo à tona práticas religiosas, conhecimentos agronômicos e costumes cotidianos que atravessam gerações.
A exposição contém obras realizadas majoritariamente por artistas das regiões Norte e Nordeste, de comunidades afrodescendentes e indígenas, comissionadas especialmente para a exposição. Já na entrada, o público é impactado com uma instalação triangular que carrega várias telas da artista premiada, Biarritzzz. A obra, pendurada no teto do edifício, representa o instrumento histórico dos trios de forró, exercitando o imaginário sertanejo.
O projeto expográfico investiu em cores fortes e fez relação a biodiversidade brasileira para marcar diferentes elementos da região e entregar também, uma experiência sensorial. A primeira cor é verde da vegetação, representando a força da vida que brota mesmo com dificuldade. Depois, as paredes se tornam azuis, assim como o céu, inspiradas pela liberdade e espiritualidade. E enfim, o laranja, vermelho e amarelo, cores que representam o calor, fogo e o sol, como o começo e fim do dia no sertão, simbolizam a luta e esperança.
“O sertão é um território simbólico no qual diferentes experiências históricas se cruzam e onde a arte pode revelar múltiplas narrativas sobre o país”,
Ariana Nuala, uma das curadoras.
A exposição está aberta para visitação até o dia 3 de agosto de 2026, das 9h às 20h e a entrada é gratuita.
De onde surgiu a ideia
A exposição nasceu das pesquisas de Marina Maciel, criadora e diretora-geral do projeto, desenvolvidas do mestrado ao seu doutorado na Faculdade de Direito da Universidade de Brasília (UnB). Em 2023, a ideia saiu no papel e ganhou forma com o Coletivo Atlântico, que atua na defesa dos direitos humanos por meio da arte. A primeira edição, Atlântico Vermelho denunciou dor e massacres causados pela escravização e marcou presença na ONU com obras de mais de 20 artistas afro-brasileiros. Como consequência da visibilidade e importância realizaram, já no próximo ano, o Atlântico Floresta, no Museu de Arte do Rio (MAR), reunindo artistas contemporâneos para abordar a violência contra povos originários.
As edições carregam o nome “Atlântico” com uma dimensão filosófica e crítica: se, por um lado, o oceano foi marcado por morte e sofrimento devido à processos coloniais, por outro, a arte decolonial e nacional, ressignifica a história, evidenciando vida e resistência.
A Ticketmaster Brasil foi notificada pelo Ministério Público de São Paulo e terá 15 dias para esclarecer a cobrança das taxas de 20% sobre os ingressos vendidos no site. O despacho foi assinado pela Promotoria de Justiça de São Paulo na quinta-feira (9) de abril, e questiona a proporcionalidade das taxas de serviço e os custos adicionais cobrados dos consumidores.
A denúncia foi apresentada pelo deputado Guilherme Cortez (PSOL), após recolher várias queixas feitas pelos compradores que adquiriram ingressos para shows como BTS, Harry Styles e Kid Abelha. A venda para o evento de Harry Styles que iniciou em janeiro deste ano já recebia reclamações sobre os custos desproporcionais. Clientes perceberam que os valores mudam de acordo com o preço do ingresso. Por exemplo, entradas de R$700,00 têm taxas de R$140,00, enquanto um ingresso de R$265,00 tem R$53,00 de custo adicional.
Em sua representação, o deputado ressalta também a ilegalidade dessas ações, além da falta de transparência por parte da empresa.
De acordo com informações divulgadas sobre o despacho assinado pelo promotor Donisete Tavares de Moraes Oliveira, a Ticketmaster deverá explicar como é feito o cálculo dessas taxas de 20%, já que a cobrança é fixa e aplicada ao valor total da compra independentemente do valor ou tipo da entrada (inteira ou meia).
A Promotoria também aguarda esclarecimentos sobre quais são os custos de infraestrutura e gestão de demanda que justifiquem essa cobrança, qual é o número total de ingressos disponibilizados para venda por cada dia de show e se as taxas são proporcionais ao valor da entrada vendida de forma on-line.
Em setembro de 2025, o Procon pediu explicações para a empresa, após esses custos adicionais serem cobrados nos ingressos do show de The Weeknd. Situação semelhante ao que ocorreu nos shows de BTS e Harry Styles.
A Ticketmaster Brasil confirmou, em nota encaminhada à imprensa, ter recebido a notificação do MP-SP. Segundo a empresa, a taxa de serviço cobrada nas vendas online está relacionada a custos de infraestrutura, operação do site e medidas antifraude voltadas à segurança do comprador. A plataforma também declarou que essas cobranças são informadas de forma transparente durante o processo e ressaltou que o consumidor tem a opção de comprar ingressos em bilheterias físicas sem os custos adicionais cobrados no site.
The Weeknd voltou ao Brasil nos dias 26, 30 de abril e 01 de maio em São Paulo e Rio de Janeiro, como parte da etapa latino-americana da turnê After Hours Til Dawn. A turnê consolida a era de sua mais recente trilogia musical composta pelos álbuns After Hours, Dawn FM e Hurry Up Tomorrow.
Depois de passar por países como Estados Unidos e México, a turnê passou pelo Estádio Nilton Santos, no Rio de Janeiro, no dia 26 de abril e pelo Morumbis, em São Paulo, nos dias 30 de abril e 1 de maio. A produção impressiona não só pelo tamanho, mas também pelo conceito visual, que mistura elementos futuristas com uma estética sombria e cinematográfica.
Anitta foi a artista escolhida para os shows de abertura da turnê na América Latina e aqueceu o público com uma performance energética e cheia de identidade brasileira. Misturando funk, pop e elementos eletrônicos, a cantora entregou um setlist que transitou entre novidades e velhos sucessos. Ela iniciou com faixas como “Meia Noite”, “Desgraça”, “Mandinga” e “Vai Dar Caô”, e posteriormente levantou a plateia com hits como “Sua Cara”, “Bola Rebola” e “Vai Malandra”.
Durante cerca de 2h30 de show e com um repertório de aproximadamente 40 músicas, The Weeknd conduziu o público por seus 15 anos de carreira. O show é uma experiência imersiva, com iluminação dramática, cenografia elaborada e uma narrativa visual que remete a um filme de terror e suspense. Acompanharam o cantor sua banda e o lendário produtor Mike Dean.
Apresentando músicas do álbum Hurry Up Tomorrow ao lado de seus maiores sucessos, Abel iniciou o show com “Baptized In Fear”, “Open Hearts” e “Wake Me Up”, criando uma atmosfera intensa logo de início. Em seguida, emendou hits como “After Hours”, “Starboy” e “Heartless”, levando o público ao delírio.
O cantor ainda retornou ao seu novo projeto com “Cry For Me” e “São Paulo”, faixa que ganhou destaque especial por homenagear a cidade. Em um dos momentos mais marcantes da noite, Anitta voltou ao palco para cantar o novo single “Rio”, uma homenagem direta à cidade carioca e que conta com sua participação. A faixa traz influências do Brazilian Phonk e chama a atenção pelo visual de seu futuro clipe, dirigido pelo famoso cineasta japonês Takashi Miike.
Ao longo do show, The Weeknd percorre diferentes fases da sua carreira e revisita trabalhos como Dawn FM, Beauty Behind The Madness, My Dear Melancholy, e House of Balloons. Em versões mais intimistas de “Out of Time” e “I Feel It Coming”, o artista desceu até a grade e interagiu com os fãs. Em um momento espontâneo, cantou com uma fã da primeira fileira, correu pela frente do palco cumprimentando o público e demonstrou gratidão pela recepção calorosa.
Abel encerrou a noite com uma declaração emocionante: “Eu sinto que estou em casa quando estou em São Paulo”. Ele garantiu que volta ao Brasil, mas não deixou pistas de quando.
Fugindo do formato tradicional e engessado, o show conta com longas passarelas que avançam sobre a pista, aproximando o cantor do público, enquanto a banda permanece conectada no palco principal, sustentada por um telão gigantesco que amplifica a experiência visual.
Além da estrutura, a performance vocal de Abel também se destaca. Com uma voz afinada, ele entrega estabilidade ao vivo mesmo em faixas mais exigentes, combinando técnica, carisma e presença de palco. Sempre em movimento, interagindo e incentivando o público, o artista mantém a energia elevada do início ao fim.
A parte visual do show ganha ainda mais força com o uso criativo da iluminação. Lasers cortam o estádio em diferentes direções, criando cenários dinâmicos, enquanto as pulseiras luminosas distribuídas ao público transformam a plateia em um verdadeiro mar de luzes sincronizadas. No encerramento, fogos de artifício tomaram conta do céu e fecharam o espetáculo de forma memorável ao som de "Moth To A Flame".
A última vinda do artista ao país aconteceu em 7 de setembro de 2024, durante a fase final da turnê que promovia o álbum Hurry Up Tomorrow. Na ocasião, o cantor contou com participações especiais de Anitta e Playboi Carti.
O jornal americano The New York Times publicou na última terça-feira (28) uma seleção dos 30 maiores compositores americanos vivos. Sem ordem de ranking, o levantamento se propõe a definir o padrão de compositor da nova geração e quais seriam as suas principais influências, reunindo artistas que seguem moldando a produção musical contemporânea e ampliando seu alcance cultural em escala global.
O projeto faz parte de uma cobertura especial sobre o ofício da composição, com entrevistas em vídeo com nomes como Jay-Z, Taylor Swift e Lucinda Williams, além de artistas e produtores como Nile Rodgers, Mariah Carey e Babyface. A proposta é aproximar o público dos processos criativos por trás de algumas das canções mais conhecidas das últimas décadas, destacando o papel do compositor como eixo central da indústria da música.
Foto: Reprodução/ Instagram @nytimes
A seleção foi construída a partir de mais de 700 indicações enviadas por mais de 250 profissionais da música, além da curadoria de críticos do jornal. O processo envolveu semanas de análise e debate sobre critérios como influência, consistência artística, impacto cultural e permanência ao longo do tempo.
O resultado combina compositores consagrados, como Bob Dylan, vencedor do Nobel de Literatura, Carole King e Stevie Wonder, com artistas que redefiniram o pop e o hip-hop nas últimas décadas, como Kendrick Lamar, Taylor Swift e Lana Del Rey. O que foi avaliado em comum entre todos esses artistas foi a capacidade de atravessar gerações e influenciar não apenas o mercado americano, mas a produção musical global.
Foto: Reprodução/ Instagram @nytimes
A lista também reconhece o peso de compositores que atuam nos bastidores da indústria, responsáveis por sucessos gravados por outros artistas, como Diane Warren, Babyface, The-Dream e a dupla Jimmy Jam & Terry Lewis. A diversidade estética é um dos pontos centrais da seleção. Além de reunir diferentes gerações e estilos, passando pelo folk, country, pop, R&B e hip-hop, a lista também reflete a ampliação do alcance global da música americana.
Outro aspecto relevante é a inclusão de artistas latinos e bilíngues, como Romeo Santos e Bad Bunny, sinalizando como a ideia de “compositor americano” hoje incorpora trajetórias e influências fora do território dos EUA e da língua inglesa. O recorte reforça como a produção musical atual é globalizada e ultrapassa fronteiras linguísticas e culturais, acompanhando transformações do próprio público e da indústria.
Lista dos 30 Maiores Compositores Americanos Vivos:
Babyface
Bad Bunny
Bob Dylan
Brian & Eddie Holland
Bruce Springsteen
Carole King
Diane Warren
Dolly Parton
Fiona Apple
Jay-Z
Jimmy Jam & Terry Lewis
Josh Osborne, Brandy Clark & Shane McAnally
Kendrick Lamar
Lana Del Rey
Lionel Richie
Lucinda Williams
Mariah Carey
Missy Elliott
Nile Rodgers
Outkast
Paul Simon
Romeo Santos
Smokey Robinson
Stephin Merritt
Stevie Wonder
Taylor Swift
The-Dream
Valerie Simpson
Willie Nelson
Young Thug
Em maio de 2025, após uma reforma, Gato sem rabo abre suas portas ao público, com mais conforto para receber os interessados por uma literatura voltada ao mundo e imaginário feminino, em novo endereço no centro de São Paulo. Johanna Stein, fundadora do estabelecimento, idealizou-o conforme notou a falta de um lugar em que obras escritas por mulheres cisgênero, trans e travestis fossem valorizadas e mais acessíveis. Agora composto por um café e bar para leitores e para cidadãos que por ali passam. Durante sua graduação no campo das artes, Johanna tinha um grande interesse no trabalho de autoras mulheres, mas ao longo de suas pesquisas começou a esbarrar repetidamente com a dificuldade de achar textos produzidos por essas artistas em geral, mesmo em uma metrópole tão plural como São Paulo. Foi dessa frustração que se materializou a livraria, criando um espaço para que essas vozes pudessem fluir.
Cada vez mais, o centro de São Paulo é preenchido por estabelecimentos que exploram partes da cultura subvalorizadas e dispersas. “Existe uma demanda por obras produzidas por grupos historicamente excluídos, que tem aparecido no dia a dia dos lançamentos das editoras”, afirma Ana Paula Pacheco, professora do Departamento de Teoria Literária e Literatura Comparada da Universidade de São Paulo (USP), além de escritora de ficção e de romance experimental. “Acho que isso virou um nicho de mercado, para o bem e para o mal, acho que tem um desrecalque de vozes anti-escaladas e desrecalque é muito bom, por outro lado existe uma certa tendência de eliminar a leitura crítica das obras, é importante tratar essas obras como obras para valer que podem passar por um critério estético, crítico de leitura.”, reflete a professora da USP, em questão das popularização que vem ocorrendo dessas obras.
A curadoria da Gato sem rabo se preocupou em montar um acervo com enfoque na produção do sul global, além de clássicos de Virginia Woolf, escritora do ensaio que inspirou o próprio nome da livraria. Nesse ensaio “Um quarto só seu”, de 1928, a narradora observa um animal estranho em um gramado, onde não deveria estar caminhando, uma possível e famosa interpretação é a de estranhamento que as mulheres sofrem ao tentarem ocupar um lugar no mundo dos intelectuais, ousando a escrever.
O mundo evoluiu muito desde então, mas ainda há dificuldades inegáveis para mulheres que desejam ser intelectuais, o que não significa que não há livros que caminham por todos os gêneros literários, poético, fictício, político assim como romance e questões corporais. “Eu sinto sobretudo no meio intelectual, na universidade, na circulação do pensamento, as mulheres são uma espécie de nicho do mercado mesmo. Na universidade eu vejo ainda uma aparência de democratização, nas ações que contém uma violência histórica, às vezes muito sutil, por exemplo no domínio masculino do debate, de bancas de defesa de tese e na maneira infantilização o pensamento das mulheres, às vezes elogiando, mas existe uma certa minoridade que se tenta impor no pensamento delas”, diz Ana Paula.
Essa visibilidade a essas obras significa muito para jovens garotas, com mais possibilidades de experienciar um mundo de vozes mais próximas de seus imaginários impulsiona o surgimento de novas possíveis autoras, ou até mesmo para que o mundo intelectual seja colocado como mais acessível para todos os grupos e gêneros, e menos unificado para o público masculino. Com clube do livro, rodas de conversas e eventos, a livraria se transpõe como um lugar para que vozes sejam escutadas e que novas vozes floresçam num caminho cada vez menos fechado.
Em suma, a criação de Johanna se demonstra como um espaço com uma importância física e emocional para a comunidade literária da região, que está sendo cuidado para que siga uma tendência de crescimento. A ausência vira presença com um acervo com cerca de 650 escritoras, um esforço além da prateleira, que tem compromisso em explorar as visões de mundo na literatura produzida por elas. Livrarias independentes, como essa, fazem parte de uma transformação cultural ativa de extrema importância para o ecossistema literário “O conhecimento de relatos das mulheres, ele forma novas mulheres de outras maneiras, mas também não acho que a gente tenha que ter ilusões quanto a uma aceitação de mulheres no meio intelectual, acho que temos que ocupar espaços, disputar os espaços politicamente, sem esperar aceitação masculina”, de acordo com Ana Paula.
A Livraria Travessa foi preenchida de pessoas na terça-feira, 5, mesmo com a tempestade torrencial que atingiu a cidade de São Paulo. O perigo que deixou diversas pessoas ilhadas não foi o suficiente para impedir o público de apreciar o lançamento da nova obra de Raul Juste Lores.
A loja foi o berço da noite de autógrafos do livro “São Paulo nas Alturas”. O autor permaneceu no local até tarde e foi prestigiado por uma grande fila de fãs. O lançamento, nas palavras do escritor: “foi um sucesso!”.
Chuva intensa em São Paulo marcou a noite de autógrafos Foto: Luiza Fernandes
Lores é colunista da rádio CBN. Mas foi, por muitos anos, correspondente da Folha de São Paulo nos Estados Unidos e teve o mesmo cargo na Veja, enquanto morava na Argentina. São Paulo nas Alturas foi o seu primeiro livro.
A livraria Travessa ficou cercada por grandes filas Foto: Luiza Fernandes
Raul relatou que um dos seus sonhos era que pessoas comuns - não apenas arquitetos e especialistas - se interessassem pelo tema “cidades”. O encontro reuniu estudantes e profissionais de diversas áreas, demonstrando a realização de seu imaginário.
Loures assinou exemplares daqueles que resistiram as grandes filas Foto: Luiza Fernandes
A obra, publicada pela Companhia das Letras, conta a história de grandes projetos e prédios da cidade mais populosa da América Latina. O pesquisador também fala sobre os bastidores destas construções dos anos 50 e 60, assim como detalhes da vida dos seus planejadores.
Foi nesse período que edifícios icônicos e que definem a cidade foram construídos, como o Copan, o Conjunto Nacional, a Galeria do Rock e o edifício Itália. “‘São Paulo nas Alturas’ apresenta a trajetória de arquitetos e empreendedores que deixaram sua marca na capital paulista, além de lançar luz sobre erros e acertos nas escolhas urbanas que desenharam a cidade”, expõe a editora em suas redes sociais. O livro de Loures nos revela que a influência da arquitetura na cidade vai além do aspecto estético. Ela molda nossa maneira de viver, interagir e perceber o espaço urbano.
O relançamento de "São Paulo nas Alturas" nos convida a refletir sobre como a arquitetura não apenas reflete, mas também impulsiona o desenvolvimento social, cultural e econômico de uma metrópole em constante evolução.
A 96ª edição do Oscar aconteceu no domingo (10), em Los Angeles, no Dolby Theatre. O evento contou com a apresentação de Jimmy Kimmel, Jessica Lange, Sally Field, Danny DeVito, Arnold Schwarzenegger e Nicolas Cage. No Brasil, a transmissão aconteceu pelo canal de TV fechada, TNT, e pelo streaming MAX (antiga HBO), com tradução simultânea feita por Robert Greathouse e comentários de Ana Furtado, Aline Diniz e Andréia Horta.
Os filmes com mais indicações durante a noite foram: Oppenheimer, liderando com 13 nomeações, Pobres Criaturas e Assassinos da Lua das Flores com 11 e Barbie com 8.
A começar pela categoria de Melhor Filme, os indicados foram: Ficção Americana, Anatomia de Uma Queda, Barbie, Os Rejeitados, Assassinos da Lua das Flores, Maestro, Oppenheimer, Vidas Passadas, Pobres Criaturas e Zona de Interesse.
O vencedor da categoria foi Oppenheimer, que já vinha carimbando como vencedora em quase todas as premiações anteriores, SAG (sigla para Screen Actors Guild), BAFTA (British Academy Film Awards), Critics Choice e Globo de Ouro.
O ator Al Pacino chamou atenção nas redes sociais, pois enquanto apresentava os indicados da categoria de Melhor Filme, o ator foi direto ao ponto, dando a vitória para o longa de Nolan, sem firulas. A quebra da tradição deixou os espectadores surpresos.
Os concorrentes à estatueta de Melhor Ator eram: Bradley Cooper por ‘’Maestro’’, Colman Domingo por ‘’Rustin’’, Paul Giamatti por ‘’Os Rejeitados’’, Cillian Murphy por ‘’Oppenheimer’’ e Jeffrey Wright por ‘’Ficção Americana’’.
O vencedor foi Cillian Murphy, que interpretou Robert Oppenheimer, coroando mais uma vitória para o ator na temporada de premiações.
Em Melhor Atriz, as indicadas foram: Annette Bening por ‘’NYAD’’, Lily Gladstone por ‘’Assassinos da Lua das Flores’’, Sandra Hüller por ‘’Anatomia de Uma Queda’’, Carey Mulligan por ‘’Maestro’’ e Emma Stone por ‘’Pobres Criaturas’’.
A vencedora foi Emma Stone. A atriz recebeu o seu segundo Oscar pelo papel de ‘’Bella Baxter’’ em Pobres Criaturas.
Lily Gladstone era uma forte candidata à estatueta por ter levado previamente o SAG (Screen Actors Guild) e o Globo de Ouro por sua atuação como ‘’Mollie Burkhart’’.
Em entrevista para a revista The New Yorker, ela disse: "é circunstancial que eu seja a primeira, mas certamente não serei a última. Se eu ‘chutei a porta’, eu vou apenas tentar continuar aqui e deixá-la aberta para todos os outros".
Se por um lado a categoria de Melhor Ator Coadjuvante ficou com Robert Downey Jr, por sua atuação em Oppenheimer, contra os indicados Sterling K. Brown (Ficção Americana), Robert de Niro (Assassinos da Lua das Flores), Robert Downey Jr. (Oppenheimer), Ryan Gosling (Barbie) e Mark Ruffalo (Pobres Criaturas), por outro, a de Melhor Atriz Coadjuvante foi para Da'Vine Joy Randolph, por Os Rejeitados. A estatueta não fugiu muito do roteiro já previsto em premiações anteriores na temporada. Da’Vine concorreu contra Emily Blunt (Oppenheimer), Danielle Brooks (A Cor Púrpura), America Ferrera (Barbie), Jodie Foster (NYAD), Da'Vine Joy Randolph (Os Rejeitados).
Em Melhor Direção, a competição parecia já ter sido decidida em premiações anteriores: Christopher Nolan (Oppenheimer) foi o vencedor da noite nesta categoria, contra Justine Triet (Anatomia de Uma Queda), Martin Scorsese (Assassinos da Lua das Flores), Yorgos Lanthimos (Pobres Criaturas) e Jonathan Glazer (Zona de Interesse).
Apesar da filmografia do diretor não ser pequena, este é seu primeiro Oscar. Nolan conseguiu construir uma narrativa em Oppenheimer que crie pequenos momentos de tensão, fazendo com que o espectador tenha toda a atenção voltada para a linha do tempo, e não só mergulhe no enredo principal da criação da bomba atômica, mas também na trajetória política de Robert Oppenheimer.
Na categoria de Melhor Filme Internacional, tivemos os longas: Io Capitano (Itália), Dias Perfeitos (Japão), A Sociedade da Neve (Espanha), The Teacher’s Lounge (Alemanha) e Zona de Interesse (Reino Unido), sendo Zona de Interesse o vencedor.
Em seu discurso, o diretor, Jonathan Glazer, defendeu o povo palestino e pediu pelo cessar-fogo em Gaza.
Em Melhor Roteiro Original, o filme Anatomia de Uma Queda ganhou de Os Rejeitados, Maestro, Segredos de um Escândalo e Vidas Passadas. E em Melhor Roteiro Adaptado, foi a vez de Ficção Americana levar o prêmio para casa.
Para Melhor Fotografia, os votantes da Academia escolheram Oppenheimer, mais uma vez. Os outros filmes indicados eram: El Conde, Assassinos da Lua das Flores, Maestro e Pobres Criaturas.
Na categoria de Melhor Montagem, entre Anatomia de Uma Queda, Os Rejeitados, Assassinos da Lua das Flores, Oppenheimer e Pobres Criaturas, o vencedor foi Oppenheimer.
Zona de Interesse levou a estatueta de Melhor Som, após muitas críticas positivas. O que Jonathan Glazer fez com nossos ouvidos durante o longa-metragem foi impressionante, a qualidade do instrumental que escutamos o tempo todo era capaz de nos teletransportar para a atmosfera do horror da Segunda Guerra Mundial.
Os indicados eram: Resistência, Maestro, Missão Impossível - Acerto de Contas Parte 1 e Oppenheimer.
Em Melhores Efeitos Visuais, Resistência, Godzilla Minus One, Guardiões da Galáxia Vol.3, Missão Impossível - Acerto de Contas Parte 1 e Napoleão disputavam pelo prêmio, mas o Godzilla Minus One foi o ganhador, provando que é possível fazer um bom filme com apenas 15 milhões de dólares de orçamento, valor bem inferior se comparado à outras produções indicadas. Essa foi a primeira vez, em 70 anos de franquia, que o filme japonês foi premiado.
Na categoria de Melhor Design de Produção estavam: Barbie, Assassinos da Lua das Flores, Napoleão e Oppenheimer, mas quem subiu no palco foi Pobres Criaturas.
Pobres Criaturas também ganhou em Melhor Cabelo e Maquiagem. O ator Willem Dafoe comentou em entrevistas que o processo da maquiagem para entrar no personagem demorava cerca de seis horas. Emma, por sua vez, revelou que usava um mix de extensões no cabelo, e sua maquiagem ou era “nada” ou tinha cores arroxeadas (para simular hematomas), verdes (para as veias que saltavam, de forma sutil) e rosas (para uma cor de saúde na pele). Pobres Criaturas levou também Melhor Figurino.
A figurinista Holly Waddington se inspirou na era vitoriana para criar os visuais de Bella Baxter, mas deixou de lado os espartilhos. Segundo ela, “se a intenção era fazer um filme feminista, colocá-la vestindo a peça só reforçaria ainda mais o estereótipo que todos conhecem do corpo da mulher visto de um jeito totalmente idealizado”. Com silhuetas bem ajustadas, roupas disruptivas, coloridas e exageradas, Holly fez com que o prêmio não pudesse pertencer a mais ninguém, se não a Pobres Criaturas.
Nas categorias de Melhor Trilha Sonora Original, a música instrumental de Ludwig Göransson fez Oppenheimer ganhar de Ficção Americana, Indiana Jones e a Relíquia do Destino, Assassinos da Lua das Flores e Pobres Criaturas; e em Melhor Canção Original, foi a vez de ‘’What Was I Made For’’ de Billie Eilish (que se tornou a pessoa mais jovem a ter duas estatuetas) para Barbie, que disputava com ‘’I’m Just Ken’’ do mesmo filme, ‘’The Fire Inside’’ de Flamin’ Hot: O Sabor que Mudou a História, ‘’It Never Went Away’’ de American Symphony e ‘’Wahzhazhe’’ (A Song For My People) de Assassinos da Lua das Flores.
O Menino e a Garça, Elementos, Nimona, Meu Amigo Robô, Homem Aranha: Além do Aranhaverso, estavam em Melhor Animação em Longa-Metragem. O Menino e a Garça, de Hayao Miyasaki, foi o vencedor nesta categoria.
O último Oscar do diretor foi há 21 anos, com ‘’A Viagem de Chihiro’’ (2001). No ano de 2003, ele também se recusou a ir presencialmente receber o prêmio, pois no passado, chegou a ir na contramão com atitudes dos Estados Unidos relacionadas à invasão do país no território do Iraque.
E War Is Over! Inspired by the Music of John & Yoko ganhou em Melhor Animação em Curta-Metragem, em que concorria com: Letter to a Pig, Ninety-Five Senses, Our Uniform, Pachyderme.
Em Melhor Curta-Metragem em Live Action, A Incrível História de Henry Sugar levou a estatueta. Os outros indicados foram The After, Invincible, Knight of Fortune, Red, White and Blue.
Esse foi o primeiro Oscar do diretor Wes Anderson em sua carreira.
A categoria Documentário contemplava duas categorias:
- Longa-Metragem, com 20 Dias em Mariupol sendo o vencedor, contra Bobi Wine: The People's President, The Eternal Memory, Four Daughters, To Kill a Tiger.
- Curta-Metragem, com A Última Loja de Reparações recebendo o prêmio contra: O ABC da Proibição de Livros, The Barber of Little Rock, Island in Between,Ni Nai & Wài Pó (Grandma & Grandma).
Houveram performances de canções de filmes indicados, com a de Ryan Gosling em destaque. Ele cantou a música-tema de seu personagem, ‘’I’m Just Ken’’, com a participação de Slash na guitarra.
Messi, o cachorro ator de Anatomia de Uma Queda, também marcou presença na cerimônia, mesmo após boatos nas redes sociais de que não compareceria. Tudo começou depois que o portal The Hollywood Reporter relatou que alguns estúdios de filmes indicados alegavam que a presença de Messi poderia ter aberto algum tipo de vantagem sobre o longa, ofuscando os outros atores humanos, durante o almoço dos indicados. Porém sua participação foi permitida, além de ter “roubado a cena”, ao aparecer “aplaudindo” Robert Downey Jr., por meio de uma edição gravada antecipadamente.
Ryan Gosling and the cast of "Barbie" perform "I'm Just Ken" at the #Oscars. https://t.co/UNgGySGz3r pic.twitter.com/00hd0Jw8cy
— Variety (@Variety) March 11, 2024
CURIOSIDADE: eles gravaram as cenas do messi antes da premiação para nao estressar o dog 🥰 #Oscars pic.twitter.com/cfH1NWHbwq
— @babevivis) March 11, 2024
Oppenheimer e Pobres Criaturas foram os mais premiados da noite, com sete e três estatuetas, respectivamente
No dia 1° de março, Akira Toriyama morreu com 68 anos. A causa do óbito foi um coágulo sanguíneo no cérebro. A morte só foi anunciada no dia 8 de março, pelo estúdio Bird, onde o artista trabalhava. O criador é reconhecido internacionalmente por sua série de mangás (revistas em quadrinhos japonesas), Dragon Ball, lançada em 1984, além da série de jogos Dragon Quest e Chrono Trigger.
Entrou na empresa Shonen Jump graças a um concurso da Revista Infanto juvenil Weekly Shonen Jump, quando Toriyama foi premiado com uma vaga na empresa. Contratado em 1977, ele fez pequenos trabalhos pela revista, quando conheceu Kazuhiko Torishima, que futuramente iria se tornar seu editor em quase todos os seus trabalhos manuscritos.
Em 1980, Toriyama lançou junto com Torishima o mangá Dr Slump, uma série sobre Arle, uma androide, e suas confusões com o seu criador. A série foi um sucesso e vendeu um milhão de cópias durante a primeira semana. Apesar disso, o mangaká (artista que desenha mangás) queria fazer algo novo.
Toriyama e Torishima aceleraram sua produção para a próxima edição do mangá. Influenciados pelo conto chinês da jornada do leste, e depois de uma dica de sua esposa, Yoshimi Katō, Akira começou a desenhar visando principalmente os filmes de Jackie Chan. Depois de alguns meses, lançou a história de 13 páginas “Dragon Boy”.
Foi em 1985 que criou a história de Son Goku, um menino com cauda de macaco, que junto de seus amigos Kuririn, Piccolo e Bulma saem em busca das Esferas do Dragão, que na trama concedem um pedido ao usuário. Dragon Ball foi um sucesso. Os paineis animados e a mistura de humor, ação e história trouxeram uma rápida adaptação para a televisão. Até 2024, Dragon Ball já recebeu 24 filmes e pelo menos 800 episódios para a televisão, divididos entre: Dragon Ball, Dragon Ball Z, Dragon Ball GT, Dragon Ball Kai e Dragon Ball Super. A franquia também possui 53 jogos digitais.
No mundo dos jogos, Toriyama foi o designer e roteirista de Dragon Quest, lançado em 1986. Ele foi comissionado pelo amigo e colega, Yuji Horii, para criar uma série de fantasia medieval com o traço do mangaká. Toriyama foi o designer de todos os principais jogos da franquia. A série de RPG digital é considerada pela revista Gamespot a mais importante franquia dentro de seu gênero. Anos depois, em 1995, a mesma equipe escreveu e projetou Chrono Trigger, que foi best seller naquele ano. Para muitas revistas, como IGN, GameSpot, e Famitsu, o jogo está entre os dez melhores de todos os tempos.
No Brasil, o anime de Dragon Ball foi transmitido na televisão aberta em 1996, passando pelo SBT no programa Bom dia e CIA. Em 2001, a continuação, Dragon Ball Z, foi transmitida pela rede Globo na TV Globinho. Graças à facilidade de acesso, se tornou um dos desenhos mais populares no Brasil.
Toriyama deixou dois filhos, Sasuke Toriyama e uma filha da qual ele manteve a privacidade do nome. Além disso, o autor deixa inúmeros projetos inacabados, entre eles Dragon Ball Daima, Dragon Quest XII e alguns episódios de Dragon Ball Super.
A dubladora Masako Nozawa, que interpreta o personagem Son Goku, postou no X (antigo Twitter): "Não quero acreditar. Minha cabeça está vazia porque não quero pensar nisso”. Ela conta sobre um pedido pessoal do autor para o personagem: “Toriyama me disse: 'Você vai cuidar de Goku, não vai?’ Eu valorizo aquele momento, pois penso ‘Eu vou ficar junto do Goku até que minhas forças se esgotem"'.
Eiichiro Oda, criador de One Piece, lamentou a perda de Toriyama, comentando sobre sua admiração: “ até me lembro do dia em que você me chamou pelo nome pela primeira vez. Também me lembro da última conversa que tivemos”. O artista também falou sobre a influência de Toriyama no mundo dos quadrinhos: “Criou uma era onde adultos e crianças leem e gostam de mangá”.
Masashi Kishimoto, criador de Naruto escreveu: “Gostaria de expressar meus pensamentos e sentimentos sobre o Toriyama. Para mim, ele era o deus da salvação e o deus do mangá”O Mangaká por fim agradeceu ao criador de Dragon Ball por toda sua obra: “Obrigado, Akira Toriyama, por todos os trabalhos divertidos que você realizou nos últimos 45 anos”.
Após os fã clubes da cantora começarem a especular sobre sua vinda ao Brasil, o portal Madonna Online (que desde de novembro já vinha supondo a vinda da cantora), publicou no dia 5 de fevereiro mais detalhes sobre o suposto show. Segundo o portal, a diva do pop realizará um show gratuito no dia 4 de maio em Copacabana (Rio de Janeiro, RJ), convidada pelo Itaú Unibanco, em nome da campanha “Hoje, amanhã e pelos próximos 100 anos”, que celebra os 100 anos do banco.
A cantora, que recentemente estreou em uma campanha publicitária com a mesma empresa, deu esperança sobre a parceria que, ao que tudo indica, está por vir.
Ainda hoje (07/03), o jornalista Lauro Jardim, do O Globo, confirmou as especulações e afirmou que o show será o maior da carreira da cantora. Madonna está completando 40 anos de carreira e teria escolhido o Brasil para encerrar os shows da sua turnê The Celebration, que recorda os maiores sucessos de sua carreira.
Segundo informações do portal Madonna Online, o hotel Copacabana Palace estaria todo ocupado na semana da suposta preparação para o grande show, o que deixou os fãs ainda mais intrigados.
Quanto aos órgãos governamentais, nada de confirmação, mas as especulações por parte do prefeito Eduardo Paes também são altas. Recentemente, o então atual prefeito do Rio de Janeiro teria republicado no X (antigo twitter) uma postagem em que citava a vinda da diva pop para o Brasil. Em seu Instagram também brincou:
Mesmo sem a certeza de sua vinda, os fãs continuam esperançosos, e alguns já reservaram suas estadias para o final de semana do show. Os hotéis da região já estão praticamente com 100% de lotação para o dia, e os preços não param de subir. Cogita-se aproximadamente a presença de 1 milhão de pessoas para o megashow.
“Fui reservar um hotel em copacabana e já tá tudo esgotado” desabafa fã no X (antigo twitter):
fui reservar um hotel em copacabana e já tá tudo esgotado 🤡🤡
— Pedro (@mepedrohenrique) March 7, 2024
MADONNA, ME AJUDAAA
O Réveillon de 2023 em Copacabana teve mais de 3 milhões de pessoas nas areias, repetindo os sucessos de público das viradas com Jorge Ben Jor, em 1993, e Rod Stewart, em 1995. Se o show de fato acontecer, será o quarto da cantora no país e o maior público da carreira da americana.
É praticamente inexistente registros de performances gratuitas da Madonna, uma cantora que atingiu um status estratosférico e que arrasta multidões mundo afora. O suposto show na praia de Copacabana tem tudo para entrar na história do país e da artista.
Doze bandas de emocore, popular gênero de rock dos anos 2000, lotaram o Allianz Parque, em São Paulo, para a estreia do festival I Wanna Be Tour, neste sábado (2). Diante dos palcos chamados "It's not a phase" e "It's a life style" ("não é uma fase" e "é um estilo de vida", respectivamente), 42 mil pessoas se reuniram para criar uma máquina do tempo movida a música.
“Eu queria vir porque são bandas que fizeram parte da minha adolescência e quando eu era adolescente e não trabalhava, não tinha condição de assistir a esses shows”, conta Kaio Gomes, doutor em química orgânica, de 30 anos. A maioria dos grupos internacionais que se apresentaram no sábado (2) já tinham vindo ao Brasil em outras ocasiões. Já Fresno, Pitty e NX Zero representaram a cena nacional nos palcos. “Foi uma oportunidade do eu do presente agraciar meu eu do passado”, completa.
Apesar da euforia nostálgica do line-up, composto por Plain White T’s, Mayday Parade, Boys Like Girls, Asking Alexandria, The Used, All Time Low, The All-American Rejects, A Day To Remember e Simple Plan, além das bandas brasileiras, os pecados de organização do festival não conseguiram passar despercebidos. Kaio comenta que o horário de entrada no estádio foi seu primeiro desagrado: “é impossível para um evento que deu sold out [ingressos esgotados] no Allianz Parque abrir os portões uma hora antes do início do primeiro show. Era óbvio que todas as pessoas que quisessem assistir ao primeiro show não iam conseguir entrar”. Para ele, a quantidade de catracas e de seguranças para realizar a revista também foram insuficientes.
A falta de sinalização, de pontos de hidratação gratuita e de comida nas lanchonetes dentro do Allianz também entraram na lista de reclamações. A pontualidade dos shows e a ativação da marca de calçados Vans, entretanto, balancearam a conta.
Com tênis destinados especialmente a skatistas, esporte que também compõe a cultura emo, a Vans aproveitou o evento para relançar um modelo dos anos 1990, se valendo do saudosismo do público com cabine para fotos instantâneas, adesivos com arte em grafite e um tênis gigante em branco onde as pessoas poderiam escrever com canetas coloridas – como os jovens do começo do milênio costumavam fazer na escola.
Durando por volta de 40 minutos, todas as apresentações cativaram o público, ainda que as bandas tivessem estilos diferenciados. Plain White T’s, Boys Like Girls, All Time Low e The All-American Rejects com batidas mais pop e letras sobre romances bem-sucedidos e frustrados; Mayday Parade, The Used e Asking Alexandria dentro do chamado hardcore, estilo mais próximo do punk e que beira o metal rock, com vocais guturais – técnica utilizada pelos cantores para gritar –, guitarras mais graves e ritmo mais acelerado.
Mesmo com o apelo da presença de bandas internacionais - muitas não vinham ao país há mais de dez anos -, Fresno, Pitty e NX Zero não apenas entregaram apresentações de calibre tão alto quanto de seus colegas estrangeiros, como relembraram a todos da força e da qualidade do pop rock nacional.
Gabriella de Carvalho, gestora ambiental de 29 anos, coloca o show da Fresno na sua prateleira de favoritos do dia: “é uma das minhas bandas preferidas e também uma das maiores representantes do emo nacional”. Esse título é verificável não apenas pelo sucesso da turnê solo do grupo, a “Vou Ter Que Me Virar”, em promoção do álbum homônimo e mais recente, mas também pelas complicações que o público teve para passar pelos portões com pressa, já que a Fresno era a primeira a se apresentar, às 11h. “Infelizmente eu não consegui assistir o show inteiro por conta dos atrasos na entrada, mas com certeza esse tem um espaço especial no meu coração”, lamenta a fã.
Com o show da turnê de celebração dos vinte anos de “Admirável Chip Novo”, seu álbum de estreia, a baiana Pitty exibiu toda sua versatilidade entoando músicas que adolescentes e seus pais gostavam e comandando um bate-cabeça tradicional. “Foi o melhor de todos”, comenta Kaio. “Ela toca na questão da nostalgia. Meu eu de 13, 14 anos gostava demais de Pitty e foi a minha trilha sonora de vários momentos de descoberta”, continua.
A Day To Remember, uma das atrações principais, é um dos grandes nomes do hardcore. Composta por Jeremy McKinnon (vocalista), Neil Westfall, Kevin Skaff (guitarristas) e Alex Shelnutt (baterista), a banda contou com a voz do público no palco “It’s a lifestyle” durante todo o show, mas também investiram em artifícios técnicos como chuva de fitilhos na abertura, com sua música mais ouvida nas plataformas digitais “The Downfall Of Us All”, e bolas gigantes lançadas à plateia durante “Rescue Me”.
O dia se encerrou com Simple Plan, banda canadense com público cativo no Brasil. Esta é a nona passagem do grupo pelo país, que inclusive se apresentou no programa Big Brother Brasil em 2007.
Além dos clássicos que foram trilha sonora das revoltas hormonais da adolescência dos (agora) adultos de 30 e 40 anos que os assistiram, como “Welcome To My Life”, “Perfect World”, “Jump”, “I’d Do Anything” e “Perfect”, o Simple Plan fez questão de homenagear outros nomes do pop punk com um pot-pourri de “All Star” (Smash Mouth), “Sk8r Boy” (Avril Lavigne) e “Mr. Brightside” (The Killers).
Gabriella conta que foi uma surpresa para todos quando o guitarrista Jeff Stinco tocou os primeiros acordes de “Vira-Vira”, música do Mamonas Assassinas, e Pierre Bouvier, o vocalista, pediu que a plateia o ajudasse a cantar. “Mostrou o tamanho do carinho que eles têm pelos fãs e também os fãs por eles”, ela completa.
A banda deu espaço para “What’s New Scooby-Doo?”, tema do desenho de mesmo nome, da Warner Bros., dividindo palco com fãs vestidos como o cachorro protagonista. E quem achou que essa seria a parte mais inusitada da apresentação, certamente demorou para acreditar quando o baterista Chuck Comeau, vestindo uma camisa da seleção brasileira, literalmente se jogou ao público.
“Foi um show impecável para fechar esse dia que com certeza vai ficar na memória. Absolutamente tudo foi pensado para entregar uma energia incrível, né?”, Gabriella se empolga no relato. “O festival para mim foi incrível, foi nostalgia pura do início ao fim. Todos os shows pensados justamente em trazer para o público a mesma emoção que era sentida lá atrás na nossa adolescência”.
“Você era uma daquelas crianças que escutavam a mesma música sem parar no seu quarto na casa dos pais? E eles diziam ‘pelo amor de Deus, desliga essa droga?’”, disse Pierre de cima do palco “It’s not a phase”, vestindo uma camiseta que adaptava o nome da música “I’m Just A Kid” para a realidade dele e do público: “I’m just an adult” (sou apenas um adulto). “Você então respondia algo como ‘vocês não entendem, eu amo essa música, essa banda’. E aí eles falavam ‘não se preocupe, é só uma fase’. Nunca foi uma fase!”
A I Wanna Be Tour esteve em Curitiba no domingo (3) e ainda passará por Recife na quarta-feira (6), Rio de Janeiro no sábado (9) e Belo Horizonte no domingo (10). Tanto Kaio quanto Gabriella (e os outros milhares de emos no Allianz Parque) aguardam ansiosos pelas próximas edições.