No fim de março, o influenciador e coach fitness estadunidense Ashton Hall, de 29 anos, viralizou no TikTok ao compartilhar sua rotina matinal, que começa às 3h50 e vai até as 9h30. No vídeo, Hall adota comportamentos inusitados e os associa diretamente ao aumento da produtividade diária. “O pecado vive tarde da noite. Se você está lidando com uma mente fraca, más decisões ou falta de produtividade, durma cedo”, escreveu em seu post.

Nos últimos anos, conteúdos como esse têm se tornado frequentes em plataformas digitais e são amplamente propagados, sem considerar as diferentes realidades, condições de saúde e necessidades do público que os consome. Para a psicóloga clínica, Larissa Romano, em entrevista à AGEMT, esse tipo de postagem pode ser prejudicial para quem assiste “Eles estabelecem uma comparação de realidades e isso leva ao sofrimento emocional, principalmente porque são comparações desleais – as realidades são diferentes, e por si só não há equiparação, um lado sempre estará em desvantagem em relação a outro” analisou Larissa.

Entre vídeos de rotinas matinais que começam nas madrugadas, metas ambiciosas e compras de alto custo para exercer atividades físicas, influenciadores digitais exaltam seus desempenhos diários e reforçam a ideia de que “todos têm as mesmas 24 horas”. Com estratégias de engajamento, esse grupo conquista milhões de visualizações e modelam comportamentos de seguidores, principalmente jovens.

“Me sinto culpada por não conseguir aderir a hábitos como acordar às 5h da manhã para treinar. Tento lidar com essa sensação lembrando que as blogueiras que possuem essa rotina lidam com uma realidade totalmente diferente da minha", revelou a estudante de psicologia, Micaeli Macedo. Segundo o Panorama da Saúde Mental 2024, realizado pelo Instituto Cactus em parceria com a AtlasIntel, as redes sociais afetam negativamente 45% das pessoas.

A comparação com pessoas de alto padrão de vida e a tentativa de equilibrar estudos, trabalho, exercícios e lazer, tem levado muitas pessoas a uma rotina exaustiva, marcada pela sensação de insuficiência. A falta de tempo para atender a tantas exigências e as desigualdades sociais, impactam a saúde mental do público que idealiza esses hábitos, um ciclo que reforça padrões inalcançáveis e alimenta a frustração cotidiana.

“O consumo de qualquer tipo de conteúdo se torna prejudicial quando acarreta em sofrimento emocional e psíquico e quando se torna o foco principal de seus pensamentos e ações. O exagero nunca é bom, por isso é perigoso quando percebemos que estamos investindo muita energia em uma coisa só”, afirmou a psicóloga Larissa.

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Cada ser humano tem o seu próprio senso de humor, que é formado por uma série de fatores biológicos, culturais e sociológicos. Por conta disso, a maneira de consumir o gênero da comédia em cada país, se diferencia. O Estados Unidos é conhecido por ser a maior potência na indústria do entretenimento, como consequência, também é o lugar que mais produz e consome conteúdos humorísticos. Lá, a comédia é uma indústria altamente profissionalizada. Os comediantes podem iniciar suas carreiras em diversos clubes de stand-up, estudar em escolas especializadas e são valorizados em suas profissões. Em contraste, o Brasil não possui um grande suporte institucionalizado para a profissão. Até existem clubes de apresentação, mas o brasileiro não possui a cultura de frequentá-los. O que leva os comediantes a dependerem de plataformas como o Youtube, para ganhar visibilidade.

Nos EUA, existem uma diversidade de modelos com bom desempenho, como os late-night shows, que são um gênero de programa de entrevistas, apresentados por comediantes que passaram por outros formatos de comédia, antes de se estabelecerem o suficiente para terem uma uma mesa e um sofá com convidados, em um dos horários nobres a televisão americana. Lá também é extremamente popular o programa de esquete, “Saturday Night Live” (SNL), que impactou e influenciou a indústria mundial do humor. Em 2010, a MTV Brasil, uma rede de televisão dedicada ao público jovem, começou a transmitir um programa chamado “Comédia MTV”, esse tendo como maior inspiração o SNL. Porém, o programa acabou sendo cancelado dois anos depois.

Para um dos roteiristas do “Comédia MTV”, Yuri Moraes, em entrevista à AGEMT, a "razão dele não ter dado certo, foi a falta de incentivo aos participantes do projeto. “As emissoras, querendo ou não, não pagam o suficiente para ser a única coisa que o pessoal tá trabalhando. Então, eu acho que o tempo de dedicação das pessoas ao projeto é um fator”, diz Moraes.

Além da tentativa da MTV Brasil fazer um programa similar ao Saturday Night Live, Moraes acredita que nos EUA existe uma cultura de celebridades mais intensa, e aqui existe uma falta de humor autodepreciativo das pessoas públicas e a falta de vontade delas de serem associadas ao humor. “O programa foi transmitido pela RedeTV, e eles convidaram, mas quase nenhuma das celebridades da Globo, que seria o nosso equivalente a Hollywood, aceitaram o convite”. Então, o formato de esquetes foi aplicado mais uma vez pelos produtores da comédia brasileira, mas dessa vez com sucesso.

No início de 2012, os humoristas: Fábio Porchat, Ian SBF e Antônio Tabet, se reuniram para criar um canal no Youtube, abordando temáticas que eles não conseguiam fazer na televisão, no tempo em que eram roteiristas. Esse canal foi nomeado por eles de “Porta dos Fundos”, e veio para mostrar como o humor na internet poderia competir com a TV e ser altamente lucrativo.

No entanto, enquanto o modelo de esquetes encontrou um caminho de sucesso na internet brasileira, outro formato de comédia americana, chamado de sitcom, nunca conseguiu se estabelecer com a mesma força no Brasil. “Existem programas, como : ‘Eu a Patroa e as Crianças’, ‘Um maluco no pedaço’, ‘Todo mundo odeia o Chris’, que funcionam muito bem no Brasil. Então, não sei se isso ainda não conseguiu ser produzido, porque é super difícil fazer um programa desses assim dar certo, e ainda conseguir refletir com o humor daqui. Mas tiveram alguns que conseguiram chegar perto, como o ‘Sai de Baixo’, que teve um impacto cultural bem forte, apesar de ter apenas um cenário e ser um pouco mais teatral", diz Moraes. 

Uma análise realizada pela Folha de S. Paulo constatou que a cada três filmes do ranking dos cem títulos brasileiros de maior audiência, transmitidos no cinema, dois são do gênero de comédia. Por conta dessa popularidade, a ocupação da comédia em salas de cinema pelo Brasil, aumentou. Entre as 45 mil telas que transmitiram filmes nacionais com maior bilheteria, 30 mil receberam obras de comédia presente em um dos seus gêneros. Um dos responsáveis pelo sucesso do humor nos cinemas, foi o ator Paulo Gustavo. Seu último filme antes de sua morte, foi a comédia com maior público e rentabilidade do país.

Embora os formatos que fazem sucesso em cada país não sejam os mesmos, uma coisa é certa: todos os países consomem a comédia. Enquanto os Estados Unidos consolidaram suas indústrias televisivas e cinematográficas, o Brasil encontrou na internet um caminho para dar mais espaço aos comediantes e explorar novas formas de fazer rir. No fim, o que diverte um público pode não funcionar para outro, mas a necessidade de rir continua universal – mesmo que cada país tenha a sua própria maneira de fazê-lo.

Desde o século 17, a mídia jornalística tem mantido a população informada através dos veículos tradicionais que todos já conhecem: o impresso, a televisão e o rádio. Por muito tempo, mesmo com mudanças significativas na comunicação, essa estrutura midiática se manteve dominante. Entretanto, com o avanço da tecnologia, novas formas de consumo de informação foram popularizadas. Hoje, a necessidade de se fazer presente na internet interfere na maneira de se produzir, criar conteúdo, disseminar informações e conversar com o público. Segundo JC Rodrigues, mestre em comportamento do consumidor e professor na ESPM, “a adaptação dos veículos de comunicação à era digital é uma resposta necessária às mudanças nos hábitos de consumo. O público conectado busca conteúdos que sejam acessíveis, dinâmicos e personalizados, consumindo-os em plataformas que fazem parte de sua rotina, o que exigiu dos veículos pré-digitais serem mais ágeis, criativos e estratégicos, utilizando as plataformas não apenas como canais de distribuição, mas como espaços de interação e engajamento, em uma abordagem mais humanizada da comunicação”, relembra Rodrigues. 

Essa mudança também reflete a convergência entre diferentes mídias, o que cria uma necessidade de se pensar em conteúdos adequados para circular em múltiplos formatos e dispositivos. Por exemplo, o trabalho bruto é postado em alguma rede, sofre cortes, edições e depois é distribuído de outras maneiras em outras plataformas, ampliando não só o alcance do veículo mas otimizando a distribuição da notícia. A ascensão do youtube em 2006 - primeira plataforma a disponibilizar a publicação de vídeos longos - gerou dúvidas sobre até onde a televisão resistiria a essa nova forma de consumo de entretenimento e informação.

Na verdade, o que aconteceu foi a adaptação a esse novo formato. Canais e programas clássicos da televisão notaram a necessidade de se fazerem presentes nas redes sociais, o que ocasionou a criação de perfis para publicar as programações televisivas na internet.

Um dos primeiros programas a se adaptar a esse novo formato no Brasil foi o “The Noite com Danilo Gentili”, atração noturna do SBT. O canal no youtube foi criado em 22 de janeiro de 2014, e desde então soma mais de 15 mil episódios - que estreiam primeiro na rede aberta e depois são publicados na plataforma - 5 bilhões de visualizações e 13 milhões de inscritos.

Quase 10 anos depois, canais já são criados com base nessa estrutura, sem a necessidade de ter uma grande emissora por trás da produção dos conteúdos. Esse foi o caso da “Cazé TV”, perfil no youtube especializado em transmissões esportivas como a Copa do Mundo, Olimpíadas e EuroCopa. Em entrevista ao Rio2C, Casimiro Miguel, dono da Cazé, comenta sobre esse formato: “É muita responsabilidade e jogar isso de graça pro público é muito maneiro. Nossa maior preocupação é tentar trazer todos esses conteúdos de forma gratuita pra galera, por que eu acho que tornar esses esportes acessíveis para todos é muito especial.

Para Rodrigues, um grande desafio para a reformulação dos veículos tradicionais são os hábitos de consumo de informação digital, marcados pelo imediatismo e pela fragmentação. “Considerando que o público não está mais limitado a horários fixos ou formatos rígidos; ele busca conteúdos sob demanda, acessíveis em qualquer lugar e a qualquer momento. A capacidade de atender a estas expectativas acaba por determinar quais veículos receberão atenção das pessoas e, consequentemente, sua relevância na sociedade. Por outro lado, há o desafio entre velocidade e veracidade (ou acuidade), principalmente quando falamos de hard news", diz. 

Muitos veículos enfrentam o desafio de manter sua credibilidade em um ambiente saturado de desinformação e fontes não confiáveis. “A televisão, o rádio e o editorial precisam encontrar formas de se conectar com um público que valoriza a flexibilidade e a personalização, sem perder sua essência. A confiabilidade é o ativo que tais veículos podem (e devem) explorar, mesmo nesta transição para formatos de comunicação mais contemporâneos”, completa Rodrigues.

“A credibilidade e a verificação dos fatos são diferenciais que devem ser reforçados, enquanto as redes sociais podem ser usadas como aliadas para distribuir conteúdos e atrair novos públicos. A combinação de agilidade e qualidade é essencial para equilibrar a disputa pela atenção do público com a manutenção da essência jornalística”, afirma Rodrigues. 

Uma estratégia adotada pelo G1 para contornar alguns obstáculos da internet citados por JC foi a criação do quadro “Fato ou Fake”, em que são esclarecidas notícias falsas através de vídeos curtos. Com esse formato o veículo atrai o público engajado nas redes sociais e desmente as principais fake news, sem perder a identidade e priorizando a informação entre os leitores.

Além disso, o consumo e a produção de conteúdo nas redes também enfrentam a fragmentação da audiência, a concorrência com plataformas digitais e serviços on-demand (disponibilizados e consumidos de acordo com a necessidade do usuário), a queda na receita publicitária tradicional e a necessidade de se adaptar a novos modelos de monetização. 

A estudante de jornalismo na ESPM, Laura Loch, comenta sobre a produção de textos jornalísticos em um ambiente digital: “Desde que comecei a escrever para o Portal de Jornalismo da ESPM me adaptei muito bem à produção exclusivamente online, porém, acredito que o ambiente saturado de informações e a necessidade de manter o engajamento do público possam ser uma dificuldade geral do webjornal”. 

Em relação às adversidades econômicas desse cenário, Rodrigues apresenta soluções viáveis  para garantir a sustentabilidade financeira do jornalismo digital. “O modelo de assinatura digital é uma alternativa prática, mas apresenta desafios consideráveis. Ele pode limitar o acesso à informação, especialmente em contextos de desigualdade digital, onde nem todos têm condições de pagar por conteúdos de qualidade”. Para ele, uma abordagem híbrida, que combina conteúdos gratuitos e premium, seria ideal para equilibrar sustentabilidade e acesso, garantindo que o jornalismo continue a cumprir seu papel social. 

Novas mudanças e o futuro da profissão

A reinvenção digital é inevitável e os veículos precisarão equilibrar a preservação de sua essência com a adaptação às novas demandas e tecnologias. O professor afirma que “não existe mais jornalismo tradicional e digital, existe jornalismo. O que se adapta a uma realidade social (advinda da tecnologia) e os que ficam para trás”.

Segundo levantamento do Google em parceria com a Ipsos, o Brasil está acima da média mundial no uso de inteligência artificial (IA) gerativa - 54% dos brasileiros  declararam ter utilizado ferramentas desse tipo em 2024, enquanto a média global foi de 48%. Assim, a inteligência artificial, cada vez mais aperfeiçoada e consumida, pode alterar o quadro atual do jornalismo online e ocupar um espaço significativo nas produções futuras.

Rodrigues comenta que “a inteligência artificial pode transformar o jornalismo ao automatizar tarefas como redação de textos simples, análise de dados e personalização de conteúdos. Isso permite que os jornalistas se concentrem em reportagens mais complexas e investigativas. No entanto, a IA também levanta questões éticas, como o viés algorítmico e a transparência. O uso responsável da tecnologia será essencial para garantir que ela complemente, e não substitua, o trabalho humano”.

O filme “Vitória”, protagonizado pela atriz Fernanda Montenegro, levou uma legião de fãs às salas de cinema. Após o Oscar de 2025 ter dado um novo fôlego para a indústria nacional, despertando o interesse do público, o longa arrecadou 4,7 milhões sendo o filme nacional com a maior estreia em  2025. “Vitória”, estrelado por Fernanda Montenegro e Alan Rocha, apresenta a  história de Nina, uma senhora solitária que vive em um bairro do Rio de Janeiro que está sendo tomado pela violência do tráfico e conflitos com a polícia. Após suas denúncias não serem ouvidas, ela decide filmar as atividades suspeitas pela janela do seu apartamento, atraindo a atenção de um jornalista, que decide apoiá-la em sua missão. 

O filme dirigido por Andrucha Waddington e Breno Silveira com o roteiro de Paula Fiuza, é inspirado na história real de Joana da Paz, registrada pelo jornalista Fábio Gusmão em seu livro “Dona Vitória da Paz”, publicado em 2005. As gravações corajosas de Joana deram início a uma operação na Ladeira dos Tabajara, em Copacabana, desmascarando uma quadrilha de traficantes e policiais corruptos. Logo depois, para sua segurança, Joana da Paz muda de nome e cidade e vive 17 anos no programa de proteção de testemunhas. 

Joana teve uma vida difícil desde muito cedo, forçada a sair de casa após sofrer inúmeras violências na casa onde trabalhava como doméstica e perder seu filho com apenas 2 anos de idade, ela trilhou seu caminho até se restabelecer e comprar um apartamento na Ladeira dos Tabajaras em Copacabana, em Rio de Janeiro. Formada pela Policlínica Geral do Rio de Janeiro, foi massoterapeuta durante a época em que viveu em Copacabana. Após a crescente criminalidade no bairro onde vivia, insatisfeita com a negligência da polícia, decidiu comprar uma câmera de vídeo para denunciar através de sua janela a realidade violenta da favela à sua frente. 

Em entrevista à AGEMT, a atriz Lívia Gottardi Giorgi, 23 anos, comenta sobre como a violência e o tráfico são retratados em obras brasileiras. “Obviamente seria mais interessante se a gente tivesse esse retrato da perspectiva das pessoas da própria comunidade. A favela é generalizada, todos os personagens que são moradores daquela comunidade no filme, de alguma forma, estão ligados ao tráfico”, diz ela. 

Giorgi aponta que um retrato mais coerente das comunidades só será possível com a inclusão dessas pessoas no mundo cinematográfico e valorização dos artistas periféricos. A atriz paulista é formada em Artes Cênicas na UNESP e, atualmente, é bolsista pelo mestrado em Pedagogia das Artes Cênicas na ECA-USP. Já trabalhou com teatro, streaming e cinema.

Para ela, existe uma falta de liberdade criativa na área. Apesar das produções movimentarem muito investimento, eles dependem de validação de certos júris de grandes festivais para alcançar diferentes públicos, e para agradar tais jurados, existe uma limitação criativa. “É um protesto, mas no caso do cinema, a gente ainda tem alguns impasses, infelizmente", ressalta Giorgi. 

Na época das denúncias, Joana da Paz tinha 80 anos, declarou, após ser vencedora do 14° Prêmio PNBE (Pensamento Nacional das Bases Empresariais) de Cidadania, que não era uma heroína, somente “agiu como qualquer ser humano”. Em entrevista à CNN, Fernanda Montenegro compartilha: “O que me motivou foi a busca dessa personagem por uma justiça social, humana. É uma história verdadeira. Uma personagem não acomodada”. 

A eterna dama do teatro brasileiro, atualmente com 95 anos, acrescenta na mesma entrevista: “Na velhice, a solidão é inarredável. A vida vai levando você à solidão. Com a idade você vai ouvindo menos, vendo menos, se levanta com menos agilidade e as juntas começam a secar. Isso tudo é uma solidão também. Mas o filme não trata Vitória como uma sofrida, demagógica e melodramática. Pelo contrário, é uma mulher afetuosa e destemida”. Com a produção do longa “Ainda Estou Aqui”  e sua vitória na categoria de “Melhor Filme Internacional”, no Oscar 2025, o cinema nacional entra em uma nova fase, a retomada do público aos cinemas e o interesse pela indústria cinematográfica brasileira. 

O sucesso de bilheteria de filmes nacionais refletem esse interesse, “Auto da Compadecida 2” teve 4 milhões de espectadores nos cinemas e somou mais de R$78,9 milhões. O filme “Onda Nova”, proibido na ditadura militar, teve seu relançamento nos cinemas brasileiros após 42 anos de censura, graças ao resgate do costume de ir às  salas de cinema. Lívia Giorgi, apesar de acreditar num maior incentivo após o Oscar 2025,  relembra da “Cota de Tela” – projeto de lei assinado no ano passado em que as empresas cinematográficas devem exibir obrigatoriamente um número mínimo de sessões de filmes nacionais – e a importância de ter pelo menos um filme brasileiro nos cinemas.

“As vezes aquela pessoa que está passando num shopping num domingo à tarde, ela vai pegar o filme que tiver melhor na programação dela, vai esbarrar num filme nacional. Então, isso é fundamental para quebrar uma lógica hegemônica de que filme nacional é “trash”, é besteirol, e quebrar todos esses mitos que não dizem respeito às produções que a gente tem aqui de verdade” comenta a atriz. O Brasil conta com órgãos federais de incentivo à cultura, como o próprio Ministério da Cultura e a Funarte (Fundação Nacional de Artes). Além disso, existem leis de fomento à cultura, como a Lei Rouanet, a Lei Paulo Gustavo e a Lei Aldir Blanc, fundamentais para a sobrevivência da produção de arte nacional.

Na cerimônia do Oscar 2025, Fernanda Torres chega na passarela usando um vestido de alta costura assinado pelo estilista belga Olivier Theyskens. A peça, inteiramente preta e com um imponente decote nas costas, foi ajustada especialmente para a atriz. O look não apenas ressaltou sua elegância, mas também garantiu seu lugar na lista das mais bem-vestidas do Globo de Ouro, segundo a renomada revista americana W Magazine.  

A escolha do vestido não foi aleatória. O tom sóbrio refletia a decisão de Fernanda e de seu estilista Antonio Frajado, de homenagear a trajetória de Eunice Paiva, personagem que a atriz interpretou no filme. Eunice, esposa de Rubens Paiva, enfrentou o desaparecimento do marido durante a Ditadura Militar e dedicou sua vida à busca por respostas e justiça.

Para a jornalista de moda, da Revista Capricho, Sofia Duarte, em entrevista à AGEMT, “a moda é uma ferramenta de comunicação, e é exatamente dessa forma que Torres e Frajado a enxergam. No contexto da divulgação de “Ainda estou aqui”, um filme tão importante para a nossa história, é inevitável, portanto, olhar para as produções da atriz brasileira e pensar sobre a mensagem que elas carregam”, diz Duarte.

Os diversos vestidos utilizados por Fernanda Torres em suas aparições públicas foram foco do público e da mídia não apenas por sua beleza e elegância, mas pelo uso da técnica de method dressing. “O termo em inglês vem do method acting, mas uma coisa não tem nada a ver com a outra!”, explica a pesquisadora, jornalista e professora de cinema e literatura Paula Jacob.   

“O method acting é um método de atuação, que é bem famoso no cinema principalmente. O ator meio que vive a vida do personagem, para entrar em um nível de profundidade e interpretar.” Continua Jacob. “O method dressing é uma coisa mais estética, não é que as atrizes - porque principalmente atrizes fazem isso - estão interpretando essas personagens no tapete vermelho ou em press conference. Elas estão usando esse método de transpor a personagem ou a atmosfera do filme para eventos, para criar toda uma comunicação visual, um storytelling”, explica Jacob.  

Alguns exemplos famosos da tática de unir a moda à promoção de um filme foram a americana Zendaya, durante a campanha de Duna (2021) e Challengers (2024), e a australiana Margot Robbie com Barbie (2023). A motivação comum para o uso de roupas de alta costura é simples: “tudo isso faz um buzz em torno do filme, da atriz e chama à atenção das pessoas, virando notícia” , analisa a pesquisadora. “O method dressing seria essa parte mais lúdica, de você conseguir, esteticamente, resumir o personagem, o filme, a atmosfera”. 

Torres conseguiu se destacar pelo fato de que sua vestimenta não estava atrelada necessariamente à promoção de seu trabalho, mas a um espaço de respeito pela figura que representava, a Eunice Paiva. “Ela estava respeitando a essência da história. Evitando usar coisas muito grandiosas, coloridas, festivas. Ela não estava promovendo um filme festivo, ela estava promovendo um filme sério”, afirma Jacob.

“Isso pedia uma certa descrição. Mas não que essa descrição fosse sufocante a personalidade dela, muito pelo contrário. Eu acho que rolou essa questão, de ter o respeito à personagem, o respeito à história, e ter um respeito à personalidade da própria Fernanda”, acrescenta Jacob. 

Duarte, que realizou uma conversa pela Capricho com Frajado esse ano, confirma o conforto de Torres. “Ele (o estilista) me contou que o preto já é uma cor que a Fernanda gosta; a escolha de preservar a memória de Eunice está mais nas silhuetas clássicas, que garantem um resultado sofisticado mas não desfocam do assunto principal. Essa decisão demonstra um posicionamento político”, diz. 

Nesse universo da moda, as mulheres dominam a cena, sendo constantemente observadas e julgadas por suas roupas. No cinema, essa relação se intensifica, pois o figurino reflete diretamente a obra em que estão inseridas, tornando a mensagem transmitida pelas roupas ainda mais evidente. A jornalista, professora e pesquisadora de cinema Paula Jacob destaca a moda como um poderoso artifício político, capaz de comunicar ideias, imagens e mensagens sem perder sua essência. Como ela afirma: "não consigo ver a moda como apenas um pedaço de pano".

Essa visão se contrapõe à efemeridade das tendências da internet, que desaparecem em questão de minutos. Em contraste, o method dressing — técnica que alinha a vestimenta das atrizes à narrativa do filme — transforma o tapete vermelho em uma extensão da obra cinematográfica. Ao observar os looks das atrizes, é possível identificar referências diretas ao filme, tornando a experiência visual ainda mais marcante para o espectador.