Por décadas, São Paulo acorda cedo ao som de barracas sendo montadas, caminhões descarregando frutas e vendedores afinando o gogó para anunciar promoções. De norte a sul, as feiras livres desenham um dos cenários mais afetivos da vida paulistana. Não é apenas o lugar onde se compra comida fresca: é onde se conversa, se briga pelo preço, se prova um pedacinho de melancia e se encontra o vizinho que você só vê ali, entre uma dúzia de banana e um pé de alface.
Juca Alves, de 40 anos, conta que vende frutas há 28 anos na zona norte de São Paulo e brinca que o relógio dele funciona diferente. “Minha rotina é a mesma todos os dias. Meu dia começa quando a cidade ainda está dormindo. Se eu bobear, o morango acorda antes de mim”.
Nas bancas de comida, o pastel é rei. “Se não tiver barulho de óleo estalando e alguém gritando não tem graça”, afirma dona Sônia, pasteleira há 19 anos junto com o marido e filhos. “Minha família cresceu ao redor de panelas de óleo e montes de pastéis. E eu fico muito realizada com isso.
Quando o relógio se aproxima do meio dia, começa o momento mais esperado por parte do público: a famosa xepa. É quando o preço cai e a disputa aumenta. Em uma cidade acelerada como São Paulo, a feira livre funciona como uma pausa afetiva, um lembrete de que existe vida fora do concreto. E enquanto houver paulistanos dispostos a acordar cedo por um pastel quentinho e uma conversa boa, as feiras continuarão firmes, coloridas, barulhentas e deliciosamente caóticas.
Elton John está de volta ao Brasil em uma única apresentação que promete marcar a edição de 2026 do Rock in Rio. O festival confirmou o britânico como atração principal do dia 7 de setembro, abrindo a divulgação do line-up com um dos nomes mais celebrados da música mundial.
A presença de Elton carrega um peso especial. Em 2023, o artista anunciou que deixaria as grandes turnês para ficar mais perto da família. Por isso, sua performance no Rock in Rio será a única na América Latina, transformando o show em um momento raro para os fãs de todo o continente.
Em um vídeo publicado na terça-feira (25) nas redes sociais, Elton John revelou o motivo para ter aceitado o convite de realizar o show em solo brasileiro. “A razão é que eu não vim ao Rio na turnê ‘Farewell Yellow Brick Road’, e eu senti que decepcionei muitos dos meus fãs brasileiros. Então, eu quero compensar isso”, explicou o britânico.
No mesmo dia de festival, outro grande nome da música sobe ao Palco Mundo: Gilberto Gil. Em clima de despedida com a turnê Tempo-Rei, que termina em março de 2026, o encontro dos dois artistas lendários torna a programação do festival ainda mais especial.
Além das atrações, o Rock in Rio prepara mudanças importantes na Cidade do Rock. O Palco Mundo, símbolo do festival, será completamente revestido de painéis de LED, somando 2.400 metros quadrados de tecnologia. A ideia é ampliar a imersão visual e criar novas possibilidades para os artistas.
A próxima edição também terá uma homenagem especial à Bossa Nova e um benefício pensado diretamente para o público, em que cada visitante poderá receber até 100% do valor do ingresso de volta em bônus, podendo ser usado em hotéis, gastronomia e experiências turísticas durante a estadia na cidade.
O Rock in Rio 2026 acontece nos dias 4, 5, 6, 7 e 11, 12 e 13 de setembro, no Parque Olímpico, no Rio de Janeiro. A venda geral dos ingressos começa em 9 de dezembro, às 19h, enquanto membros do Rock in Rio Club terão acesso à pré-venda a partir do dia 4, no mesmo horário.
Figurinha carimbada nas colunas sociais da época, Ângela Diniz virou capa das manchetes policiais após ser morta a tiros pelo então namorado, Doca Street. O feminicídio que marcou o país na década de 1970 ganha agora um novo olhar na série da HBO Ângela Diniz: Assassinada e Condenada.
Na produção, Marjorie Estiano interpreta a protagonista, enquanto Emilio Dantas assume o papel de Doca. O elenco ainda conta com Thelmo Fernandes, Maria Volpe, Renata Gaspar, Yara de Novaes e Tóia Ferraz.
Sob direção de Andrucha Waddington, a série se inspira no podcast A Praia dos Ossos, de Branca Viana. A obra, que leva o nome da praia onde o crime ocorreu, reconstrói não apenas o caso, mas também o apagamento em torno da própria vítima. Depoimentos de amigas de Ângela, silenciadas à época, servem como ponto de partida para revelar quem ela realmente era.
Seja pela beleza ou pela independência, a mineira chamava atenção por onde passava. Já os relatos sobre Doca eram marcados pelo ciúme obsessivo do empresário. O casal passava a véspera da virada de 1977 em Búzios quando, ao tentar pôr fim à relação, Ângela foi assassinada pelo companheiro.
Por dias, o criminoso permaneceu foragido, até que sua primeira aparição foi numa entrevista à televisão; logo depois, ele se entregou à polícia. Foram necessários mais de dois anos desde o assassinato para que Doca se sentasse no banco dos réus, num julgamento que se tornaria símbolo da luta contra a violência de gênero.
As atitudes, roupas e relações de Ângela foram usadas pela defesa como supostas “provocações” que teriam motivado o crime. Foi nesse episódio que Carlos Drummond de Andrade escreveu: “Aquela moça continua sendo assassinada todos os dias e de diferentes maneiras”.
Os advogados do réu recorreram à tese da “legítima defesa da honra” — proibida somente em 2023 pelo STF — numa tentativa de inocentá-lo. O argumento foi aceito pelo júri, e Doca recebeu pena de apenas dois anos de prisão, sentença que gerou revolta e fortaleceu movimentos feministas da época.
Sob forte pressão popular, um segundo julgamento foi realizado. Nele, Doca foi condenado a 15 anos, dos quais cumpriu cerca de três em regime fechado e dois em semiaberto. Em 2020, ele morreu aos 86 anos, em decorrência de um ataque cardíaco.
A Pinacoteca Benedicto Calixto, em Santos, apresenta de 14 de novembro a 14 de dezembro de 2025 a exposição “Bosque Mítico: Katia Canton e a Cura pela Arte”, que reúne um conjunto expressivo de pinturas, desenhos, cerâmicas, tapeçarias e azulejos da artista, sob curadoria de Carlos Zibel e Antonio Carlos Cavalcanti Filho. A Fundação que sedia a mostra está localizada no imóvel conhecido como Casarão Branco do Boqueirão em Santos, um exemplar da época áurea do café no Brasil.
Ao revisitar o bosque dos contos de fadas como metáfora de transformação interior, Katia Canton revela o processo criativo como gesto de cura, reconstrução e transcendência.
Reconhecido como um dos principais espaços da cultura periférica em São Paulo, o Museu das Favelas completa três anos de atividades no mês de novembro. Para comemorar, a instituição elaborou uma programação especial gratuita que combina memória, arte periférica e reflexão crítica.
Segundo o governo do Estado, o Museu das Favelas já recebeu mais de 100 mil visitantes desde sua fundação em 2022. Localizado no Pátio do Colégio, a abertura da agenda de aniversário ocorre nesta terça-feira (25) com a mostra “ImaginaÇÃO Radical: 100 anos de Frantz Fanon”, dedicada ao médico e filósofo político martinicano.
Autor de “Os condenados da terra” e “Pele negra, máscaras brancas”, Fanon contribuiu para a análise dos efeitos psicológicos do colonialismo, considerando algumas abordagens da psiquiatria e psicologia ineficazes para o tratamento de pessoas racializadas. A exposição em sua homenagem ficará em cartaz até 24 de maio de 2026.
Ainda nos dias 25 e 26 deste mês, o festival oferecerá o ciclo “Papo Reto” com debates entre intelectuais francófonos e brasileiros, em parceria com o Instituto Francês e a Festa Literária das Periferias (Flup). A programação continua no dia 27 com a visita "Abrindo Fluxos da Imaginação Radical”.
Em 28 de novembro, o projeto “Baile tá On!” promove uma conversa com o artista JXNV$. Já no dia 29, será inaugurada a sala expositiva “Esperançar”, que apresenta arte e tecnologia como forma de mapear territórios periféricos.
O encerramento do festival será no dia 30 de novembro com a programação “Favela é Giro”, que ocupa o Largo Pátio do Colégio com DJs e performances culturais.
Cineasta, escritor e questionador social, Glauber Rocha foi um dos fundadores do movimento chamado cinema novo, sendo um dos cineastas brasileiros mais premiados internacionalmente. Nascido em Vitória da Conquista, Bahia, presenciou a realidade de um Brasil marginal, onde a cultura brasileira era esquecida e sufocada pela modernidade externa. Com um viés crítico, Glauber quis descolonizar a visão glamourizada do cinema internacional, abrindo os olhos para a realidade de um país de “terceiro mundo”, mostrando a violência do nosso país, a loucura e a desigualdade. No início da carreira, foi influenciado pelo expressionismo alemão, pelo concretismo brasileiro e pelo cinema soviético. Futuramente, influenciado pelo neorrealismo italiano e pelo cinema francês “nouvelle vague”, o diretor da vanguarda foi adotando características mais dinâmicas para a sua filmagem. Utilizando uma forma livre de direção, quebrando padrões coloquiais da filmagem; como a abdicação do tripé, que resultou em uma filmagem mais livre e rápida. Ao romper com os padrões acadêmicos de filmagem, ele pôde gradualmente criar a sua própria forma de fazer cinema, fazendo tomadas em movimento que conseguiram captar de forma expressiva a violência de uma cena ou descobrir novos ângulos até então questionáveis. Para Glauber, valia tudo para chocar o espectador, arrancando-o do conforto de filmes alienantes da época (chanchadas) e jogando-o na realidade amarga de um país violento, sufocado por uma ditadura silenciosa.
Na década de 1960, com o surgimento de um novo movimento latino-americano voltado para as preocupações sociais, que virava as costas para a influência cultural norte americana e europeia, o cinema novo tornou-se a vanguarda desta nova forma de questionar. Mostrando aos cidadãos brasileiros a realidade do seu país que estava em efervescência industrial, porém ainda com alta discrepância nos quesitos socioeconômicos como um todo. Em seus filmes, Glauber retratou os conflitos que abalavam (e ainda abalam) o Brasil. O cinema novo tinha como uma de suas características usar alegorias, expressando de forma indireta símbolos ou cenas para representar uma ideia; o que gerava no público em geral um certo estranhamento, por não entenderem exatamente o que fora proposto. Glauber, por ser um dos maiores adeptos do movimento, acabou criando uma forma de linguagem visual singular, esteticamente livre. Pela falta de recursos na época, a única saída era ser criativo nas filmagens e tentar retratar certas cenas que são mais complexas em cenas mais curtas ou simbólicas, deixando a parte da compreensão subentendida ao receptor. Por ter utilizado uma linguagem mais livre, certas formatações técnicas foram abandonadas; acarretando filmes sem um padrão específico, o que dificultava a compreensão de quem assistia. Incompreendido pelos seus métodos, o diretor tinha como objetivo levar a reflexão em seus filmes, cutucando especialmente a região sudeste sobre a pobreza do nordeste. Mostrando através de uma direção engajada, preocupada com a sociedade e a cultura brasileira; tentando abrir os olhos de quem vivia em uma bolha cultural influenciada somente pelos modismos internacionais.
Encabeçado pelo Glauber, surgiu em 1965 o manifesto “Uma estética da fome”, o texto apresentava um projeto artístico que visava utilizar o cinema como ferramenta de mudança social e não somente como denúncia. Indo além de somente representar os temas da miséria e da violência sobre uma visão cinematográfica, e sim criar uma comunicação verdadeira com o tema. Para Glauber, a arte produzida até então, não comunicava a verdadeira miséria vivida pelo seu povo ao espectador, e nem o estrangeiro conseguiria compreendê-la verdadeiramente. Sendo a única comunicação composta por mentiras elaboradas da verdade, como os exotismos formais que vulgarizavam os problemas sociais e que apenas satisfaziam a nostalgia do primitivismo para o observador europeu. De forma intensa, o pensamento do diretor foi se tornando cada vez mais politizado e alinhado com os partidos de esquerda; sendo considerado na época o movimento cinematográfico mais político da América Latina.
Sob a inspiração do cinema de guerrilha como forma de protesto, Glauber lança o longa “Terra em Transe” em 1967, que fazia clara referência a política ditatorial brasileira. O filme retratava um país fictício da América Latina sob uma convulsão política interna, onde um tecnocrata conservador busca pela conquista do poder; o filme foi proibido pela censura do governo brasileiro por ser considerado subversivo. A sua fama como diretor crítico crescia internacionalmente, onde a cada entrevista concedida a veículos de imprensas internacionais, Glauber fazia questão de questionar o regime militar brasileiro e toda corrupção que nele havia, além da crescente censura na imprensa e no audiovisual. O que fez dele um dos líderes mais famosos do movimento da esquerda; tornando-se marcado, viver no Brasil era sentir-se constantemente vigiado. Com a intensificação da perseguição aos opositores do regime, e por estar se tornando um símbolo subversivo, Glauber partiu para o exílio em 1971, passando por diversos países, não retornando de forma permanente ao país natal. Porém, mesmo estando exilado, o regime militar tinha a intenção de matar Glauber. É o que diz o relatório revelado em 2014 pela Comissão da Verdade, que indica que havia um plano de matar o diretor que se encontrava exilado em Portugal. O relatório que foi produzido pela aeronáutica, descreve Glauber como um dos líderes da esquerda brasileira e sendo considerado graças a sua visão crítica, um “violento ataque ao país”. Segundo a sua filha, Paloma Rocha, o relatório confirma o que seu pai sempre lhe disse, que era um perseguido político.
Morto em 1981 com somente 42 anos, vítima de septicemia (provocado por uma broncopneumonia que o atacava há mais de um mês), Glauber nos deixou um vácuo. Projetos e pensamentos que ainda precisavam de mais algumas décadas do seu criador para tomar forma. Onde teria mais força para chocar essa sociedade que sofre de ausência cultural, que está à deriva, alienada das suas origens. O Brasil precisa mais do que críticos, precisa de críticos com coragem, que falam o que pensam, que confrontam, que se auto-afirmam. Glauber entendeu cedo a dinâmica da comunicação do nosso país: não é somente com uma conversa técnica que vamos resolver os nossos impasses seculares, é preciso pôr um pouco mais de energia em nossas atitudes para conseguirmos mudar. É arriscar a própria vida em nome de todos, de ser marcado para morrer e continuar mordendo, sem parar. Nesta batalha sobre perdas, lutos e censuras, quem perde é o “Brasil cultural”, e não o Glauber. Somos nós que precisamos dele e de suas inspirações, e não o contrário.
“Onde houver um cineasta disposto a filmar a verdade, e a enfrentar os padrões hipócritas e policialescos da censura intelectual, aí haverá um germe vivo do Cinema Novo. Onde houver um cineasta disposto a enfrentar o comercialismo, a exploração, a pornografia, o tecnicismo, aí haverá um germe do Cinema Novo. Onde houver um cineasta, de qualquer idade ou de qualquer procedência, pronto a pôr seu cinema e sua profissão a serviço das causas importantes de seu tempo, aí haverá um germe do Cinema Novo.”
– Glauber Rocha
No último dia 15 de março foram anunciados os indicados da 93ª edição da maior premiação do cinema, que será realizada no dia 25 de Abril. Por conta das indicações, este já se trata do ¨Oscar¨ com maior diversidade de todos os tempos, contando com duas diretoras concorrendo a melhor direção pela primeira vez na história, um ator asiático (Steven Yeun), assim como um muçulmano (Riz Ahmed), também os primeiros a concorrer a categoria de melhor ator.
Além da diversidade de concorrentes nas principais categorias, essa edição também será marcada, por ser feita em plena pandemia global, assim como outras premiações já feitas ao longo do ano de 2021: Globo de Ouro (Golden Globes) e Critics Choice Awards (Critics Choice Awards), falando de cinema e séries, e o Grammy (The GRAMMYs) , de música. O Oscar contará com público de forma presencial, sendo os indicados, seus convidados e os apresentadores que irão compor a plateia.
Ainda sobre as categorias, para melhor direção, a mais diversa, temos ¨Chloé Zhao¨ (Nomadland), a favorita a levar a estatueta, pois levou o Globo de Ouro e o Critics Choice Awards, uma diretora chinesa sendo a segunda asiática na história a concorrer nessa categoria, ¨Emerald Fennell¨ (Bela Vingança), que fez história junto com a diretora chinesa, ¨Lee Isaac Chung¨ (Minari), outro com raíz asiática, porém nascido nos EUA, ¨Thomas Vinterberg¨ (Druk: mais uma rodada), um diretor Dinamarquês e ¨David Fincher¨ (Mank), um diretor mais recorrente na premiação.
Mesmo entrando para a história com duas indicadas, esse prêmio poderia ser ainda mais histórico e diverso, pois uma das cotadas a estar entre elas, era a atriz e diretora ¨Regina King¨ (Uma Noite em Miami), que já conquistou a estatueta de melhor atriz coadjuvante em 2019, e ficou de fora para melhor direção.
Para Melhor Ator, ¨Chadwick Boseman¨ (A Voz Suprema do Blues), favorito a levar o prêmio, sendo esse póstumo, já tendo levado tanto o Globo de Ouro como o Critics Choice, ¨Riz Ahmed¨ (Som do Silêncio), o primeiro Muçulmano a receber uma indicação, ¨Steven Yeun¨ (Minari), o único asiático até hoje a concorrer à melhor ator, ¨Anthony Hopkins¨ (Meu Pai), o ator mais velho de toda a história a ser indicado, e ¨Gary Oldman¨ (Mank), concorrem a estatueta.
Já para melhor atriz não temos tanta diversidade como nas anteriores, mas contamos com duas atrizes negras concorrendo, além disso, não temos uma favorita para ganhar. ¨Viola Davis¨ (A Voz Suprema do Blues), que com essa indicação, se tornou a mulher negra mais indicada da história do Oscar, ¨Andra Day¨ (United States vs. Billie Holiday), que ganhou o Globo de Ouro, ¨Carey Mulligan¨ (Bela Vingança), que ganhou o Critics Choice, ¨Vanessa Kirby ̈ (Pieces of a Woman) e ¨Frances McDormand¨(Nomadland) estão na disputa.
Mesmo com a grande diversidade que esse Oscar apresenta, alguns especialistas em cinema crêem que isso não passa de uma forma da Academia se adequar à nova realidade mundial, faltando uma gama maior de representatividade.
Para Isabel Wittmann, crítica de cinema e criadora do podcast ¨Feito por Elas¨ que debate e divulga mulheres no cinema, o que ocorreu esse ano é sim algo importante porém que ainda não representa algo concreto e realista.
"São marcos importantes, sem dúvida, mas pontuais quando se trata de refletir se a academia está, de fato, permitindo mais diversidade. Todos os anos temos dados e estatísticas como esses."
Lembrando o caso da diretora de fotografia ¨ Rachel Morrison¨ em 2018, que parece ter sido um ponto único na história.
"Em 2018, por exemplo, tivemos Rachel Morrison sendo a primeira mulher indicada a melhor fotografia em 90 anos de premiação. De lá pra cá seguimos sem outras mulheres sendo indicadas na categoria"
Sobre as indicações do Oscar desse ano, Wittmann lembrou do caso do filme "Nunca, Raramente, Às Vezes, Sempre" dirigido por ¨Eliza Hittman¨ que ganhou diversos outros prêmios mas ficou de fora da premiação.
"Um votante afirmou que se recusou a assistir, porque a trama discute o direito ao aborto. Por isso, sou particularmente descrente em relação a esses marcos individuais, ainda que eles sejam significativos e dignos de comemoração."
Reforçando, novamente, como muitas vezes a Academia traz grandes números de diversidade somente quando a interessa.
"Não podemos esquecer que um ano antes da vitória de Parasita (Parasite), Green Book havia sido consagrado o grande vencedor, um filme não só desinteressante em termos de forma e narrativa, mas com discurso racista."
"Acho que movimentos como #OscarSoWhite e Me Too são importantes para trazer visibilidade à discussão, mas em ambos os casos, com recorte étnico-racial ou de gênero, a equidade está ainda muito distante." relembrando dos momentos que marcaram os últimos anos.
E finalizou dizendo qual seria a verdadeira prova de uma mudança por parte dos votantes
"Creio que eles só indicariam uma real mudança estrutural se essas indicações fossem mais numerosas, se repetissem todos os anos e resultassem em prêmios rotineiramente"
Márcio Rodrigo Ribeiro, ex jornalista com passagens pela Fundação Bienal de São Paulo, jornais Gazeta Mercantil e Valor Econômico e da Revista Forbes, atual docente de Distribuição e Produtos Audiovisuais e Análise Fílmica no curso de cinema na ESPM, segue o mesmo caminho de Wittmann e crê que o que estamos vendo neste ano, não confirma que o Oscar está se abrindo para diversidade. "Não tem nada que se celebrar essa diversidade, tem que cobrar mais e mais, é muito pouco o que temos".
Já sobre a abertura da Academia para filmes estrangeiros, Ribeiro traz sua opinião e explicação para o assunto, dando como exemplo dois filmes que fizeram sucesso no ano passado , sendo um deles " O Tigre Branco" ( The White Tiger, Trailer) que está concorrendo ao Oscar de melhor roteiro adaptado. "Quando por exemplo a Disney vai lá e decidi fazer um live action/remake de "Mulan" (Mulan Trailer), não é porque ela acha incrível a história, mas sim porque ela precisa de qualquer maneira entrar no mercado chinês que é um mercado de 600 milhões de ingressos, quando a gente tem um filme como o "Tigre Branco" de certa maneira eles estão tentando entrar no mercado indiano, que é um mercado de 1 bilhão e 300 milhões de ingressos é disso que estamos falando”, ressalta Ribeiro.
“Quão transcendente o amor pode ser em relação à matéria, tempo e espaço?” Essa é uma discussão muito relevante na minha cabeça, já que sempre pensei muito no que seria o limite do amor, não exatamente o romântico ou carnal, mas um amor fraterno como o de uma amizade antiga, ou com um animal de estimação, amores que vivem em você para sempre, independente de como o mundo e as pessoas mudaram. Esses pensamentos ficaram ainda mais fortes depois de assistir o filme her (Spike Jonze), nele é retratado a vida pós-divórcio de um escritor num futuro próximo, à medida que a trama evolui, é exposta a relação dele com um Sistema Operacional inteligente que acaba se tornando sua namorada.
Com uma trilha sonora cativante e uma fotografia incrível passando sensações de como o protagonista se sente pequeno no começo e à medida que o relacionamento com a Samantha (Scarlett Johansson) é exposto, ele cresce e se sente mais cheio de si, além dessa questão de proporções fotográficas, existe o uso de cores quentes que sempre contrastam com um ambiente cinza, mostrando um tipo de singularidade e vida ao redor dele. Ouça o podcast!
O aniversário de 57 anos da Ditadura Militar não passou em branco pelo grupo pessoal do Presidente Jair Bolsonaro, incluindo seu Vice, Hamilton Mourão. O Presidente e seus ministros se orgulham de comemorar o período que sequestrou a democracia brasileira. E assumem práticas semelhantes às adotadas pelo regime militar. No dia 15 de junho de 2020, por exemplo, o Ministro da Justiça, André Mendonça, solicitou a abertura de um Inquérito contra o cartunista Renato Aroeira e o jornalista Ricardo Noblat, após uma charge do presidente pintando uma suástica na cruz vermelha ser publicada.
O pedido de Mendonça foi feito com base no Artigo 26 da Lei de Segurança Nacional, prevendo pena de um a quatro anos de prisão para aquele que caluniar e/ou difamar, neste caso, o Presidente da República. No dia 15, o canal da Secom no Twitter citou a charge publicada por Noblat, dizendo: “Falsa imputação de crime é crime. O senhor Ricardo Noblat e o chargista estão imputando ao Presidente da República o gravíssimo crime de nazismo; a não ser que provem sua acusação, o que é impossível, incorrem em falsa imputação de crime e responderão por esse crime.”
O confronto, não só ao artista quanto ao Artigo Quinto da Constituição Brasileira, prevendo a inviolabilidade do direito à liberdade(...), gerou muitas discussões que culminaram na criação de um abaixo-assinado e a campanha virtual #SomosTodosAroeira, no qual diversos chargistas recriaram a arte original em apoio a Aroeira e Noblat. Essa iniciativa conquistou o Prêmio Especial Continuado Vladimir Herzog de Direitos Humanos, em 2020.
Aroeira diz ser “um crítico social, e o crítico social tem a função de criticar a estrutura que garante a permanência do que está errado e assim por diante”, lembrando de qual é o seu papel na Arte Política, aquele que não é, em sua essência, difamar uma figura alvo em sua charge, e sim de criticar o que ele vê de errado. O artista ainda complementa: “a suástica como crítica ao comportamento autoritário tem sido usada e tem jurisprudência formada em tudo que é lugar”, traçando, por fim, a linha entre ele e a sua liberdade de expressão e o crime de difamação.
Foto de capa: reprodução instagram @somostodosaroeira. Créditos em ordem: @camilo.riani @blogdobrito
O mundo editorial sempre foi dominado pelos homens, por mais que as mulheres sejam em maior número do público leitor, principalmente no Brasil. As mulheres sempre lutarem para terem suas histórias publicadas, para terem os mesmos reconhecimentos que os autores possuem. As autoras almejam ter o mesmo sucesso, podendo assinar suas obras com seus nomes, sem terem o receio de serem boicotadas por serem mulheres.
Mas quais são os fatores que impedem de mulheres serem mais publicadas no Brasil e no mundo?
Confira o debate no vídeo a seguir: