Na madrugada desta terça-feira (12), Taylor Swift anunciou o lançamento de seu 12º álbum de estúdio, intitulado “The Life of a Showgirl”. A revelação veio após o fim de uma contagem regressiva no site oficial da cantora, acabando exatamente às 00h12 no fuso-horário norte americano, 01h12 no horário de Brasília.
Combinado com o anúncio, um trecho do podcast New Heights Show, apresentado pelos irmãos Travis e Jason Kelce, namorado e cunhado de Swift, mostra a cantora abrindo uma maleta e apresentando seu novo disco. A capa será revelada apenas nesta quarta-feira (13) durante sua participação especial no programa.
Taylor sempre deixou pistas antes de comunicar um novo projeto. No trabalho anterior, “The Tortured Poets Department” (2024), ela posava para fotos fazendo o sinal de dois, revelando mais tarde se tratar de um álbum duplo – e dessa vez não foi diferente.
Os rumores de um novo disco correm no mundo Swiftie (fãs da artista) desde o fim da The Eras Tour, quando a cantora apresentou um novo logotipo e passou a usar 12 letras para estender palavras simples (como prolongar o “d” em “god” nos stories do Instagram, por exemplo).
As especulações ganharam força na segunda-feira quando sua equipe de marketing postou nas redes sociais um carrossel de doze fotos suas usando roupas laranjas durante a última turnê, cor inédita dentre as que compõem a paleta dos álbuns anteriores, junto de uma legenda sugestiva: “lembrando de quando ela disse ‘vejo você na próxima era…'”.
Thinking about when she said “See you next era…” ❤️🔥 pic.twitter.com/c7q1F0WulF
— Taylor Nation (@taylornation13) August 11, 2025
Após o anúncio, outdoors do Spotify foram colocados em Nova York e Nashville - cidade natal de Taylor - a fim de divulgar uma playlist em conjunto da cantora, intitulada “And, baby, that’s show business for you” (“e, amor, isso é show business para você”, em tradução livre). Todas as músicas que estão presentes no compilado foram produzidas por Max Martin e Shellback, que trabalharam com Swift nos álbuns Red (2012), 1989 (2014) e Reputation (2017), sendo uma possível pista do que esperar do novo projeto.
“The Life of a Showgirl” será o primeiro disco da cantora após readquirir os direitos de seus seis primeiros discos, vendidos sem seu consentimento quando sua antiga gravadora, Big Machine Records, foi comprada pelo empresário Scooter Braun, em 2019.
Taylor conseguiu recuperar suas masters em maio deste ano, encerrando não só a luta para consegui-las de volta, mas também o projeto de regravação de suas músicas.
O álbum ainda não tem data de lançamento oficial, entretanto a previsão de entrega dos vinis vai para até o dia 13 de outubro.
A família de Arlindo Cruz anunciou a morte do compositor, cantor e instrumentista nesta sexta-feira (8), através das redes sociais do artista. Considerado um dos maiores sambistas do país, Arlindo vivia com a saúde debilitada desde março de 2017, devido a um Acidente Vascular Cerebral (AVC) hemorrágico.
“Mais do que um artista, Arlindo foi um poeta do samba, um homem de fé, generosidade e alegria, que dedicou sua vida a levar música e amor a todos que cruzaram seu caminho", diz a nota de falecimento. O sambista morreu no hospital Barra D'Or, Zona Oeste do Rio de Janeiro.
Arlindo Domingos da Cruz Filho nasceu na capital fluminense em 14 de setembro de 1958, no bairro de Madureira, Zona Norte da cidade. Em homenagem a ele, escreveu uma de suas canções mais conhecidas, “Meu Lugar”, parte do álbum “Hoje tem samba” (2002).
Tocava cavaquinho, banjo e ainda na juventude começou a se apresentar profissionalmente, enquanto estudava teoria musical na escola Flor do Méier. Nesse período, foi apadrinhado musicalmente por Candeia, outro renomado sambista carioca.
Estudou na escola preparatória para Cadetes do Ar aos 15 anos, em Barbacena (MG), mas logo voltou ao Rio. Passou a frequentar a roda de samba do Cacique de Ramos, onde tocou com Jorge Aragão, Beth Carvalho, Ubirany e Almir Guineto. Lá, conheceu Zeca Pagodinho e Sombrinha, que, à época, também eram revelações no mundo do samba.
Escreveu algumas músicas para outros intérpretes - “Lição de Malandragem” (David Correa), “Grande Erro” (Beth Carvalho), “Novo Amor” (Alcione) - antes de entrar no Grupo Fundo de Quintal, em 1981.
Ganhou notoriedade nacional durante os 12 anos na banda e gravou sucessos como “Só Pra Contrariar”, “O Mapa da Mina” e “Primeira Dama”. Em 1993, seguiu carreira solo e continuou nos holofotes, com várias músicas em parceria com outros gigantes do samba. Entre seus álbuns de maior destaque recente estão “MTV ao Vivo Arlindo Cruz” (2009) e “Batuques do Meu Lugar” (2012).
Sombrinha foi uma de suas parcerias mais frutíferas. Escreveram “O Show Tem Que Continuar” e “Alto Lá", também com Zeca Pagodinho. Com este, assinou a autoria de sucessos atemporais da música brasileira como “Bagaço da Laranja”, “Dor de Amor” e “Camarão que Dorme a Onda Leva".
Arlindo compôs mais de 500 músicas, segundo seu site oficial, incluindo sambas-enredo para escolas de samba do Rio de Janeiro: Grande Rio, Vila Isabel, Leão de Nova Iguaçu e Império Serrano, sua escola de coração e que o homenageou no enredo do carnaval de 2023. Mesmo com a saúde fragilizada, ele participou do desfile no último carro alegórico, com ajuda de amigos e familiares.
Em 2015, ganhou o 26º Prêmio da Música Brasileira na categoria Melhor Músico de Samba e é reconhecido como um dos responsáveis pela revitalização do gênero nos anos 1980. Seu último lançamento foi ao lado do filho Arlindinho, em 2017, gravado pouco antes de sofrer o AVC.
Ele foi apelidado de “o sambista perfeito” por amigos e admiradores, em referência a uma de suas composições, em parceria com Nei Lopes. O apelido virou o título da biografia do músico, escrita pelo jornalista Marcos Salles e publicada em junho deste ano.
Arlindo Cruz era candomblecista, filho de Xangô, e atuava contra a intolerância religiosa. Ele deixa esposa, Babi Cruz, e três filhos: Arlindinho, Flora e Kauan.
No último sábado (02) a banda Lagum se apresentou no Espaço Unimed com a turnê “As cores, as curvas e as dores do mundo”. Com ingressos esgotados, o espetáculo contou com todas as músicas do novo álbum, que dá nome à apresentação, e com diversos outros hits do grupo, como “Deixa”, “Oi”, “Ninguém me ensinou” e “Bem melhor”.
O quinto disco, lançado em maio de 2025, teve uma recepção calorosa pelos fãs e gerou expectativas em torno da subida de Pedro, Chico, Jorge e Zani ao palco. Cada momento do show condiz com a proposta da nova fase da banda: questionar o mundo moderno, ao mesmo tempo em que aproveita o momento e enxerga a beleza no cotidiano.
Em entrevista à AGEMT, Pedro Calais, o vocalista, comenta sobre a experiência: “A vida é agora, a gente só tem essa chance de viver e não vamos nos privar de fazer uma coisa maneira, de estar com as pessoas que querem o nosso bem e pessoas que queremos o bem, como nossos fãs”.
O pré-show já exalava a energia do que estava por vir, com uma setlist, que ia de Charlie Brown Jr. até Jão. Com a entrada marcada para às 22:30, o grupo manteve a exaltação do público com “Eterno Agora”, “Dançando no escuro” e “Universo de coisas que desconheço”, a última em parceria com a dupla AnaVitória, presente na plateia para apoiar os amigos.
Atenciosos, os músicos estavam atentos ao bem-estar do público e parando as canções para pedir ajuda aos socorristas quando necessário. Os momentos de conexão foram compostos de falas com piadas internas entre a fanbase - como a ausência do hit queridinho dos fãs “Fifa” - até ao chá revelação de Chico, baixista, que espera uma menina com a esposa e influenciadora Marina Gomes.
Pedro também comentou sobre essa relação cada vez mais próxima entre os fãs: “De uma hora pra outra, a gente começou a ser visto como artista, como alguém importante. Essa quebra de mostrar para as pessoas que o que a gente tá fazendo é pela essência, é pelo produto musical em si, vai total de encontro com o nosso conceito. É descer um pouco dessa coisa da cabeça de, ‘pô, tamo querendo fazer isso aqui pra tá aqui em cima’, sabe? Vai bem de encontro com o que a gente tá propondo”.
O momento mais esperado da noite foi com a penúltima música “A cidade”, terceira faixa do novo álbum, que viralizou no TikTok com pessoas retratando perdas e saudades de entes queridos. A emoção tomou conta do público, que cantava e chorava por todo o Espaço.
Algumas canções, como “Tô de olho”, possuem sonoridades diferentes das gravações divulgadas nas plataformas digitais. Isso complementa a sensação de estar presenciando algo especial, pensado com carinho e a dedo. Esses aspectos reafirmam mais uma vez a intenção do grupo de fazer com que as pessoas se conectem com o agora, vivenciando momentos marcantes e de forma original.
O show, sem dúvida, é uma experiência emocional e musical única. A escolha das performances e timbres é preparada exclusivamente para cada noite e cidade, de forma a impactar e proporcionar um momento sensorial muito mais imersivo. A Lagum volta à cidade de São Paulo no dia 3 de outubro para uma data extra devido à grande procura de ingressos.
A espera acabou! Na segunda-feira (23), foi anunciado que, após 17 anos, a banda americana My Chemical Romance retornará ao Brasil em 2026 pela segunda vez. O único show da banda em solo brasileiro será no dia 5 de fevereiro, no Allianz Parque, em São Paulo, como parte de sua turnê pela América Latina.
A apresentação contará com a abertura da banda sueca The Hives e irá reunir brasileiros que acompanham a trajetória do grupo desde os anos 2000.
Formada em Nova Jersey nos Estados Unidos, em 2001, o My Chemical Romance tornou-se uma das bandas mais representativas do rock alternativo e símbolo do movimento emo. A formação atual é composta por Gerard Way nos vocais, Ray Toro e Frank Iero na guitarra, e Mikey Way no baixo.
O grupo lançou seu álbum de estreia, “I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love”, em 2002, mas o sucesso internacional veio em 2004, com “Three Cheers for Sweet Revenge”. No entanto, foi em 2006 com o disco “The Black Parade” que a banda atingiu o auge. O single “Welcome to the Black Parade” se tornou um hino da geração emo, alcançando o primeiro lugar nas paradas britânicas e consolidando o grupo no cenário global.
Após diversos sucessos, a banda entrou em hiato e anunciou sua separação em março de 2013. O retorno foi anunciado em outubro de 2019, com um show em Los Angeles. Em 2022, após dois anos de adiamentos devido à pandemia, a banda embarcou em uma extensa turnê, passando pelos EUA, Europa, Oceania e Ásia.
Desde a quarta-feira (25), início da pré-venda, fãs relataram insatisfação com o preço dos ingressos, que variam entre R$ 197,50 e R$ 895,00, além das cobranças de taxas adicionais. A revolta se intensificou com a cobrança da taxa de processamento, considerada uma novidade pela bilheteria oficial, a Eventim. A empresa alegou que essa tarifa garante a segurança dos dados dos consumidores, mas a justificativa não convenceu o público.
Já é um absurdo a taxa de conveniência ser em % e não valor fixo, pois o serviço é o mesmo independente do ingresso escolhido. Agora tem mais essa. 🤡
— Beta (@betadef) June 25, 2025
Mesmo com a revolta, a expectativa de alta demanda se confirmou: a venda geral, aberta nesta quinta-feira (27) ao meio-dia, resultou em ingressos esgotados em 10 minutos.
Por trás da explosão de cores, imagens familiares e estética publicitária da pop art brasileira, havia ruído, ambiguidade e protesto. Essa é a premissa da exposição Pop Brasil: Vanguarda e Nova Figuração, 1960-70, em cartaz na nova sede da Pinacoteca Contemporânea, em São Paulo. Mais do que uma exibição de obras pop, a mostra constrói um retrato crítico de uma década marcada por ditadura, censura e modernização desigual, e de como a arte respondeu a esse cenário.
A exposição celebra os sessenta anos das mostras Opinião 65 e Propostas 65, marcos da virada estética e política na produção brasileira. O percurso curatorial, assinado por Pollyana Quintella e Yuri Quevedo, reúne obras que reagiram diretamente ao avanço da indústria cultural, à opressão do regime militar e à transformação dos modos de vida. Em vez de apenas absorver os códigos da cultura de massa, os artistas incorporaram sua linguagem para tensionar o que ela ocultava: a violência da ditadura, o apagamento de subjetividades e a precarização das relações sociais.
A ideia de que “a pop arte é o braço avançado do desenvolvimento industrial das grandes economias” é ressignificada no Brasil, onde a modernização industrial coexistia com a informalidade, a desigualdade e a repressão. Em vez do otimismo norte-americano, a arte pop brasileira surge como crítica: reapropria slogans, transforma marginais em heróis, imprime silhuetas de bandeiras como gesto de manifestação coletiva. A visualidade sedutora do consumo encontra a resistência política camuflada nas superfícies gráficas.
A exposição percorre núcleos como Poder e Resistência, Desejo e Trivialidade, Criminosos e Cultura Marginal, entre outros. Em comum, todos os conjuntos partem de imagens produzidas ou apropriadas do cotidiano: televisão, jornal, embalagem; para apontar fissuras entre aparência e estrutura. Hélio Oiticica, Rubens Gerchman, Wanda Pimentel, Antonio Manuel e muitos outros traduzem a tensão entre censura e invenção por meio de performances, happenings e obras gráficas que confundem arte e ação direta.
Se nos Estados Unidos a pop art celebrava o consumo, no Brasil ela revelou o que havia por trás dele. A mostra explicita como a arte brasileira dos anos 1960 e 70 operou sob risco, incorporando elementos populares para criticar os próprios instrumentos de controle e espetáculo.
Mais do que rever o passado, Pop Brasil propõe um exercício de leitura do presente. Diante da repetição de discursos autoritários, da estetização da política e da crise na democracia, o gesto pop reaparece como estratégia de sobrevivência, uma forma de dizer muito com imagens que, à primeira vista, parecem dizer pouco.
No ano em que o golpe militar de 1964 completa seis décadas, é momento de relembrar uma série de eventos que foram ocultados do grande público em decorrência da censura imposta diante do regime militar. Com tal data simbólica se aproximando, o Memorial da Resistência, junto com a Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP) trouxeram uma exposição que relembra aos visitantes o papel da luta pela democracia por parte da Universidade paulistana, e atos repugnantes cometidos pelo governo vigente com ela.
Uma testemunha ocular importantíssima de muitas lutas lideradas pela PUC-SP contra a ditadura, foi o teatro da Universidade – O Teatro Da Universidade Católica (TUCA). Inaugurado em 1965 com a peça “Morte e vida Severina” de João Cabral De Melo Neto, o TUCA permaneceu desde sua criação até a queda de Figueiredo 1985 sendo um palco de diversas lutas libertarias em meio a censura imposta as universidades da época.
Em 1968, no ano em que se instaurou o Ato Constitucional Número 5 (AI5) o teatro presenciou Caetano Veloso cantar “É proibido proibir” em um dos momentos mais críticos do regime militar. Sem mencionar outras peças e discursos de docentes expulsos de outras universidades por ferirem as leis autoritárias do regime ditatorial.
Após uma série de protestos e reivindicações por parte da PUCSP, os militares algum momento reagiria, para tentar silenciar as vozes de alunos e funcionários indignados com a situação do país. Em 1977, 9 anos após o teatro ouvir a voz de Caetano Veloso ecoando “É proibido proibir” a universidade é invadida pelas forças golpistas. Os alunos foram conduzidos a um estacionamento próximo a Universidade, e 80 deles levados presos por violarem as leis ditatoriais. O TUCA também foi invadido nessa incursão a Universidade, contudo não sofreu nenhum grande dano em meio a invasão.
TUCA IMORTAL:
Em 1984, um ano antes da queda de João Figueiredo, houve um incêndio no Teatro, sem deixar vítimas pois o fogo se alastrou durante um intervalo entre dois espetáculos carbonizando o teatro por inteiro. Com às investigações constatou-se que as chamas eram resultado de uma falha termoelétrica. Contudo, até hoje acredita-se que o fogo não foi em decorrência de um acidente, mas que na verdade ele teria sido um ataque proposital. No dia em que o TUCA ardeu até quase sua última coluna, os alunos faziam um ato sobre os 7 anos da grande invasão de 1977, e as suspeitas apontam que grupos alinhados ao governo ditatorial teriam se reunido com alunos da própria universidade para realizar tal ato criminoso. Nas palavras do Pós reitor vigente, Padre Edenio Valle: “O incêndio de setembro de 1984 foi um “atentado terrorista que” deu certo". Era o dia do sétimo aniversário da grande invasão. Enquanto na rampa se comemorava a vitória da PUC, um grupo da extrema direita, provavelmente com elementos da própria Universidade, tramou e executou uma manobra bem mais profissional da qual resultou um terceiro incêndio nascido em vários focos simultâneos.”
O TUCA, presenciou diversos eventos importantíssimos para a história do Brasil. Desde peças que contestavam o regime ditatorial vigente, até invasões e incêndios. E em suas paredes até hoje queimadas, não permite os alunos e professores esqueçam o que aconteceu ali. O local por si só revela a dura e triste realidade da opressão no país que durou mais de 20 anos. Mas também expõe que muitas pessoas não se conformaram caladas com as atrocidades cometidas pela ditadura, ele expõe que muitos se levantaram e lutaram, contra uma realidade barbara e desumana, e assim ele ficará marcado na história.
“Pegaram meu bebê para me ameaçar, Rose Nogueira.” é uma das frases presentes nas paredes das celas. O sangue ilustrado nas fotos não é artístico, assim como as grades e as portas de cada sala do Deops, servindo para recordar os dias de tortura sofridos pelos presos na Ditadura.
O Memorial da Resistência, criado em 2009 pela Secretaria de Cultura do Estado de São Paulo, abriga um acervo histórico e muitas apresentações de aspectos diferentes dos 21 anos de Regime Militar no Brasil.
Há atualmente no local a exposição permanente “Memórias nas celas do Deops/SP” e as temporárias: “Resistências na PUC-SP” e “Mulheres em Luta! Arquivos de memória política”, todas essas agregando um enorme valor à indústria cultural e tornando indeléveis os acontecimentos dessa época.
Entrar nos cárceres do museu e ler a linha cronológica dos fatos ocorridos traz à tona o peso e a tensão vividas na época, evidenciando o período desgastante que atentou contra a democracia, a arte e a liberdade.
Vítor Nhoatto, estudante do 2° semestre de jornalismo da PUC-SP, afirma que toda a visita foi impactante, mas as falas escritas nas paredes o tocaram profundamente: “A parte que mais me chocou foi aquele escrito em que os carcerários sabiam quando os guardas iam até eles ou para levar comida ou para torturar”.
Rememorar para resistir
A segunda cela existente no memorial mostra dois colchões no chão e suas paredes completamente rabiscadas com nomes de pessoas que sobreviveram ao Regime e acontecimentos que as levaram a ser presas. Essa foi uma maneira eficaz de dar voz a esses cidadãos, já que segundo o Relatório da Comissão da Memória e da Verdade (CMV) da Prefeitura de São Paulo, um fato marcante dos anos de Ditadura foi a indigência de muitos indivíduos que foram presos, morreram, mas sequer foram velados ou tiveram suas mortes notificadas.
De acordo com o documento da CMV: “...o sepultamento como indigente de militantes assassinados e com a identidade conhecida pelos agentes era uma prática comum para impedir sua localização pela família e acobertar os crimes cometidos pela repressão.” Assim, expressar nos muros os nomes de vários sobreviventes foi uma forma de demonstrar mais uma vez a resistência.
TUCA Incendiado
A exposição “Resistências na PUC-SP” conta como a Pontifícia Universidade Católica foi ponto de referência na resistência contra a Ditadura, abrigando exilados, protestando contra a repressão e ainda, promovendo eventos de ciência, cultura e música durante toda a censura vinda do Estado.
Por esses motivos, a PUC foi invadida por policiais militares no dia 22 de setembro de 1977 e o TUCA, Teatro da Universidade Católica de São Paulo, foi incendiado sete anos depois, no dia 22 de setembro de 1984. Dessa forma, com a ideia de que lembrar é resistir, a exposição deixa indiscutível a participação da comunidade acadêmica na luta contra toda a oposição à democracia, e também manifesta a relevância que a educação tem no combate ao autoritarismo governamental.
Esta matéria foi produzida como parte integrante das Atividades Extensionistas do curso de Jornalismo da PUC-SP.
O ano de 1979 marcou o começo de um processo de ruptura do Regime Militar brasileiro. Com o início do governo de João Figueiredo e a promulgação da Lei da Anistia, que perdoava os perseguidos políticos, chamados pela Ditadura de subversivos, os militares gradativamente iam perdendo força para seguir no comando do Brasil. Após esse ano, a economia do Brasil começou a quebrar, entre 1980 e 1985 a inflação anual do país teve uma média de quase 164% de acordo com dados da Fundação Getúlio Vargas (FGV), divulgados pelo jornal O Globo.
A partir daí manifestantes começaram a ir as ruas pedindo a volta da democracia e o direito ao voto, o movimento ficou conhecido como “Diretas Já!”. A campanha pelas diretas teve início oficial em março de 1983, com a Proposta de Emenda Constitucional (PEC) do então deputado Dante de Oliveira, que restaurava as eleições populares no país, a proposta contou com apoio de dez governadores de oposição ao governo. A maior das manifestações ocorreu em 16 de abril de 1984, dias antes da votação da Emenda, o evento, que correu na cidade de São Paulo, reuniu cerca de 1.5 milhão de pessoas que gritavam pelo fim do Regime que já se arrastava por 20 anos.
No dia da votação a PEC não foi aprovada, obtendo menos votos do que o necessário para entrar em vigor. Porém, nas eleições de 1985 os militares não emplacaram seu candidato e Tancredo Neves foi eleito pelo Congresso Nacional para presidir o país. Os brasileiros só teriam seus direitos ao voto reestabelecido em 1988 com a promulgação da atual Constituição e no ano seguinte elegeria o seu primeiro presidente depois de quase três décadas.
Mesmo com a redemocratização. o regime militar deixa marcas em nossa história até hoje, dados do Governo Federal mostram que 364 pessoas ainda sequer foram encontradas, além disso, a Comissão da Memória e Verdade da Prefeitura de São Paulo apurou que somente na capital paulista, 79 pessoas foram mortas e sepultadas pela repressão e com colaboração e aval da Prefeitura Municipal.
Esta matéria foi produzida como parte integrante das Atividades Extensionistas do curso de Jornalismo da PUC-SP.
Como escrito na profecia, Timothée Chalamet voltou às telas, no dia 28 de fevereiro, para dar vida ao personagem Paul Atreides no segundo filme da trilogia de Duna, junto de Zendaya, que vive a personagem Chani. Nesta terça-feira (16), o longa chegou nas plataformas de streaming e está disponível para aluguel a partir de R$49,90 no Youtube, na Amazon Prime Video, na Apple TV e no Google filmes.
Em 2021, o primeiro filme da franquia encerrou sua exibição nos cinemas com uma arrecadação de 431,1 milhões de dólares. A parte 2, que ainda está em cartaz, já ultrapassou 631 milhões de dólares e impõe atualmente o recorde de maior bilheteria do ano de 2024.
Duna: Parte 2 conquistou um grande aumento na bilheteria, se comparado ao início do ano lento. Antes da estreia, o longa de maior bilheteria era outro, também lançado em fevereiro, Bob Marley: One Love, com U$175,9 milhões arrecadados em todo o período de exibição. O filme de ficção científica arrecadou o mesmo valor apenas no primeiro final de semana em cartaz.
A franquia é uma adaptação dos livros de ficção-científica de mesmo nome, escrita por Frank Herbert em 1965. A saga original possui 6 livros, com mais de 3.500 páginas contando a trajetória de Paul Atreides e de outros personagens. Além disso, existem mais 15 livros escritos por Brian Herbert, filho do autor original, que expandem o universo de Duna. Esses complementos são baseados em notas, rascunhos e ideias deixadas por Frank, porém não foram traduzidos para português até o momento.
A história se passa milhões de anos no futuro, em uma galáxia diferente, em que os governos foram separados em Casas Maiores, divididos entre famílias detentoras dos feudos de cada planeta do sistema, seguindo o imperador. Entre muitas, a casa Atreides foi designada a governar o planeta Arrakis, conhecido como Duna por conta de seus extensos desertos de especiarias, o bem mais precioso no universo do filme. Enquanto isso, os Harkonnens, casa inimiga da família de Paul, arquiteta tomar o poder do planeta, e assassina o duque Leto Atreides, pai do protagonista e comandante de Arrakis, interpretado por Oscar Isaac, durante o primeiro filme.
Duas profecias circundam a vida do protagonista vivido por Chalamet, Paul Atreides. A primeira envolve as Bene Gesserit, uma irmandade com poderes de manipulação que estão envolvidas na política universal. Elas procuram pelo Kwisatz Haderach, um homem que obterá os mesmos poderes da irmandade. A segunda é uma lenda religiosa dos Fremen, povo originário de Arrakis, que prevê que um salvador chegaria para libertar o planeta dos colonizadores que se aproveitam dos bens naturais do planeta.
No segundo filme da saga, Paul se junta aos Fremens, os verdadeiros nativos de Arrakis, que vivem segregados nos campos de areia do planeta, com o objetivo de se vingar da casa inimiga que destruiu sua família e assumiu o poder do local na primeira parte da trilogia. Em sua jornada, Paul se torna líder do grupo e assume o papel religioso de Lisan Al Gaib, o salvador, junto de Chani. Além disso, as semelhanças com a profecia das Bene Gesserit se tornam cada vez mais evidentes.
Um terceiro filme ainda não foi confirmado, mas o diretor Denis Villeneuve e os atores principais já demonstraram interesse em dar continuidade na saga. O ator Timothée Chalamet, em entrevista à Reuters, revelou: “O sonho é fazer outro. Obviamente, esse filme [Duna: Parte 2] tem que ter certo sucesso para garantir um terceiro. Mas todo mundo está super no jogo. Como não estar?”.
Além do protagonista, outros atores demonstraram interesse em participar de um terceiro filme. Zendaya confirmou recentemente em uma entrevista também à Reuters “Se eu toparia? Quero dizer, é claro. Na hora que o Denis ligar, é um ‘sim’ meu”. Porém, um próximo filme poderia demorar, já que Villeneuve trabalhou 6 anos seguidos para filmar as partes 1 e 2. O diretor afirmou para a revista Times que não houve intervalo entre as duas primeiras produções, mas que quer um tempo para a próxima.
O longa foi muito bem recebido pelo público e pelos críticos. Durante a estreia, no site de críticas de cinema Rotten Tomatoes, o filme foi recebido com 95% de aprovação da crítica e 97% do público. Atualmente, as porcentagens continuam extremamente altas, 93% e 95% respectivamente. Nas redes sociais, um tsunami de comentários positivos foi visto na primeira semana após a primeira sessão ser transmitida no Brasil.
DUNA 2 É A MELHOR COISA QUE JÁ ASSISTI EM ANOS pic.twitter.com/AKZh6oskce
— 𝗯𝗿𝗶𝗻𝗶𝗻 (@filhodaflorence) March 2, 2024
Que experiência foi Duna: Parte 2! 🔥 Depois de introduzir a sua versão do universo de Herbert no primeiro filme, Villeneuve nos entregou uma conclusão ainda melhor, com mais ação, e uma trama mais visceral e emocionante. pic.twitter.com/dLos7yCLuz
— Central Pandora 👽🛸 (@central_pandora) March 2, 2024
Lana Del Rey se apresentou como artista principal na sexta-feira dos dois finais de semana (13 e 14, 20 e 21) do festival Coachella, que acontece em Los Angeles, Califórnia, anualmente. A apresentação da cantora começa ainda nos bastidores. Lana e suas dançarinas andaram entre o público de mais de 125 mil pessoas de moto em direção ao palco. A entrada teve referência o clipe de “Ride”. O poder da cantora se evidenciou quando “Jealous Girl”- música sequer lançada - levou todos ao delírio. Assim, a estrela instaurou sua atmosfera etérea e angelical por todo o festival.
A infraestrutura do cenário para o palco é a maior da carreira de Del Rey. A construção contou com elementos de suas músicas. Haviam rachaduras de ouro nos pilares referentes a “Kintsugi”, música da cantora e técnica japonesa de reparar cerâmicas quebradas. Os azulejos no palco eram os mesmos do túnel embaixo da Ocean Boulevard, na Califórnia, elemento faz parte de canções em seu último álbum. A estrutura contava com um pole dance. Em “Candy Necklace” enquanto Jon Batiste tocava um solo de piano, a artista deu um icônico giro na barra que foi incansavelmente compartilhado nas redes. O figurino foi assinado pela marca Dolce & Gabbana.
O cenário impressiona ao levar em consideração os problemas enfrentados. Em seu instagram, a headliner revelou a saída de seu empresário da sua equipe em meio à produção. “O Peter se demitiu sem motivos depois de 15 anos…”, escreveu. Mas, a ausência de Peter Abbot parece não ter tido efeitos. “Sem problemas - 37 dias foi tempo mais do que suficiente para montarmos um set inteiro sozinhos. Não é nada estressante”, pontuou a artista ironicamente. Além disso, Lana enfrentou uma laringite até poucas horas antes de subir ao palco. Ela revelou que curou com “habilidades intuitivas corporais”, técnicas de Tessa diPietro, sua taróloga.
O repertório estava recheado de hits, mas repetitivo. O catálogo da estrela indie é vasto, mas, segundo fãs, pouco explorado. Ela repaginou apresentações da sua última turnê de maneira grandiosa, como é o caso de “Chemtrails Over The Country Club”. “Let The Light In”, fez falta, a canção faz parte de seu último trabalho e ainda assim foi cortada da versão final da setlist. Mas tudo parece ter sido compensado com a convidada especial no primeiro final de semana. Billie Eilish entrou para cantar “Ocean Eyes” e “Video Games”, uma grata surpresa aos admiradores de ambas. No segundo show, a convidada foi Camila Cabello. A cubana apresentou sozinha a faixa “I LUV IT”, que está viralizando nas redes sociais, mas deixou o deserto em silêncio.
A intérprete entrega a voz ao público em vários momentos do show, que responde a altura. Isso faz parte de seu estilo no palco, mas seria ainda mais empolgante se a cantora agraciasse seus espectadores cantando suas músicas por completo. Sua voz já foi centro de críticas 12 anos atrás durante uma apresentação de “Blue Jeans” no programa SNL. Mas ela bota um ponto final nessa polêmica ao interpretar “Hope is a Dangerous Thing For a Woman Like Me” nos mesmos moldes da fatídica performance de 2012, hoje como assinatura de sua personalidade musical.
🚨Meu Deus! Lana Del Rey está fazendo alusão ao SNL com a música Hope pic.twitter.com/So4obHKrD9
— Lana Del Rey World (@LDRWorld1) April 13, 2024
“Essa é a razão da existência da metade de vocês, incluindo a minha”, disse Billie apontando para Lana. Del Rey é uma das maiores referências para as novas gerações da música. Conseguimos ouvir suas influências em trabalhos de Taylor Swift, Halsey, Lorde, Olivia Rodrigo, entre outras cantoras. O LANACHELLA foi a celebração de seu legado incontestável e o atestado da marca que deixará na indústria.