O jeans continua entre as peças mais consumidas no Brasil e mantém relevância estratégica para a indústria têxtil e para o varejo de moda. Mesmo após mudanças no comportamento do consumidor nos últimos anos, o denim permanece como um dos principais motores de vendas do setor.
Segundo levantamento do IEMI – Inteligência de Mercado, o Brasil produziu cerca de 280 milhões de peças de jeans em 2023. O faturamento do segmento chegou a aproximadamente R$14,7 bilhões no mesmo período. O estudo “Comportamento do Consumidor de Jeanswear no Brasil”, desenvolvido pelo IEMI em parceria com a Vicunha Têxtil, aponta que o jeans responde por cerca de 10% de todo o volume comercializado no mercado de vestuário nacional.
Uma pesquisa divulgada pela Vicunha Têxtil mostra que 80% dos brasileiros consideram o jeans uma peça obrigatória no guarda-roupa. O dado ajuda a explicar a presença constante do produto nas vitrines, campanhas promocionais e estratégias comerciais das grandes redes.
Para Diego Amaral, gerente comercial de uma grande varejista nacional, o desempenho do jeans segue consistente. “O jeans é um dos pilares do faturamento. Ele traz fluxo de clientes para a loja e influencia o desempenho de outras categorias. Quando o jeans performa bem, o restante da coleção tende a acompanhar”, afirma.
Ele explica que o consumo segue forte porque o produto atende diferentes perfis de consumidores. “Vendemos desde modelos clássicos até modelagens mais amplas, como wide leg e cargo. O jovem busca tendência, enquanto o cliente mais velho procura modelos tradicionais. O jeans atravessa gerações”, diz.
De acordo com o IEMI, o comércio eletrônico já representa mais de 5% das vendas de jeans no Brasil, com crescimento contínuo desde 2020. Apesar desse avanço, a loja física segue decisiva na jornada de compra. “O cliente pesquisa online, compara preço, avalia fotos e comentários. Mas o provador ainda define a compra de jeans”, afirma Amaral.
Outro estudo do IEMI, em parceria com o Guia Jeanswear, mostra que preço, caimento e exposição na vitrine são os principais fatores de decisão de compra. A mesma pesquisa aponta que 43% dos consumidores não se lembram da marca do jeans adquirido, o que reforça o peso da experiência no ponto de venda.
“O cliente entra pela promoção, olha a vitrine e decide pelo conforto. Se a peça veste bem, a marca passa a ser secundária”, explica o gerente comercial. Ele afirma que, embora o tíquete médio do jeans seja maior do que o de outras categorias, o consumidor aceita pagar mais quando percebe a durabilidade da peça. “O cliente pensa no custo por uso. Uma calça que dura mais tempo é vista como investimento”, diz.
O consumo de jeans enfrenta pressão ambiental crescente. Estudos da Water Footprint Network indicam que a produção de uma calça jeans pode consumir milhares de litros de água ao longo de toda a cadeia produtiva. Parte desse impacto está concentrada nos processos de lavanderia industrial e acabamento do tecido.
Esse relatório sobre polos de produção de jeans no Brasil aponta desafios no descarte de resíduos têxteis e no uso de produtos químicos, especialmente em regiões com forte concentração de lavanderias industriais, como o agreste pernambucano. O tema passou a ganhar espaço em debates setoriais e em políticas de sustentabilidade nos últimos anos.
Segundo Amaral, essa pauta já chegou ao consumidor final. “O cliente pergunta de onde vem o algodão e se a loja trabalha com práticas sustentáveis. Ainda não é a maioria, mas cresce todo ano”, afirma. Ele diz que a varejista passou a priorizar fornecedores com tecnologias de redução do consumo hídrico e processos menos agressivos ao meio ambiente.
A cadeia têxtil brasileira movimenta cerca de R$ 190 bilhões por ano, segundo dados da Associação Brasileira da Indústria Têxtil e de Confecção (Abit). Dentro desse cenário, o jeanswear segue como um dos segmentos mais sólidos do setor, com demanda contínua e forte presença no cotidiano do consumidor brasileiro.
Para o gerente comercial, o principal desafio agora é equilibrar preço, velocidade e responsabilidade. “O consumidor quer novidades, quer preço acessível e quer entender o impacto do produto. O jeans continua forte, mas o jeito de vender mudou”, conclui.
A moda sustentável deixou de ser nicho e passou a ocupar espaço central nas escolhas de consumo. A pesquisa de 2023 do Instituto Akatu em parceria com a consultoria GlobeScan mostrou que 87,5% dos brasileiros preferem comprar roupas de marcas que adotam práticas sustentáveis. A tendência se confirma em levantamento da Confederação Nacional da Indústria (CNI), que apontou que nove em cada dez consumidores se sentem desconfortáveis ao adquirir produtos que prejudicam o meio ambiente.
Esse movimento já se reflete no mercado. Segundo a consultoria Research and Markets, o setor de moda sustentável no Brasil foi avaliado em 200,7 milhões de dólares em 2022, com crescimento médio de 3,7% ao ano desde 2017. Projeções indicam que a moda circular, baseada em brechós, aluguel de roupas e reaproveitamento de tecidos, deve crescer entre 15% e 20% ao ano até 2030.
O impacto ambiental da moda, no entanto, continua elevado. Dados da Associação Brasileira de Empresas de Limpeza Pública e Resíduos Especiais (Abrelpe) revelam que o país gera cerca de 4 milhões de toneladas de resíduos têxteis por ano, sendo que 85% desse volume acaba em aterros. Em escala global, a ONU Meio Ambiente estima que a moda é responsável por 10% das emissões de carbono e ocupa a posição de segundo maior poluidor de água doce. A produção anual chega a 80 bilhões de peças, mas menos de 1% desse total é reciclado.
Diversos projetos mostram caminhos de transformação. A rede Justa Trama reúne agricultores, fiadoras, tecelãs e costureiras em cinco estados na produção de algodão agroecológico cooperado, com renda distribuída de forma justa. Na Amazônia, iniciativas como Selvática, que reaproveita retalhos de estofados, e Yara Couro, que cria materiais a partir de pigmentos vegetais, demonstram o potencial da economia criativa aliada à preservação ambiental.
Entre as grandes redes do varejo brasileiro, C&A, Renner e Riachuelo começaram a adotar iniciativas relacionadas ao uso de algodão sustentável, coleções com fibras recicladas e programas de logística reversa. Essas medidas ainda representam uma fração pequena da produção total, mas indicam que a pressão dos consumidores começa a influenciar também o fast fashion.
Apesar dos avanços, trazer produtos sustentáveis para as lojas de departamento não é tarefa simples. Em entrevista exclusiva para a AGEMT, Luiz Gustavo Freitas da Rosa, dono e criador da marca sustentável Tairú, conta que a iniciativa nasceu em 2023 a partir do contato com um projeto experimental de calçados em Tyvek e de uma pesquisa sobre cânhamo, fibra natural com propriedades ambientais superiores ao algodão. “Desenvolvi protótipos, apresentei amostras na Europa e, ao retornar ao Brasil, lançamos uma primeira coleção com seis modelos de tênis e mais de 40 variações, além de camisetas em algodão orgânico e tingimento natural”, relata.
Luiz Gustavo aponta barreiras importantes: o cânhamo não pode ser cultivado legalmente no Brasil para uso têxtil, o que obriga a importação; fábricas nacionais nem sempre estão preparadas para materiais alternativos como couro vegetal à base de milho; e o algodão orgânico tem custo superior ao convencional, encurtando margens e alongando a cadeia produtiva. “Produzir de forma sustentável ainda é mais caro. Trabalhamos com pequenas tiragens, fornecedores especializados e processos que incluem inclusão social, o que eleva o preço final”, explica.
Sobre a competição com as grandes magazines, ele afirma que a estratégia da Tairú não é disputar preço, mas oferecer uma alternativa de valor: “O consumidor da nossa marca compra conforto, design e propósito; não apenas um produto barato.” Para furar a bolha dos consumidores já engajados, a Tairú se posiciona como marca de lifestyle urbano e investe em ativações culturais, collabs e na Casa Tairú, espaços que atraem público pela música e pela cultura e só depois revelam os atributos sustentáveis dos produtos.
Na comunicação, Luiz Gustavo destaca a transparência como prática contra o greenwashing: a marca revela a origem dos materiais, mostra quem produz as peças e admite limitações. Ele cita exemplos concretos, como fábricas compostas por mulheres, ecobags produzidas por ex-detentos e etiquetas fornecidas por cooperativas que empregam pessoas com deficiência. “Não romantizamos nem prometemos perfeição; mostramos passos concretos e os desafios que ainda temos”, afirma.
Segundo ele, o maior obstáculo é transformar a consciência em hábito de compra. Para que a sustentabilidade deixe de ser exceção e se torne regra, Luiz Gustavo defende investimento em comunicação clara e aumento da escala produtiva para reduzir preços, além de mudanças estruturais na cadeia têxtil.
O debate avança em escala internacional. O relatório Fashion Transparency Index 2024, da Fashion Revolution, mostrou que a maior parte das grandes marcas ainda não divulga informações completas sobre suas cadeias de fornecimento. Já o State of Fashion 2024, da McKinsey em parceria com o Business of Fashion, destaca que a pressão regulatória tende a tornar mais rígidos os critérios de produção e comercialização, principalmente na Europa e nos Estados Unidos.
A combinação de dados, iniciativas e mudanças de comportamento mostra que a moda sustentável não é apenas uma promessa. Ela se consolida como exigência de mercado e como caminho inevitável para reduzir o impacto de uma das indústrias mais poluentes do mundo.
A moda, frequentemente apontada como um espelho dos tempos, volta seus olhos para tempos de escassez. Em meio à instabilidade econômica global, marcada por inflação persistente e crises políticas ao redor do mundo, ganha força o chamado “Recessioncore” (estética da recessão), que traduz, de forma visual, a precariedade e o desânimo de uma geração.
“Quando falamos de recessões, de crises econômicas, dá para ver esse reflexo diretamente na moda. Hoje, vivemos uma grande incerteza econômica, e muitas marcas de luxo começaram a lançar campanhas desperdiçando comida, baguetes sendo amassadas, frutas jogadas no chão da feira, alimentos destruídos”, afirma Audry Mary, especialista em marketing de moda e influenciadora digital. “É uma forma de comunicação: enquanto a base está sofrendo com a falta, quem consome a marca pode esbanjar. E isso é extremamente político”, acrescenta Audry.
Se nos anos de crescimento econômico os desfiles explodem em cores vibrantes, brilhos e ostentação, em momentos de incerteza o figurino muda: tons neutros, silhuetas sóbrias e peças utilitárias assumem o protagonismo. É o que se vê agora com a ascensão da estética “clean girl”, termo popularizado no TikTok e em outras redes sociais que descreve um estilo minimalista, com peças básicas, cores neutras e cortes discretos
"Elas são mais acessíveis, carregam pouca informação de moda e seguem um estilo mais recatado, mais doméstico”, diz Audry sobre as roupas identificadas com o estilo. “É conservador, e as marcas estão apostando muito nisso”, explica.
Segundo a especialista, a estética “clean girl” não surge isoladamente: é resultado direto de um contexto econômico instável, no qual o crescimento do "quiet luxury" (luxo silencioso) e de coleções minimalistas indica que as marcas buscam transmitir segurança e sobriedade. Historicamente, períodos de recessão geraram mudanças semelhantes. Durante a Grande Depressão, cortes retos e tecidos duráveis se tornaram padrão, enquanto a crise de 2008 reforçou o consumo de fast fashion e peças de baixo custo, ainda que de qualidade inferior.
O impacto econômico também se reflete no crescimento do mercado de roupas de segunda mão, que se tornou um indicativo claro das mudanças no comportamento de consumo. Nos Estados Unidos, o mercado de moda de segunda mão alcançou US$ 50 bilhões em 2024, com projeção de crescimento para US$ 73 bilhões até 2028, impulsionado principalmente por millennials e pela geração Z, nascidos entre 1981 e 2010, que buscam alternativas mais acessíveis e responsáveis. Esse movimento transforma o mercado de segunda mão em uma tendência não apenas econômica, mas também cultural, refletindo valores de sustentabilidade e consumo consciente.
No Brasil, a ascensão dos brechós segue a mesma lógica: adaptação à crise econômica, respeito às prioridades financeiras e resposta às incertezas sociais. Segundo dados do Sebrae, o país contava com mais de 118 mil brechós ativos em 2023, representando um aumento de 30,97% em relação aos cinco anos anteriores. Além disso, o mercado de brechós no Brasil deve movimentar cerca de R$ 24 bilhões até 2025, superando o mercado de “fast fashion” até 2030, conforme projeções da Folha de São Paulo.
O crescimento do mercado de brechós também é impulsionado por plataformas digitais. O Enjoei, com mais de 1 milhão de compradores e 2 milhões de vendedores ativos, abriu recentemente sua primeira loja física no Rio de Janeiro e adquiriu a Gringa, plataforma de revenda de artigos de luxo de segunda mão, por R$ 14 milhões, evidenciando a demanda crescente por itens de alto valor.
Esse movimento também pressiona a indústria tradicional, que já responde com novas estratégias. O aumento dos custos de produção deve acelerar o uso de matérias-primas alternativas, como tecidos reciclados e fibras de origem vegetal, além de experimentos com couro vegetal e biotêxteis. Ao mesmo tempo, cresce a exigência por transparência nas cadeias de produção: passaportes digitais de produtos, rastreabilidade de origem e relatórios de impacto ambiental podem deixar de ser tendência para se tornar padrão da indústria.
Olhando para o futuro, a moda deve consolidar caminhos cada vez mais funcionais, atendendo à demanda de consumidores impactados pela instabilidade econômica, que priorizam praticidade e durabilidade. Segundo Audry, essa tendência deve se intensificar. “Acredito que vamos ver cada vez mais peças utilitárias, roupas multiuso e tecidos resistentes ganhando protagonismo, porque o consumidor está buscando longevidade e funcionalidade em tudo o que veste”, afirma.
O minimalismo, já consolidado, deve permanecer central, mas com variações sutis. “Minha aposta é que tons terrosos, cortes amplos e peças que permitam personalização vão se tornar ainda mais comuns, enquanto pequenos revivals dos anos 2000 e 2010 reinterpretam itens básicos para novas gerações”, diz a influenciadora, que também projeta expansão de modelos híbridos, que combinam venda de peças novas, revenda, aluguel e customização, fortalecendo a economia circular como resposta prática às restrições financeiras.
A tecnologia surge ainda como aliada estratégica, com inteligência artificial e provadores digitais ajudando marcas a reduzir desperdícios e aproximar consumidor e produto. “A inovação permite que a indústria transforme limitações econômicas em oportunidades criativas”, conclui Audry, reforçando que, para o futuro, a moda funcionará como um laboratório de soluções, mais do que apenas reflexo de crise.
De 11 a 16 de setembro, a cidade de Nova Iorque abre espaço em sua frenética rotina para as passarelas apresentarem as novidade da Primavera/Verão 2026 e abrilhantar os olhos dos fãs de moda.
No dia de ontem, 14, Manhattan foi banhada por looks com mistura de texturas entre tecidos fluidos, bordados, transparências. Além de um protagonismo para uma alfaiataria reformulada, com cortes ousados e proporções exageradas.
Cores neutras mescladas com pontos de cores vibrantes de (vermelho, laranja e estampas arriscadas), marcaram o quarto dia de evento, que integra o calendário das chamadas "Big Four" ao lado de Paris, Milão e Londres.
O street style acompanhou essa atmosfera de contrastes: looks mais sóbrios recebendo toques fortes com a adesão de acessórios chamativos, sobreposições e cortes assimétricos.
A beleza esteve com foco em peles naturais, "menos pesado”, valorizando textura natural da pele, evidenciando seu brilho sutil.
Alguns desfiles se ressaltaram na mídia pela forte identidade visual, seja pelas temáticas ou pela presença de celebridades, como Oprah Winfrey, Lizzo, Natasha Lyonne e outros.
Kai Schreiber, filha trans de Naomi Watts e Liev Schreiber, abriu o desfile de Jason Wu. O show homenageou o artista Robert Rauschenberg, mesclando arte e moda fortemente influenciadas pelo seu legado.
O designer Christian Siriano apresentou uma coleção primavera/verão 2026 com inspiração no velho glamour de Hollywood; houve vestidos longos, looks dramáticos, mistura de masculinidade e feminilidade com peças ousadas, além de chapéus impactantes.
Sergio Hudson mostrou uma coleção vibrante, com ternos trabalhados, uso de estampas e bordados com inspiração africana, foco em alfaiataria refinada.
Momentos de street style e aparições de celebridades: muita gente do mundo artístico presente nos desfiles e eventos de moda, com looks chamativos, acessórios fortes, e aquele mix de elegância + ousadia.
Vivian Wilson (filha de Elon Musk) fez sua estreia em passarela, desfilando para Alexis Bittar. O desfile abordou uma temática social/política, misturando teatralidade e crítica em sua estética.
Gradualmente, a busca pelo bem-estar deixou de ser apenas mais uma tendência momentânea e se consolidou como um dos principais motores da moda. No Brasil, de acordo com o Sebrae Paraná, o setor fitness movimenta cerca de R$ 8 bilhões por ano e cresce em média 8,2% ao ano, segundo o Instituto Brasileiro de Geografia e Estatística (IBGE). O país ocupa a segunda posição no ranking mundial, atrás apenas dos Estados Unidos, e atrai investimentos que unem estilo, performance e consciência ambiental.
O fenômeno é reforçado pelo enclothed cognition, conceito que descreve como as roupas influenciam o comportamento. Vestir roupas esportivas aumenta a disposição para a prática de exercícios, unindo moda e psicologia. No Brasil, casos de sucesso confirmam o potencial. A marca catarinense Live! cresce cerca de 45% ao ano e já exporta para Ásia e Oriente Médio, consolidando a vocação nacional para o segmento.
Em entrevista exclusiva para a AGEMT, a estilista Dafne Setton, especialista em moda fitness, defende que esse cenário reflete uma transformação no comportamento do consumidor. “Hoje as pessoas querem se sentir bem durante todo o dia. A roupa precisa ter conforto, permitir mobilidade e, ao mesmo tempo, transmitir estilo. É por isso que o athleisure se tornou um símbolo de estilo de vida. Ele expressa disciplina e descontração”, afirma.
As novas preferências apontam para silhuetas mais amplas, como calças cargo e trackpants oversized, em substituição às leggings ajustadas ao corpo. Ao mesmo tempo, cresce a exigência por sustentabilidade, reforçando o protagonismo de tecidos tecnológicos que unem compressão, respirabilidade e fibras recicladas. “Tecido ecológico não é mais um diferencial e sim um requisito. O consumidor jovem exige isso”, explica Dafne. O mercado de luxo também se aproxima desse movimento, criando um fenômeno conhecido como cardio couture — tradução livre “alta costura do cardio”, expressão usada para definir treinos ou práticas esportivas que incorporam estética e sofisticação típicas da moda de luxo, transformando o exercício físico em experiência de estilo. Grifes como Louis Vuitton e Prada lançaram acessórios esportivos sofisticados, transformando o athleisure em um item de estilo de vida.
O clima tropical brasileiro também favorece o uso cotidiano de roupas leves, que transitam facilmente entre o ambiente de treino e o lazer. Além disso, a forte cultura de praia e a valorização da estética corporal ajudam a consolidar um estilo de vida em que o bem-estar é parte do cotidiano. Esse contexto cria um mercado interno robusto e uma vitrine atraente para a exportação de marcas nacionais.
Outro ponto de destaque é a crescente adesão das academias e estúdios de bem-estar a estratégias de branding ligadas à moda. Muitas oferecem coleções próprias de roupas e acessórios, transformando a experiência do aluno em um pacote completo, que vai do exercício ao consumo de estilo. Essa convergência entre saúde, moda e consumo reforça o wellness como um setor multifacetado, em constante expansão e com impacto cultural direto no modo de vestir dos brasileiros.
As redes sociais também impulsionam o processo. Plataformas como TikTok e Instagram transformaram a estética wellness em repertório visual que mistura treino, alimentação saudável e moda esportiva. “As pessoas não compram só a roupa, compram a ideia de vida equilibrada — e isso é altamente compartilhado online”, observa a estilista. Para ela, o futuro da moda fitness estará ligado à tecnologia, personalização e monitoramento em tempo real. Tecidos inteligentes capazes de acompanhar sinais vitais já estão em desenvolvimento e devem ganhar espaço. “Wellness é uma nova forma de viver. Quem entender isso estará à frente do mercado”, conclui.
Em uma ode à tradição ousada da família Versace, a mais nova coleção de Inverno 2025 da casa adentra a semana de moda italiana de forma teatral: a passarela é estrelada por peças acolchoadas e detalhes agressivamente “punks". Acessórios pesados e saltos de spikes chamam a atenção, ao mesmo tempo em que contrastam com indumentárias mais coladas ao corpo e estampadas.
Partindo da clássica alfaiataria sexy e elegante, a diretora criativa Donatella Versace, brinca com cores fortes, geometria ousadas e estampas divertidas, trazendo o animal print em peças e acessórios. Fica evidente, em sincronia com a marcha sensual na passarela - característica das modelos escolhidas pessoalmente pela herdeira do império italiano - que a diversão e provocação andam lado a lado no universo da moda, e estão cada vez mais perto de seu aguardado comeback.
Mais uma vez, o uso de dourado e azul nas roupas relembra os anos 2010. Peças estilo bandage e vestidos curtos também aparecem no desfile, seguindo o conceito balada.
O ponto alto da noite foi o metalizado, aparecendo em corsets, saias e vestidos.
Donatella novamente faz referência ao arquivo da marca e homenageia os anos 90 e a era de consagração como estilista de seu irmão, Gianni Versace. Vestidos longos de metais dourados e pratas, dignos de tapete vermelho, foram os mais comentados pelo público.
Finalizando a apresentação ao som do mais novo hit de Lady Gaga “Abracadabra”, incríveis vestidos minis de formatos orgânicos completaram o formato, quase caricato, de nostalgia da década passada. Em verdadeira homenagem ao lifestyle de noites a fio em festas, as modelos aparecem com uma beleza carregada: maquiagem escura nos olhos e cabelos propositalmente despenteados. Apesar da estética trash, looks de veludo preto, de caráter historicamente elegante , também fizeram parte da coleção.
Donatella, como de costume , honrou seu nome - e a história que ele carrega - e entregou ao seu público muito glamour, poder e sensualidade. Seria essa coleção, super nostálgica, um possível adeus da direção criativa? O questionamento surge após boatos percorrerem a indústria de uma possível venda dos negócios para o grupo Prada, outro magnata no ramo italiano Marcando um ponto final na direção de Donatella, e da família Versace. O que fica de concreto do espetáculo em Milão é a clara força que o DNA estético proposto por Gianni ainda exerce no contexto atual, o que deixará, em uma possível compra, sapatos muitos difíceis de serem calçados por qualquer forasteiro que se aventurar.
A Prada apresentou sua nova coleção de outono-inverno na Semana de Moda de Milão nesta quinta-feira (27/02). O conceito do desfile “Raw Glamour”, vem para provocar uma discussão acerca do que é o ideal feminino e, mais do que isso, afrontar uma versão de feminilidade já considerada antiquada.
Miuccia Prada, diretora criativa da casa, entende que a moda deve acompanhar a vivência da mulher contemporânea e o desfile incorporou esse conceito. A coleção reflete a mulher moderna trazendo um estilo mais sóbrio e corporativo, que prioriza o conforto e a funcionalidade acima da estética.
As peças apresentam uma paleta de cores mais neutra, com destaque para tons terrosos que remetem à cor oficial do ano segundo a Pantone: a Mocha Mousse, um marrom quente que lembra o chocolate.
A atmosfera do desfile é definida por contradição de conceitos. A estrutura com andaimes de metal apresenta uma ambientação quase industrial, de maneira a ser contraposta com a sofisticação do carpete floral no estilo Art Noveau, feito pela designer Catherin Martin.
Esse visual dicotômico traça um paralelo com as peças e evidencia como a feminilidade é uma percepção complexa e plural.
O desfile traz de volta os “statement necklaces”- colares maximalistas que viraram tendência em 2015. Além disso, os óculos de “bibliotecária" também marcam presença, garantindo a continuação da febre que ressurgiu com a popularização de uma armação redonda, da também italiana Miu Miu, registrando em fontes garrafais o retorno do acessório clássico dos anos 90 e 2000.
A modelagem das peças brinca com diferentes tamanhos, proporções, cortes e materiais, com o intuito de trazer um sentimento de estranhamento e redefinir a funcionalidade da própria roupa. Vestidos, planejados com a essência da feminilidade desde sua criação, apresentam silhuetas diversas, costuras à mostra, não acentuam as curvas e são usados de formas diferentes do que se é esperado.
A caracterização das modelos com cabelos despenteados e por dentro dos colares, de uma maneira que teatralmente transmitia pressa, desafiam as normas e trazem o ar mais autêntico de uma mulher que saiu de casa atrasada para o trabalho.
Nota-se que a Prada, assim como todas as mulheres, está em constante evolução - e não há limites para o que ela pode fazer.
“Fugitivos do Final de Semana” é uma expressão que se refere a um grupo de pessoas da alta sociedade de Londres que, tradicionalmente, deixa a cidade nos finais de semana para buscar refúgio no campo e tentar de alguma forma se “reconectar” com a natureza. Foi baseado nessa utopia que Daniel Lee, diretor criativo da Burberry, criou a última coleção Inverno 2025 apresentada nesta edição da Semana de Moda de Londres.
E para complementar a estética da alta sociedade londrina, o casting do desfile contou com uma lista de personalidades britânicas, como o ator Richard E. Grant, as modelos Naomi Campbell e Karen Elson, entre outras.
Lee criou uma conexão entre o estilo clássico, sem deixar de lado aspectos modernos e, de certa forma, extravagantes.
A moda surpreendeu ao transformar os desenhos clássicos de papéis de parede de mansões antigas em estampas para peças de alfaiataria, traduzidos em veludo brocado. Os famosos casacos da marca, agora em couro, foram combinados com pijamas de seda, criando um visual moderno e confortável. O desfile atraiu muitos famosos para a primeira fila da plateia, como Geri Halliwell e Kim Cattral, mas a verdadeira estrela da noite foi o inusitado cavaleiro com armadura, que se tornou a sensação do evento.
Daniel Lee usou cores terrosas, como marrons, laranjas e tons de bege, para remeter à natureza e ao campo, ao mesmo tempo que manteve a presença do azul elétrico, destaque da marca. Além do veludo brocado, a coleção também contou com outros tecidos luxuosos, como a seda, o couro e a lã, que evidenciam a qualidade e o requinte das peças.
As capas usadas como acessórios, agora, ganharam a textura do tricô em casamento espontâneo com estrutura do trench coat, resultando em peças que evocam tanto o conforto do lar quanto a elegância urbana. A proposta estética reside na fusão de referências tradicionais e familiares com elementos de funcionalidade e inovação. Os acessórios, em particular o calçado, destacam-se como síntese dessa narrativa, onde a herança cultural se encontra com a contemporaneidade.
Dos dias 20 a 24 de fevereiro aconteceu a tradicional Semana de Moda de Londres, que apresentou as coleções outono/inverno para 2025. O evento se destacou por uma fusão de inovação e criatividade, abordando desde temas tradicionais britânicos até críticas sociais contemporâneas.
Nas passarelas, essa mistura de contrapontos foi traduzida para tendências marcantes, com designers apostando em silhuetas estruturadas, texturas inesperadas e uma paleta de cores que variou entre tons sóbrios e vibrantes. Além disso, rendas românticas, luvas e recortes estratégicos apareceram em diversas coleções, mostrando diversas facetas que iam desde o delicado até algo mais moderno e sensual.
Os principais destaques foram:
Burberry
Sob a direção criativa de Daniel Lee, a marca apresentou uma coleção inspirada em elementos ingleses clássicos, como tapeçarias e outerwear em tons ricos (peças de vestuário externas). Para reforçar ainda mais a conexão com a cultura britânica, o desfile foi realizado no Tate Britain.
Homenagem as ruas londrinas Foto: Burberry
A coleção de Daniel Lee para a Burberry conseguiu equilibrar com maestria o urbano e o campestre, refletindo a alma da marca e sua forte herança britânica. Ao misturar referências tradicionais com um olhar moderno, Lee criou peças que exaltam a dualidade entre o clássico e o contemporâneo, reafirmando o lugar único da Burberry no panorama da moda global.
O xadrez ficou em evidência, sendo amplamente explorado através de peças que combinavam elementos tradicionais britânicos com toques contemporâneos.
Simone Rocha
Conhecida por sua estética que mescla a beleza romântica e o enfastiado sentimento punk, a grife apresentou peças que exploravam a dualidade entre graciosidade e rebeldia, com looks que combinavam rendas e silhuetas estruturadas.
Inspirada na fábula A Tartaruga e a Lebre, Simone Rocha resgatou memórias da infância e as traduziu em peças lúdicas e sofisticadas, apresentando bolsas em formato de coelho e cintos adornados com cadeados de bicicleta, detalhes que reforçaram a fusão entre nostalgia e rebeldia em sua coleção.
Resgatando elementos de suas coleções anteriores, Simone Rocha os reinterpretou sob uma nova ótica, criando um diálogo entre passado e presente. A dualidade, característica marcante de sua estética, ganhou forma na justaposição de materiais contrastantes, como o tule etéreo e o couro estruturado, resultando em uma harmonia entre delicadeza e força.
Mistura entre romantismo e punk Foto: Kat Granger
Harris Reed
A marca abriu a semana de moda, desfilando uma coleção glamurosa, ao mesmo tempo que reforçava temas de expressão pessoal e liberdade individual. Seu desfile destacou-se pela fusão de drama e elegância, apresentando silhuetas ousadas e detalhes intrincados.
As criações combinaram referências góticas e românticas, destacando tecidos transparentes, corsets estruturados e acessórios dourados, elementos que reafirmam a identidade singular da marca.
Florence Pugh abriu o desfile no Tate Britain em um vestido escultural preto transparente, com capuz e detalhes curvilíneos. Ao som de Nothing Else Matters, recitou um monólogo intenso, amplificando a aura dramática da apresentação.
Foto: Courtesy of Harris Reed
Já na beleza, a ousadia e a experimentação dominaram as passarelas. As sobrancelhas decoradas com pedrarias trouxeram um toque de brilho inesperado, transformando o olhar em um verdadeiro acessório. No desfile de Dilara Findikoglu, a estética gótica ganhou força com peles pálidas, sobrancelhas apagadas e tatuagens faciais, criando um visual misterioso e dramático. Nos cabelos, o volume e a textura foram protagonistas, trazendo um ar despojado e poderoso às produções. Para equilibrar, os lábios surgiram em tons neutros, reforçando a tendência de uma maquiagem mais natural e sofisticada.
Sobrancelha com pedraria Foto: Vogue
Além de reafirmar o papel da Semana de Moda de Londres como um espaço de inovação e experimentação, as tendências apresentadas apontam para um futuro onde a moda se torna cada vez mais um reflexo da identidade e das narrativas culturais. Seja resgatando referências tradicionais britânicas ou ousando em novas abordagens estéticas, os designers mostraram que a moda outono/inverno 2025 será marcada por contrastes sofisticados, liberdade criativa e um olhar atento para a individualidade. Com essas apostas, Londres mais uma vez se consolida como um dos epicentros da moda global, inspirando não apenas as passarelas, mas também o street style e a indústria como um todo.
A um fim de semana de distância do aguardado dia do Oscar, a temporada de premiações, igualmente relevantes, como o Golden Globe Awards, o Critics Choice Movie Awards, o BAFTA e o SAG Awards, servem como termômetro, tanto para nomeações, quanto para os visuais escolhidos pelas estrelas.
Na noite de domingo (25/01), além de reconhecer as melhores produções e atuações do cinema, o Screen Actors Guild Awards (SAG) exemplificou como essas premiações também têm um papel significativo no mundo da moda. Os artistas que desfilam pelo tapete vermelho aproveitam a ocasião para se expressar por meio de seus looks, que podem seguir um conceito clássico, contemporâneo, maximalista ou minimalista, sempre alinhados à sua imagem pessoal.
Nesta edição de 2025, um detalhe chamou a atenção: além do fato de os vencedores das cinco categorias principais pertencerem a filmes distintos, algumas escolhas de figurino se destacaram pelo conceito por trás do estético. Entre os inúmeros visuais memoráveis da noite, cinco looks fizeram mais sucesso com o público.
Ariana Grande
Ariana Grande escolheu um vestido da Loewe, inspirado na coleção Primavera/Verão 2025, que explorou o uso de estampas florais e penas. Para complementar o look, a cantora apostou em um colar de diamantes no estilo choker, acompanhado por um par de brincos e um anel, todos harmoniosamente combinados. As joias, assinadas pelo Jared Atelier, acrescentaram um toque de sofisticação à produção.
Para finalizar a composição, a cantora e atriz trouxe de volta seu icônico rabo de cavalo, um penteado que marcou sua trajetória na indústria da música, mas desta vez em uma versão mais refinada e elegante.
Além disso, o rosa mais uma vez se destacou em seu visual, em uma clara referência ao papel de Glinda no filme Wicked — personagem que, na maior parte do tempo, é vista vestindo essa tonalidade.
Anna Sawai
Anna apostou em um deslumbrante vestido da Armani Privé, cuja proposta trouxe um detalhe surpreendente: de frente, a peça parecia um elegante vestido vermelho coberto de glitter, mas, à medida que a atriz caminhava pelo tapete vermelho, uma fenda na altura da panturrilha se revelava, destacando ainda mais a sofisticada sandália plataforma da Christian Louboutin. Assim como sua personagem na série Shōgun, o vestido apresentava um verdadeiro plot twist. Para finalizar o look, joias da Cartier foram adicionadas, elevando ainda mais a elegância da produção.
Em entrevista à Entertainment Tonight, Anna revelou que sua escolha foi totalmente inspirada em sua personagem, Lady Mariko. “É uma cor poderosa e significativa para o papel que interpretei”, afirmou a atriz.
Cynthia Erivo
Cynthia Erivo, destaque em Wicked, desfilou pelo tapete vermelho em um vestido da Givenchy. O modelo possui afeto dos amantes de moda por ser uma peça rara pertencente à coleção de outono de 1997, assinada por Alexander McQueen.
Essa coleção é amplamente reconhecida por sua abordagem instigante e pela forte influência de diferentes culturas, como a espanhola, a japonesa e a escocesa. Em uma entrevista à revista Numéro, em 2002, McQueen descreveu a coleção como “um cientista maluco que cortou todas essas mulheres e as misturou novamente”. O vestido usado por Cynthia é feito de ráfia tecida folheada à prata, um elemento que reforça o caráter experimental e inovador da peça.
A maquiagem e as joias da atriz foram cuidadosamente escolhidas para complementar o vestido, mantendo a prata como tom predominante. No entanto, pequenos detalhes foram adicionados para homenagear sua personagem em Wicked, Elphaba. Toques sutis de verde apareceram em suas unhas, assim como em anéis verdes e amarelos, criando uma conexão delicada, porém significativa, com o papel que interpreta no filme.
Keke Palmer
Keke Palmer, a talentosa atriz conhecida por seus papéis em diversos filmes, brilhou no tapete vermelho ao usar um vestido de veludo preto do acervo da Chanel, datado de 1985. A peça, que já havia sido usada por Jamie Lee Curtis há 40 anos, exala um charme atemporal.
O vestido, aparentemente simples, carrega um valor histórico significativo por ter sido resgatado após décadas. Para complementar o visual, a stylist Molly Dickson optou por brincos discretos, permitindo que o detalhe dourado do vestido se destacasse. A maquiagem de Keke Palmer, inspirada no glamour da antiga Hollywood, completou o look com um batom vermelho matte e um delineado gatinho clássico. A combinação perfeita de elementos vintage e contemporâneos rendeu elogios à atriz.
Mikey Madison
A estrela em ascensão Mikey Madison desfilou no tapete vermelho com um vestido Louis Vuitton metálico e estruturado, que realçava sua cintura. A peça, sem mangas, chamou a atenção pela sofisticação e design moderno. Para complementar o look, Mikey usou um colar e um anel do acervo da Tiffany & Co., adicionando um toque de elegância clássica.
A maquiagem escolhida foi leve, com pele natural e olhos discretos. O destaque ficou por conta do batom vermelho vibrante, que harmonizou perfeitamente com o vestido e as joias.